El colectivo LGBT en la música negra y su evolución a lo largo del tiempo

La música negra ha sido una fuerza poderosa en la cultura popular y en la lucha por la justicia social. Sin embargo, a menudo se ha ignorado o marginado a la comunidad LGBT en esta historia. A lo largo del tiempo, los artistas LGBT han luchado por su representación y visibilidad en la música negra. Aunque ha habido avances significativos en la representación de la comunidad LGBT en la música negra, todavía queda mucho por hacer. En este artículo, se analizará cómo la representación de la comunidad LGBT en la música negra ha evolucionado a lo largo del tiempo, desde la época de la música soul y funk hasta el hip-hop y R&B actual. Se discutirán las luchas y triunfos de los artistas LGBT, así como el impacto de su música en la cultura y la sociedad.

En la época de la música soul y funk, la comunidad LGBT estaba todavía en gran medida invisible en la industria de la música negra. Aunque había algunos artistas LGBT como Little Richard y James Baldwin, que hablaban abiertamente de su orientación sexual, la mayoría se veían obligados a ocultar su verdadera identidad debido al prejuicio y la discriminación. Sin embargo, en la década de 1970, con el surgimiento del movimiento LGBT y el aumento de la conciencia sobre la orientación sexual y la identidad de género, comenzó a haber un cambio en la representación de la comunidad LGBT en la música negra. Artistas como Sylvester y Grace Jones comenzaron a abrazar abiertamente su orientación sexual en su música y en su imagen pública. A medida que el movimiento LGBT ha continuado avanzando, hemos visto un aumento en la representación de artistas LGBT en todos los géneros de música negra, desde el hip-hop y el R&B hasta el gospel y la música tradicional. Sin embargo, todavía hay desafíos y barreras para superar en términos de la inclusión y la representación de la comunidad LGBT en la música negra.

En la actualidad, la comunidad LGBT ha ganado una mayor representación en la música negra, pero todavía hay un camino por recorrer en términos de inclusión y diversidad. Artistas como Frank Ocean, Janelle Monáe, y King Princess han sido pioneros en la representación de la comunidad LGBT en el hip-hop y el R&B. Sin embargo, aún hay una falta de representación en algunos géneros de música negra, especialmente en el gospel y la música tradicional, donde todavía hay prejuicios y discriminación en contra de los artistas LGBT. También es importante destacar que, a menudo, la representación de la comunidad LGBT en la música negra se limita a hombres cisgéneros y lesbianas, y hay una falta de representación de personas trans y no binarias. Es crucial seguir trabajando para asegurar que la música negra sea un espacio inclusivo y diverso para todas las personas, independientemente de su orientación sexual o identidad de género.

En la música negra, la representación de la comunidad LGBT también se ha visto reflejada en el lenguaje y en las letras de las canciones. Muchos artistas han utilizado su música como una forma de expresar su orientación sexual y luchar contra la discriminación. Por ejemplo, el rapero Frank Ocean, en su álbum "Channel Orange", habló abiertamente sobre su orientación bisexual, generando un gran impacto en la cultura popular. Otros artistas como Janelle Monáe han usado su música para promover la igualdad de género y la diversidad. Aunque la representación de la comunidad LGBT en la música negra ha mejorado en los últimos años, todavía hay un largo camino por recorrer para alcanzar una verdadera inclusión y diversidad. Es necesario seguir apoyando a los artistas LGBT y trabajar para crear un espacio seguro y acogedor para todos en la industria de la música.

Otro aspecto importante a considerar en la representación de la comunidad LGBT en la música negra es la representación de las diferentes razas y etnias dentro de esta comunidad. A menudo, la mayoría de los artistas LGBT representados en la música negra son de raza blanca, dejando a las personas LGBT de color marginadas y poco representadas. Es importante seguir trabajando para asegurar una representación más diversa y equitativa en la música negra.

Además, es importante señalar que la representación de la comunidad LGBT en la música negra no se trata solo de mostrar a los artistas LGBT, sino también de crear un ambiente seguro y aceptable en la industria de la música para que puedan prosperar y ser libres de ser ellos mismos. Esto incluye luchar contra la discriminación y el acoso en el lugar de trabajo y promover la inclusión en la toma de decisiones y en los festivales de música.

La representación de la comunidad LGBT en la música negra ha mejorado a lo largo del tiempo pero todavía hay desafíos y barreras a superar en términos de inclusios, diversidad y equidad. Es importante seguir apoyando a los artistas LGBT y trabajando para crear un ambiente seguro y aceptable en la industria de la música. Esto incluye luchar contra la discriminación y el acoso, promover la inclusión en la toma de decisiones y en los festivales de música y asegurar una representación más diversa y equitativa en la música negra.

Sin duda, debemos seguir educándonos y concienciando sobre la importancia de la inclusión y la diversidad en la música negra y en la sociedad en general. Es importante escuchar y amplificar las voces de la comunidad LGBT y trabajar juntos para crear un mundo más justo e inclusivo para todos. La música negra siempre ha sido una fuerza poderosa en la lucha por la justicia social, y seguirá siéndolo mientras continuemos luchando por la representación y la igualdad para todos.

Descubriendo a Quando Rondo

Qué absurdo pero qué común es sentir frustración al ver triunfar a chavales menores que tú, hasta que no ves a Anthony Davis en la NBA siendo del 93 parece que tú aún podrías llegar, hasta que no ves a Quando Rondo soltándote una mixtape top 5 del 2018 y millones de visitas con 19 años parece que tú aún podrías pegarte. Y de Quando Rondo quería escribir para compartir conocimiento a los que estáis pa'trás aprovechando que dejo constancia que yo ya quemaba a este chaval desde el minuto 0.

Quando nace en Savannah, Georgia en 1999, ya desde pequeño tiene problemas con la ley, pasa por centro de menores pero es salir y marcar. En octubre de 2017 obtiene la libertad, a finales de noviembre se marca este freestyle y en enero ya tiene millones de reproducciones en su tema con Lil Baby en WSHH.

Tres canciones más tarde publica su primera tape Life B4 Fame con 11 tracks que son una locura de melodías, no sabe cantar pero no le hace falta, el canturreo me sabe a pureza. Rondo tiene de la buena sin cortar, prueba de ello es que no tiene canción mala, 17/17 en bangers, se ríe de Calderón.

Para mi es el nuevo Rich Homie Quan, su tocayo me trastocó en 2014 cuando Young Allen (ahora no sé como se hará llamar) me lo enseñó. Ha logrado sacar 3 mixtapes (la trilogía Still Goin' In) y un disco en los que no falla un tiro. Pero no solo tienen en común la efectividad, la facilidad para elaborar melodías complejas y encadenarlas está presente también en ambos raperos. Además forman parte, aunque en generaciones distintas, por así llamarlo, de la misma nueva cara del sur, lo que empezó de algún modo Gucci Mane y que ha seguido con Future, Young Scooter, Young Thug, Migos, etc.

El Fenómeno Quinqui; La España de los 80's [Contexto Histórico]

Antes de tratar el fenómeno quinqui en sí es fundamental asumir ciertos conceptos del contexto histórico en el que se desarrolla, éste es siempre un condicionante y en la España de los 70’s y 80’s en concreto, es absolutamente esencial. 

En la década anterior, España estaba en pleno proceso de apertura al mundo y aceptación de éste hacia el país antes marginado por gran parte de las naciones "demócratas". Esto se traduce de forma más o menos tangible en los  Planes franquistas de Desarrollo Económico y Social que granjean, como era de esperar, grandes cambios en las estructuras sociales del momento. La principal consecuencia fue el éxodo rural que llevó a la concentración y masificación urbanística.

Fruto de lo comentado se sobreocuparon ciudades como Barcelona y Madrid, actualmente las dos mayores del país, mediante una pésima planificación urbanística, permitiendo un altísimo grado de chabolismo. Los nuevos barrios sin alcantarillado, hospitales y escuelas surgieron formando periferias y grandes zonas dormitorio que, al llegar la crisis del petróleo y consecuentemente el aumento del paro, se hundirían -más si cabe- en la extrema pobreza. 

Las cifras del paro del que hablamos eran más que preocupantes, estadísticas oficiales del INE marcaban en la década de los 70’s una media de 2.200.000 parados cuando la población total era de 24 millones. Para que os hagáis una idea, actualmente hay alrededor de 5 millones de parados, un poco más del doble, pero también hay casi el doble de población total, 46 millones, por lo que podría asemejarse bastante a la situación actual si le sumamos la precariedad de 40 años atrás y obviamos la burbuja inmobiliaria y lo que eso conlleva. Además, lo alarmante es que tan solo el 27% se beneficiaba de la cobertura por desempleo y cerca del 60% era menor de 24 años buscando su primer trabajo. 

Como vemos, fue la juventud la que cargó con una gran parte del peso psicológico de la situación. La muerte de Franco debía insuflar cierta esperanza pero para esos chavales significaría más bien poco, la falta de perspectivas y de futuro son la esencia de los jóvenes que años más tarde impregnaría otros estratos sociales. 

Los descampados y las salas recreativas, pasaron a ser zona de encuentro y ocio de una juventud sin escolarizar (el 25% de los mayores de 14 años estaban fuera del sistema educativo en 1975), la delincuencia, una forma de subsistir (en 1981 había 47.8000 niños menores de 14 años en prisiones y reformatorios); y la droga, sobre todo la heroína, una desconocida forma de evadirse de todo eso por la que sentían curiosidad.

En los periódicos, desde las páginas de sucesos hasta las de papel cuché recogían el problema de dicha droga y de la inseguridad ciudadana. Estos asuntos se convirtieron en un tema central de la opinión pública, salpicando a todo tipo de publicaciones. Asimismo, los medios sensacionalistas alimentaban la historia de algunos de los personajes que se veían abocados a vivir esa vida y que acababan por convertirse en verdaderos mitos. 

El propio Eloy de la Iglesia, director característico del género y uno de sus máximos exponentes, mantuvo que “la delincuencia de estos chicos era la consecuencia de una sociedad agresiva, y responde a las ofertas de una sociedad de consumo a la que no tienen acceso”.

Mi álbum; 1958

R. Fortuna:

Viri: Billie Holiday - Lady In Satin

Lady In Satin fue el último álbum que Billie Holiday llegó a publicar en vida. Tras su muerte -prematura y consecuencia de su abuso de las drogas- se lanzó un disco póstumo que goza igualmente de gran reputación. En Lady In Satin Holiday nos ofrece un sinfin de piezas emblemáticas del Jazz de finales de los cincuenta, con un tono apesadumbrado que se graba en la memoria de cualquier oyente. Según se dice, era el álbum favorito de la propia artista, así que hay que tomarlo en gran consideración.

Ron Delillo: Buddy Holly - Buddy Holly

No exagero si digo que Buddy Holly podría haber sido una de las mayores estrellas de la historia de la música contemporánea si no hubiera sido por su temprana muerte a los 22 años. Pese a eso, la Rolling Stone le incluye en el número 13 de la lista de los mejores artistas musicales de todos los tiempos. Casi nada. Este disco homónimo fue el segundo en la carrera de este chico de Texas que fue un pionero de la música rock y country. Aunque hoy algo olvidado, la influencia que ha ejercido en numerosos artistas es inabarcable. Se trata de su mejor disco y contiene sus dos mayores éxitos: 'Peggy Sue' y 'Everyday'.  

Luna de papel (Paper Moon, 1973) de Peter Bogdanovich

"Triste puedo estar solo; para estar alegre necesito compañía"

Elbert Hubbard 

En el oeste de Estados Unidos, durante los años de la gran depresión y la ley seca, un estafador que se dedica a vender Biblias a las viudas (Ryan O' Neal) se ve obligado a hacerse cargo de una niña huérfana (Tatum O' Neal), cuya madre fue una antigua amante suya. En el trayecto hasta Missouri, donde vive la tía de ésta, nace una amistad entre los dos protagonistas propiciada por los pequeños golpes que van dando por todo pueblo que visitan.

Peter Bogdanovich, cuya reputación se sustenta en su labor de crítico cinematográfico pero también en las películas de éxito que dirigió en los años setenta, emprendió este proyecto de la Paramount -que inicialmente contaba con la dirección de John Huston- e involucró a Ryan O' Neal, actor con quien había trabajado anteriormente, y a su hija, cuyo excelente trabajo seria reconocido por la academia de Hollywood con el premio a mejor actriz secundaria más precoz hasta el momento. 

La película, ambientada en un contexto histórico muy particular de la historia de Estados Unidos -el de los años treinta- y que juega un gran papel en el transcurso de los hechos que en ella se cuentan, está basada en la novela de Joe David Brown, y cuenta, en forma de Road Movie, la relación entre un estafador de poca monta, sin escrúpulos y desencantado de la vida y una niña que pese a haber perdido a su madre ve con ilusión el futuro y la nueva aventura que tiene por delante.

Todos los personajes secundarios que aparecen en ella desaparecen sin excesiva trascendencia, pues el elemento focal del filme es la evolución de la relación humana -muy conseguida y eficaz, por cierto- entre los dos principales.

Las reticencias iniciales dan pie a una cierta colaboración que les permite ganarse mejor la vida, pero no tardan en llegar las desavenencias y los conflictos, resueltos finalmente por el amor casi paterno-filial que nace entre ambos. Como resulta lógico, la joven huérfana está abierta a esta circunstancia desde el primer momento, e incluso pregunta a Moses -así se llama el "vendedor"- si es su padre biológico. Éste, sin embargo, trata de deshacerse de la niña desde un inicio. Es una suerte de free rider que lo único que desea es seguir su camino sin que nadie le moleste y preocuparse únicamente de como ganarse el pan del mañana.

Se dice que fue Orson Welles, amigo y gran referente de Bogdanovich, quien aconsejó que la película fuera rodada en blanco y negro a través de un filtro rojo para añadir contraste a las imágenes. Lo cierto es que la labor del director de fotografía -Laszlo Kovacs- y el resultado final son muy destacables.

Al parecer Bogdanovich también consultó con Welles el nombre de la película -la novela original se titula "Addie Pray" pero al cineasta neoyorquino no le convencía para el filme y buscó una alternativa- y éste le respondió con sorna que "Paper Moon" era tan bueno que no hacia falta ni rodar la cinta, pues podía venderlo por sí mismo.

Afortunadamente no le hizo caso y hoy podemos gozar de una notable película que obtuvo una enorme recepción por parte de la crítica internacional y, especialmente, por la estadounidense.

Las 15 Mejores Sonatas para Piano del Clasicismo

1 - Ludwig van Beethoven - Op.27 No.2 Sonata No.14 'Moonlight'

Una de las producciones para teclado solista más sobresalientes de todos los tiempos -probablemente solo cuestionada por la sonata en si bemol de Franz Liszt- y la más famosa, debido a su primer movimiento.

La obra fue dedicada a la condesa Giulietta Guicciardi, una alumna de Beethoven que logro hacerlo disfrutar de un poco de felicidad después de años de soledad y tristeza. Por desgracia para el maestro, nunca pudo contraer matrimonio con ella.

El apodo de Claro de Luna apareció después de la muerte del autor, surgiendo del poeta alemán Ludwg Rellstab, quien comparó el primer movimiento con el claro de luna del Lago de Lucerna.

Como todos conocemos el inicio de la sonata, facilitaré el tercer y último movimiento, a mi parecer tan memorable como el primero.

2 - Ludwig van Beethoven - Op.106 Sonata No. 29 'Hammerklavier'

Con el sobrenombre de 'Gran Sonata para piano de Martillos', Beethoven presenta una de las sonatas más largas jamás compuestas (entre 40 y 50 minutos) y, para muchos, la pieza más difícil del repertorio pianístico.

En su publicación la acogida por parte del público fue nula y ningún pianista se atrevía a enfrentarse a tal obra. Al acabarla, el compositor se dijo para sí mismo que ya sabía componer y que esta obra no daría problemas a los pianistas que la ejecutaran 50 años tras su composición. Pero la realidad es que incluso 100 años después no se creía que la obra hubiese sido ejecutada correctamente. Se considera que fue Franz Liszt el primero en demostrar que se trata de una obra ejecutable.

3 - Ludwig van Beethoven - Op.57 Sonata No.23 'Appassionata'

El compositor llevó la virtuosidad pianística a un nuevo nivel de complejidad, y la fusionó con su nuevo estilo heroico mostrado también en la Sinfonia No.5 con esta violenta y apasionada sonata, una de sus favoritas del género.

4 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.331 Sonata No.11

La más famosa y elevada sonata para piano que Mozart llegó a componer. La obra se inicia con un tema con siete variaciones muy agradable seguido de un animado minueto. Finalmente, la obra es encumbrada por la celebérrima 'marcha turca', la cual imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros.

5 - Ludwig van Beethoven - Op.13 Sonata No.8 'Pathetique'

La mejor sonata de la etapa inicial de Beethoven. Es considerada una obra fundamental en la producción pianistica, entre otros méritos, por ser de las primeras de corte pre-romántico. En el primer movimiento de esta sonata aparece por primera vez una introducción 'grave', que suscita elementos de dolor atenuados por momentos de luz.

El segundo y tercer movimiento son muy conocidos y poseen una gran belleza.

6 - Muzio Clementi - Op.50 no.3 'Didone Abbandonata'

La obra maestra de un genio olvidado. El primer movimiento es uno de los mayores logros del clasicismo al teclado, de una expresividad inaudita. Al igual que las últimas sonatas de Beethoven, son en gran parte de corte romántico.

7 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.310 Sonata No.8

Escrita en París tras la muerte de la madre del compositor. Figura entre las mejores obras para piano del clasicismo temprano.

8 - Franz Joseph Haydn - Hob. XVI:49 Sonata No.59

Sonata que marcó el  inicio de la madurez del estilo de Haydn. Me gustaría recomendar también la Sonata 32 del compositor, la cual se ha quedado a las puertas de entrar en la lista.

9 - Ludwig van Beethoven - Op.31 No.2 Sonata No.17 'Tempest'

Al igual que con su sonata "Moonlight", el sobrenombre de ésta no surgió hasta después de la muerte del autor. El nombre viene dado por su primer biógrafo Anton Schindler, quien afirmó que Beethoven se inspiró en la obra homónima de William Shakespeare, aunque los expertos no están seguros de que sea cierto. Aunque el titulo quizás haga referencia a la obra del dramaturgo inglés, el carácter apocalíptico del primer movimiento de la sonata parece representar la furia inestable de una tormenta.

10 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.282 Sonata No.4

Compuesta alrededor del año 1774, esta es la primera sonata sobresaliente que escribió el compositor. Tanto su datación como su clasificación como sonata No.4 han sido puestas en duda en varias ocasiones.

11 - Jan Ladislav Dussek - Op.77 'L'invocation'

12 - Leopold Kozeluch - Op.20 No.3

13 - Ludwig van Beethoven - Op.53 Sonata No.21 'Waldstein'

14 - Muzio Clementi - Op.50 No.2

15 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.545 Sonata No.16

El sur (1983) de Víctor Erice

"Los recuerdos no pueblan nuestra soledad, como suele decirse; antes al contrario, la hacen más profunda."

Gustave Flaubert

En una remota localidad del norte de España vive Estrella, una niña de apenas 9 años que comparte sus días junto a sus padres, un médico y zahorí andaluz (Omero Antonutti) y una profesora represaliada tras la guerra. La admiración inicial de la pequeña por su padre da paso al misterio que acompaña el pasado de éste.  

Pese al éxito obtenido con El espíritu de la colmena (1973), el cineasta vizcaíno Víctor Erice no volvió a dirigir una película hasta diez años después, cuando encaró un proyecto basado en una historia de Adelaida García Morales titulada El sur. Así nació esta conmovedora cinta -la segunda y última de ficción que ha dirigido su autor- no exenta de problemáticas, pues Erice nunca llegó a filmar la totalidad de su guión debido a que el productor Elías Querejeta canceló el rodaje aludiendo motivos económicos. Lo cierto es que ha habido discusiones acerca de los motivos o la conveniencia de detener la historia sin su parte final, y todos los implicados han dado su opinión al respecto. De lo que no cabe duda es de que, aunque el precipitado fin de la historia alienta su vertiente enigmática, todos los cinéfilos y amantes del arte debemos lamentar que Erice nunca pudiera completar su segunda película, así como de que no se haya prodigado posteriormente en la realización de largometrajes.

Sea como fuere, El sur se mantiene vigente como una de las cintas más relevantes de la cinematografía española. Sin ir más lejos, fue elegida en 1996 por críticos y profesionales del cine como la sexta mejor película española de todos los tiempos. Desde aquí no podemos más que sumarnos al gran colectivo que conforman los admiradores de esta película y tratar de perfilar algunos de los motivos que nos inducen a tal pleitesía. 

En El sur, igual que hizo con su ópera prima, Víctor Erice utiliza una niña para hablar acerca del mundo de los adultos y de la España de la posguerra. Estrella es una joven que, como todos alguna vez, admira a su padre. Este personaje, que en realidad es el gran protagonista del filme, es un médico y zahorí que abandonó su tierra natal, Andalucía, debido a discrepancias ideológicas con su padre, un franquista. La fascinación que las capacidades de Agustín causan en su hija vienen envueltas en un halo de misterio que Erice esboza con suma elegancia y prodigiosa destreza. Poco a poco, y con el paso del tiempo, la niña va indagando en el pasado de su padre, y con ello no consigue más que ahondar en un misterio que es incapaz de resolver. Al mismo tiempo, empero, los espectadores asistimos a la sutil evolución de un personaje de carácter casi místico en sus inicios y que poco a poco se va volviendo más humano a nuestros ojos, hasta que descubrimos la enorme soledad en que vive y la tortura a la que le someten los recuerdos de su pasado.

A grandes rasgos, y sin entrar a desvelar cuestiones muy concretas del metraje, esa seria la base de la cinta. Erice se vale de esta historia para hablarnos de multiplicidad de cuestiones al mismo tiempo: La soledad, el amor, la pérdida, los remordimientos, la posguerra... Todo ello envuelto por una suave cortina de humo que es la realidad del mundo desde el punto de vista de una niña incapaz de comprender aquello que ve, siente e intuye.

   

El contraste establecido entre el frío y solitario norte y el cálido sur pierde algo de vigor debido a la ausencia del metraje que trascurría en Andalucía, pero aún así las constantes referencias a éste y las ansias de Estrella por conocer la tierra en la que nació y creció su padre compensan ese déficit. Además de la excelente labor de los intérpretes -en especial un soberbio y melancólico Omero Antonutti- y la mano maestra de Erice, cabe destacar el sublime trabajo de fotografía de José Luis Alcaine, quien nos lega escenas para el recuerdo -sin ir más lejos la que abre la película.

En definitiva, un ejercicio cinematográfico de primer nivel que evoca una contenida nostalgia capaz de llegar al alma del espectador. La escena que da pie al tramo final, en la que padre e hija comparten una comida mientras suena una pieza musical que les recuerda tiempos más felices y que resultarán ser los últimos momentos que compartan juntos es sencillamente memorable. Una obra maestra.

    

El puente (Die Brücke, 1959) de Bernhard Wicki

"La guerra es dulce para aquellos que nunca la han experimentado"

Erasmo de Rotterdam

Alemania, primavera de 1945. En una pequeña población del oeste de la geografía germánica un grupo de muchachos y sus madres conviven con la incertidumbre de cual será su destino, pues la situación del Imperio Nazi es límite y ya no quedan hombres para defender las posiciones del eje. Esto hace que los niños capaces de llevar un arma sean llamados a filas, ante la desesperación de sus madres.

Estremecedor y arduo filme antibelicista que denuncia unos hechos acaecidos en Abril de 1945, cuando el ejército Nazi se encontraba ya derrotado, con las tropas aliadas ocupando territorio alemán en el este y el oeste, y aún así defendió cada población hasta las últimas consecuencias, llamando a filas si era necesario a muchachos de apenas dieciséis años.  

Bernhard Wicki, más conocido por su faceta de actor y por haber dirigido los episodios alemanes de la superproducción Hollywoodiense El día más largo (The Longest Day, 1962) -que narraba el famoso desembarco de Normandía desde el punto de vista de los dos contendientes- dirige aquí su obra maestra, un filme reposado y bien construido que además de narrar los horrores de la guerra -que se hacen el doble de terribles al tener como víctimas a simples muchachos- responde a numerosas cuestiones sobre la sociedad alemana de la época.

El filme se estructura en dos partes bien diferenciadas: La primera nos narra la vida en el pueblo antes de que este sea atacado por los aliados. Este es un tramo del metraje sumamente interesante. En él, conocemos a los protagonistas de la historia -simples muchachos que van a la escuela, juegan entre ellos, hacen gamberradas como beber alcohol a escondidas o flirtean con chicas- y a sus familias, hecho que nos permite profundizar en el carácter de cada uno de ellos y realizar una detallada fotografía de la sociedad alemana en los últimos meses de la guerra. 

La mayor parte de los muchachos han perdido a sus padres, y los que no tampoco guardan una especial relación con ellos. La mayor parte de las madres sufren por el trágico destino que se les avecina, especialmente al ser conscientes que sus hijos podrían terminar en el frente. La excepción está en la familia más acomodada del pueblo, una familia de oficiales donde el orgullo de la raza aria se hace más patente que en ningún otro lugar. Los chicos, por otra parte -y esta es la clave de la historia- se encuentran ilusionados con la idea de ser llamados a filas. Sueñan con servir a su gran patria y convertirse en héroes, ajenos a los horrores que supone entrar en combate y que más tarde descubrirán.

La segunda parte es aquella que narra los sucesos desde que los chicos dejan atrás sus familias para incorporarse al servicio militar. Tras un solo día de instrucción, se ven obligados a entrar en acción por la urgencia de la invasión americana, pero un general, en vista de que no podrán hacer frente a la primera línea de fuego, los envía a la retaguardia a cubrir, por pura coincidencia, el puente que da entrada a su población. Este no será, sin embargo, un buen refugio para ellos.

    

En definitiva, un filme desgarrador que gracias al buen trabajo realizado con sus personajes y a la contextualización histórica consigue involucrar al espectador en el conflicto que termina deviniendo. El puente es un firme alegato en contra de todo aquello que supone una guerra y que Wicki, nacido en 1919, conocía bien, pero también es una película histórica que pone en relieve la influencia que el fascismo tiene en los jóvenes y en las actitudes que estos toman. Una historia tremenda que merece ser reivindicada.

Instrumentos del Mundo: El Órgano y sus máximos exponentes

El órgano es un instrumento musical de aire insuflado (como el acordeón o el armonio) clasificado como instrumento de viento y teclado.

Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes al pulsar una tecla o otro, tradicionalmente se suministraba el aire por medio de fuelles movidos a mano, actualmente se tiende a suministrar mediante compresores.

Posee diferentes registros o sonidos, que son accionados mediante unas palancas o botones alrededor del lugar donde el interprete se sitúa para tocar el órgano, cuyo timbre dependerá de las características materiales del propio instrumento. El órgano se toca con manos y pies, convencionalmente poseen más de un teclado superior y otro, de considerable tamaño, en la parte inferior de éste para los pies.


El origen del instrumento se remonta a la antigua Grecia, creado bajo el nombre de Hydraulus por un ingeniero griego llamado Ctesibios para entretener musicalmente los juegos. En su estado primitivo el instrumento solo servía para tocar sonidos al azar, más adelante se agregaron más tubos, los registros - para impedir que todos los tubos sonasen a la vez- y un teclado para permitir la composición.

Aproximadamente durante el siglo XII surgió un órgano pequeño muy popular llamado Portativo o Órgano Portátil, usado habitualmente para acompañar a los gladiadores en el circo y más tarde en las procesiones de la iglesia.

Era lo suficientemente pequeño como para poder suspenderlo del cuello con una correa o cadena, o bien apoyarlo sobre las rodillas. El interprete accionaba los fuelles con una mano y tocaba las teclas que producían los sonidos con la otra.

https://www.youtube.com/watch?v=AO6Hsf3xeuM

Como hermano mayor del Portativo surgió el Positivo, instrumento para tocar con las dos manos que se colocaba sobre una mesa o en el suelo mientras otra persona movía los fuelles.

 "Chant d'Amour" de Edward Burne-Jones

El siglo XV fue su época de esplendor, usándose tanto para la música religiosa como secular como acompañamiento del canto o formando parte de pequeños conjuntos instrumentales. Durante el barroco se utilizó en la ejecución del bajo continuo en obras corales y demás, a mediados del siglo XVII se empleó para la interpretación de música eclesiástica.

  

En las Iglesias habitualmente se encontraba un Gran Órgano encima de una tribuna y un Positivo colocado cerca del primero. Llegó el momento en que se acopló el teclado del Positivo debajo del del Gran Órgano para no tener que cambiar constantemente de instrumento, por esto en los órganos de acción mecánica, como habrán visto algunas veces en vídeos o en directo, las teclas que toca el interprete en un teclado bajan solas en los demás como si se estuviesen tocando a la vez.

Con el paso del tiempo se creó el Pedalero, el teclado inferior para ser tocado con los pies. El problema y/o necesidad de sostener algunas notas por largo tiempo impidiendo soltar los dedos de las teclas se solucionó, con el Pedalero el interpete es capaz usar los pies para, por ejemplo, tocar el bajo continuo de la obra o otro tipo de acompañamiento y dedicar sus manos a múltiples melodías. Finalmente evolucionó a un largo teclado con 30 teclas aproximadamente que permitía poder tocar con los dos pies con la misma destreza que con las manos.

Después de estos cambios y avances en el instrumento, el órgano se volvió uno de los principales instrumentos hasta entrado el clasicismo musical. Se escribió muchísima música para éste, principalmente en Alemania, España, Francia, Inglaterra y Italia (durante el período medieval-renacentista-barroco), donde cada país desarrolló su órgano y estilo característico.

Durante el clasicismo (sobretodo desde la etapa de W.A. Mozart) el instrumento fue prácticamente ignorado por la pujanza de la música instrumental de conjuntos y el perfeccionamiento del piano.

Durante el romanticismo y tras la recuperación de la obra de los maestros del barroco, músicos como Johannes Brahms o más posteriormente Max Reger compusieron obras memorables.

https://www.youtube.com/watch?v=3Z6-oZX_Pyo

HABLAR DEL ARMONIO

Para acabar mencionaré el Armonio, instrumento de apariencia similar al órgano pero sin tubos y de mucho menor tamaño inventado en Alemania a principios del siglo XIV y  desarrollado en Francia a partir del siglo XIX.

https://www.youtube.com/watch?v=viXcfnMJtqI

Grandes Organistas

Dietrich Buxtehude (1637-1707)

Compositor y organista danés que ocupó desde 1668 hasta su muerte el cargo de organista en la iglesia de Santa María de Lübeck. Su prestigió fue tal que Johann Sebastian Bach -quien se inspiró en su obra para sus propias composiciones- caminó 300 Km para oírlo tocar, también recibió la visita de Georg Friedrich Händel. Compuso casi 300 obras de sobresaliente calidad, pero es recordado mayormente por su producción organistica donde destacaremos las obras: Passacaglia BuxWV 161, Toccata in D minor BuxWV 155, Ciacona in E minor BuxWV 160, Fugue in C Major BuxWV 174, "Erhalt uns, Herr, bei deinem Wort", BuxWV 185,  Prelude in E major BuxWV 141. A mi parecer uno de los mejores compositores olvidados del barroco.

Johann Pachelbel (1653-1706)

Comúnmente se desconocen las obras para órgano del sacralizado compositor barroco. Aún siendo el "canon en re" su mejor obra, sus composiciones para órgano ocupan prácticamente la totalidad de su repertorio. Además de sus 95 fugas sobre magníficat de las que ya hablamos en la entrada del compositor, destacaremos las obras: Ciacona in F minor, Prelude & Fugue in D minor, "Komm, Gott Schöpfer, Heiliger Geist", Toccata in E minor, Toccata in G minor, Toccata in C minor. "Was Gott tut, das ist wohlgetan"

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Maestro de maestros, Johann Sebastian Bach es incontestablemente el mayor organista de la historia, tanto por la calidad y profundidad de sus composiciones como por el extraordinariamente excelso catalogo que legó. Durante su vida fue conocido principalmente como organista y por su legendaria capacidad de improvisación en el instrumento. Lista de obras importantessssss

https://www.youtube.com/watch?v=_W4PJUOeVYw

Max Reger (1873 - 1916)

A menudo considerado el mayor organista desde Johann Sebastian Bach. Su producción para órgano se ha ganado un lugar firme en el repertorio habitual. El órgano era el instrumento perfecto para satisfacer la pasión de Reger por el contrapunto. Las obras más importantes del compositor son "Introduktion, Passacaglia & Fuge e-moll, op. 127", Fantasie un Fuge d-moll Op.57 "Inferno Fantasie"", Fantasie un fugue über B-A-C-H Op.46 (una de las más difíciles del repertorio), "Introducction & Passacaglia in d" y las sonatas para órgano

https://www.youtube.com/watch?v=qL9J5kcZzSU

Posibles: Louis Vierne

Otros Organistas Importantes

François Couperin 

Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) - Link

Henry Purcell - Link

César Auguste Franck - Link

Felix Mendelssohn (1809-1847) - Link

Camille Saint‑Saëns (1835-1921) - Link

Johannes Brahms (1833-1897) - Link

Johann Christoph Kellner (1736-1803) - Link
Jehan Alain (1911-1940) - Link
Eugène Gigout - Link
Charles Marie Widor - Link
Marcel Dupré - Link
Alexandre Guilmant (1837-1911) - Link
Franz Schmidt - (1874-1939) - Link


Obras para organo de otros compositores

Georg Friedrich Handel - Conciertos para Organo

Wolfgang Amadeus Mozart - Fantasia

Robert Schumann - Seis estudios para Organo Op.56 - Link

Franz Liszt - "Les Préludes" & "Ad nos ad salutarem undam" - Link

Carl Nielsen (1865-1931)

Edward Elgar - Adagio for strings orchestra, harp and organ Op.70 - Link

El fotógrafo del pánico (Peeping Tom, 1960) de Michael Powell

¿Sabes que es la cosa más aterradora del mundo? El miedo.

Mark Lewis (Carl Boehm) es un joven que trabaja como cámara en unos estudios de cine británicos y que aspira a ser director algún día. En su tiempo libre realiza fotografías pornográficas para el dueño de un quiosco y graba con su cámara de mano un enigmático documental. Mark es un perturbado que tiene como obsesión retratar las emociones humanas más extremas, especialmente el terror, y para ello asesinará a jóvenes muchachas mientras les filma un primer plano.

Terrorífica y rompedora cinta que en su día, y dentro del contexto de una sociedad ultra-conservadora como la británica, cosechó un tremendo fracaso de público y recibió las más duras críticas por parte de los expertos, además de sufrir los cortes de la productora. Afortunadamente el paso del tiempo la ha puesto en el lugar que merece y hoy su categoría de obra maestra del terror y la influencia que tuvo dentro del género están fuera de toda duda.

La película es un ejercicio sereno y sobrio, como era habitual en Michael Powell, acerca de cuestiones moralmente delicadas como el vouyerismo -de ahí el título original del film, Peeping Tom, expresión que usan los anglosajones para designar a la persona que realiza dichas prácticas-, la pornografía o el terror. Pero la cinta también gira entorno al fascinante mundo de la cámara, que aquí es prácticamente un actor principal, ya que Mark la lleva siempre con él y en numerosas ocasiones -nada más y nada menos que en la escena inicial, por ejemplo- el director nos muestra su punto de vista. La capacidad de ésta para captar las emociones humanas obsesionará al protagonista y al propio espectador durante los más de noventa minutos de metraje. 

El éxito de la película, empero, se sustentara en el realismo conseguido gracias al notable desarrollo psicológico de los personajes, en especial el del protagonista, un joven depravado que de pequeño sirvió como conejillo de indias a su padre, un científico que investigaba la psique humana y el mundo del sueño y las pesadillas. Por ello, Mark se ve desde muy pequeño enfrentado a la que posteriormente será su inseparable compañera, la cámara, puesto que su padre querrá rodar todo su proceso de crecimiento. Lo peor para el niño es que no se conformará con eso, sino que le provocará pesadillas y le despertará bruscamente para ver como reacciona y así poder grabarlo.

Estas torturas, sumadas a la prematura muerte de su madre, hacen de Mark el psicópata que ahora es, y que Michael Powell no trata de ocultar ni un momento, ya que en el inicio del filme nos descubre la identidad del asesino -otro elemento impropio de las cintas del género. Su interés no es que el espectador se pregunte quién es el asesino, sino cómo mata a sus víctimas y porqué.

En definitiva, una escalofriante cinta, con secuencias para el recuerdo -especialmente aquellas en que se cometen los crímenes, perfectamente elaboradas por Powell- y que marcó tendencia dentro del género de terror, en el que se tomó la técnica del punto de vista del asesino y su mentalidad perturbada como referencia para futuras producciones. La polémica que suscitó dentro del Reino Unido prácticamente dejó en stand by la brillante trayectoria de Michael Powell, que seguramente esta vez fue más allá de lo que los espectadores podían asumir.