P.A.W.N. GANG; Barnanistán

A finales de la década pasada aparece en Barcelona un O.V.N.I., la P.A.W.N. Gang. La squad catalana es objeto de críticas, el notable hateo forma parte de su trayectoria, podríamos asegurar incluso que sin la mofa y las críticas no habrían llegado donde están, al menos no con esta rapidez. También son voladores, puesto que consumen suficiente marihuana como para no aterrizar nunca, hablaremos de eso después. Y sin duda, no identificados, ya que me atrevería a decir que el 50% de su público no entiende por qué hacen qué; y el porcentaje aumenta a medida que incorporas variables en los oyentes como vivir fuera de Catalunya o seguir atrapado en la concepción errónea del hip hop en España. De todo esto y de más estuve hablando con ellos en el blac.

Empecemos por el principio, hace casi tres años Yung Mare The Owner, Lil Guiu y Tyle Da Deala se unen para grabar algo de música en el KN Studio de DJ Nesk. Llegan a lanzar una mixtape bajo el nombre de From Di Soul en la que tienen temas producidos por el propio Nesk además de remixes con beats de USA, de Watch The Throne, por ejemplo. Tyle rapea en francés mientras que Guiu lo hace en inglés y Mare en castellano. Su intención, dicen, era la de hacer música, sin grandes aspiraciones o espectativas, pero en serio.

Nada que ver con lo que se estaba gestando de forma paralela, como muchas de las mejores cosas, surgió casi sin quererlo. Hablando de cómo supe yo de su existencia, me cuentan que el embrión de lo que es la PAWN Gang hoy podría considerarse el "Teuma Swag (Sofa Hercules)". Todo el mundo tiene un colega que se duerme siempre, el típico que se conoce a la perfección todos los sofás de sus colegas (S/O a mi hombre Cho), pues Teuma (el primero que veis aparecer en EVIDENTMENT) parece que es ese tipo de colega y para acrecentar las risas que se traían con la coña, Lil Guiu decidió hacerle un tema. Este fue el resultado, una canción cargada de autotune con un "videoclip" grabado desde un móvil y en el que se aprecia un gran despliegue técnico de cooking dance y la nula preocupación de Guiu por el qué dirán.

La influencia de Lil B aka TheBasedGod es más que evidente y marca, en parte, el sonido de lo que será su squad. La Pretty Ass White Niggas Gang acaba siendo el resultado de mezclar las ganas de hacer música y el saber hacer de From Di Soul apuntando en una nueva dirección e idioma. Se vieron sorprendidos por el tirón que parecían tener esas canciones de risas y en el idioma que habían decidido dejar fuera en FDS por el poco alcance que, supusieron, tendría.

En esta nueva aventura se cae Tyle (aunque lo veremos en feats) y se unen Good Jan, hermano de Lil Guiu, Monra Swag y Teuma Swag. Al menos que rapeen habitualmente, puesto que son un buen puñado entre una cosa y otra, de hecho, ese mismo día conocí a Valera aka tu chico 37 pares de zapas, quien produce en Kush'd Up (ojito con estos chavales) y también forma parte de la PG.

Ya sabéis de dónde salen pero ¿qué hacen ahora? Pues son el máximo exponente del drill en España. No es que yo conozca la totalidad de grupos del país pero os reto a que encontréis a alguien que hiciera drill en 2012 más allá de los remixes del archiconocido I Don't Like de Sosa. Prácticamente los pioneros del género, indiscutiblemente lo son del mismo en catalán.

Por otra parte, es una lástima ver a gente que les gusta o que lo critican pero no son conscientes que las letras, las pintas o incluso los gestos son made in Chicago. Puede gustarte sin saberlo pero seguro que no lo disfrutas de igual forma. Algo parecido pasa con la codeína (shout out a mi hombre Alen que nadaba en Sprite sucio ya en 2011), este último año ha sido un contínuo postureo de críos con el jarabe; a algun verdadero quinqui se le ha vendido la botella de toseína a 20 euros por querer aparentar.

Se mire como se mire, la PAWN Gang trajo algo nuevo y recibió cierto rechazo por ese miedo castizo a lo desconocido, a lo diferente; recordemos también que hasta hace a penas dos días era usual oír aquello de "yo no escucho rap en inglés porque no lo entiendo" o "vas de americano y no lo eres", no es el mejor de los ambientes para hacer música en catalán inspirada en USA. Sin embargo, ese rechazo ha ido disminuyendo con el paso del tiempo y, se espera, será menor aún en un futuro.

Alejándonos un poco de lo estrictamente musical les pregunto por el cannabis, me recibieron con "un saco de hierba sobre la mesa" que diría Elsso, así que era un tema a tocar. Coincidimos en la criminalización que sufre su consumo y la desinformación sobre las consecuencias de éste en la salud. Era algo que me esperaba, pero mi sorpresa viene cuando me cuentan sobre el ambiente liberal en el que se han críado, en cada una de sus casas el consumo de marihuana era algo aceptado y han podido disfrutarlo como mejor han sabido. Guiu dice notar como el fumar le ha hecho perder ese "sentido común" que dice tener todo el mundo a la vez que ha ganado en otros aspectos y que no se pone límites en cuanto al verde. Para Good Jan es algo que le aporta vitalidad, "yo me levanto por la mañana los días que no trabajo, me fumo un porro y me entran ganas de hacer millones de cosas", asegura. Cerramos el tema entre anécdotas y risas al decir Yung Mare lo mal que le sabe que alguien deje de fumar, la tristeza invadió el ambiente cargado de humo.

Obviamos el beef a Corredores de Bloque; la (no) relación con Steve Lean, quien produjo y aparece en iMPARA MiXTAPE, su primer trabajo concebido como tal; y les planteo la idea de sacar un LP. Están mucho más predispuestos a ello de lo que imaginaba pero dicen querer aprovechar el tirón que llevan y grabar su segunda mixtape (El Retorn Dels Jedis) mientras siguen haciendo cosas con la gente de Ibiza Hip Hop Players; Toni Pla, Cristo Corona y compañía.


Mucha gente -lo creáis o no, ya son un todo un fenómeno en Barcelona y fuera de ella- está esperando con cierto ansia otro trabajo que echarse al oído pero la verdad es que su ritmo de producción es altísimo, raro es el mes que no tienes un par de temas pendientes de escucha.

Con respecto a la jerga, el joves nais no usan un slang ecléctico, cogiendo de aquí y de allí conceptos a causa de la multiculturalidad de las grandes ciudades como Barcelona o Madrid. Aunque oigamos guiños al Chicago que tanto adoran (véase thotiana), prácticamente la totalidad de los términos son de cosecha propia. Esto dificulta su comprensión exacta y por tanto, la reproducción; ante esto algunos de sus simpatizantes los acosan en busca de definiciones y otros se aventuran a usar la jerga de forma completamente errónea en ocasiones. Esto dejará de ser un problema ya que nos cuenta Yung Mare que lleva algun tiempo dándole vueltas a la idea de hacer un pequeño (o no tan pequeño) glosario para que no hayan barreras en cuanto a la comprensión.

A modo de conclusión añadiría que guste o no, estos chavales son cuanto menos interesantes y aportan variedad al panorama nacional, había un vacío y ellos han sabido llenarlo con gusto, a los hechos me remito. En particular en este blog se les apoya al 100% y nos alegra que haya quedado atrás el tomarlos a broma, la P.A.W.N. Gang va muy en serio, pero no me creáis a mí, tan solo dadles tiempo.

Roy Lichtenstein y el Pop Art

Roy Fox Lichtenstein, de origen judío alemán, nació en Nueva York el 27 de octubre de 1923. Fue un pintor de Pop Art, artista gráfico y escultor pero es conocido mayormente por sus interpretaciones a gran escala de escenas de cómic. 

Su educación artística comienza en 1940 cuando se inscribe en las clases de verano del Art Students League of New York, tras terminar la secundaria. Continúa su formación en la Universidad de Ohio hasta 1943, cuando se une al ejército para luchar en la II Guerra Mundial. A su vuelta y en la misma facultad, obtiene una licenciatura y un máster en Bellas Artes. En 1949 es contratado como profesor. En 1951 se organiza su primera exposición individual en la Carlebach Gallery de Nueva York con obras que podemos situar entre el cubismo y el expresionismo.

En 1957 empieza a enseñar diseño industrial en la Universidad de Oswego y se adhiere al expresionismo abstracto. Tres años más tarde empieza a impartir clases en la Universidad Estatal de Nueva Jersey y con este nuevo entorno su estilo cambia y en 1961 aparecen sus primeras obras de Pop Art. Entre ellas, es fundamental Look Mickey, ya que es la primera en la que usa el estilo que después va a ser su sello de identidad: coloridos puntos Ben-Day, claras líneas que definen los contornos, la estilización, la abstracción de las figuras y las cuidadas composiciones.

A partir de ese momento sus obras van a ser expuestas junto a la de otros artistas pop como Andy Warhol y Jasper Johns en la Leo Castelli Gallery. Éstas eran vendidas antes de la inauguración ya que la influencia de los coleccionistas pesaba más que la de los críticos que consideraban sus obras vanas representaciones de objetos cotidianos y viñetas de comic vacías y vulgares. Para crear sus primeras obras mezclaba imágenes sacadas de los envoltorios de chicles y los cuadros del viejo oeste del artista estadouniense, Frederic Remington. Después, las series basadas en mujeres de DC Comics y las imágenes de explosiones lo posicionan como uno de los artistas de Pop Art más reconocidos. Se estima que existen unas 4.500 obras originales de Roy Lichtenstein en circulación entre pinturas, esculturas y unas 300 estampas.

Pero ¿cómo realizaba estas obras? Las primeras obras las pintaba a mano, pero después adoptó un sistema de plantillas. A partir de un dibujo dado, de un cómic, hacía un boceto con las formas básicas y los colores, lo trasladaba con un proyector sobre un lienzo de gran tamaño y, una vez allí, utilizando las tintas de la imprenta, la cuatricromía de amarillo, rojo, azul y negro sobre blanco. Hacía primero los puntos, después las zonas de color y, por último, los contornos. En 1961 empezará a usar una pantalla de metal hecha a mano y un rodillo de pintura para obtener el efecto de los puntos Ben Day.

   Mujer bañándose (1963)

Oh, Jeff... I love you too... but... (1964)

Whaam! (1963)

   

Ohh... Alright (1964)

En el coche (1963)

Chica ahogándose (1963)

Explosión (1965-1966)

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, heroínas de comic en una pose más sensual y erótica, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. Sin embargo estos artistas siempre estuvieron presente en la mente de Lichtenstein. 

A mediados de los sesenta deja la enseñanza para dedicarse en exclusiva a su carrera artística. Comienza a experimentar con la escultura en 1964. Entre finales de los setenta y los años ochenta crea esculturas por encargo para espacios públicos de varias ciudades internacionales.

              La cara de Barcelona (1991-1992)

Cabeza con sombra azul (1965)

    Pincelada (1996)

Con un gran éxito comercial y el reconocimiento como uno de los artistas imprescindibles del desarrollo del arte contemporáneo en el siglo XX (entre otros honores recibe en 1995 la Medalla Nacional de las Artes de su país), Roy Lichtenstein muere de neumonía a un mes de cumplir 74 años.

Las obras de Lichtenstein se han convertido en un icono y en diversas tiendas podemos encontrar todo tipo de objetos con sus cuadros estampados. Sus obras son mundialmente conocidas y se han utilizado para anuncios, portadas de discos, carteles etc.

Arquitectura modernista en España

Hoy voy a hablar de un movimiento artístico que me gusta especialmente. Este movimiento recibe distintos nombres según el país; Sezessionstil en Vierna, Modern Style en Inglaterra, Liberty en Italia, Judendstil en Alemania, Modernismo en España y Art Noveou en Bélgica y se extendió por todos los ámbitos artísticos. Pero yo me voy a centrar en mi país, donde la arquitectura modernista tuvo una repercusión especial en Cataluña. Es bien sabido que el centro del modernismo en España es Barcelona. (Desde aquí un saludo a mis compañeros de blog, vuestra ciudad es preciosa)

Nos encontramos a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, en un momento en el que la vida estaba cambiando a un ritmo vertiginoso en Europa. La revolución industrial había llenado las ciudades de fábricas y maquinaria. La arquitectura tuvo un papel esencial en esta época, tanto por las ampliaciones de las ciudades para acoger a la nueva población que venía del campo como por el cambio que se produjo en los materiales. El hierro empezó a formar parte del tronco de la mayoría de los edificios. Sobriedad y funcionalidad eran los dos conceptos que se veían reflejados en las construcciones. En contraposición a esta arquitectura, deshumanizada de alguna manera, surgió un movimiento artístico que pretendía mezclar lo moderno con lo antiguo, lo innovador con la artesanía: el modernismo.

La arquitectura de este movimiento es principalmente urbana y busca un aspecto agradable y elegante, deseado por la burguesía. Adquiere gran importancia el diseño como elemento integrador de los edificios, como antaño lo había sido la escultura. No podemos olvidar al magnífico Alphonse Mucha y a sus carteles publicitarios o a Guimard y a sus bocas de metro parisinas, obras que se podrían decir que son los símbolos más famosos de esta corriente artística. 

Los materiales utilizados van a ser los típicos del momento, aprovechados hasta sus últimas consecuencias como el hierro, pero también antiguos como la piedra o el ladrillo. Además en vez de copiar las formas clásicas, se va a innovar, tomando el edifico como un ente, como un ser vivo. De este modo, va a tener un fuerte componente ornamental inspirado en la flora y en la fauna. Otro aspecto muy importante es el rechazo por lo recto, por lo sobrio ya que a los modernistas les va a encantar la curva en todas sus expresiones, como algo que transmite vida. 

Alphonse Mucha - Les Saisons

Entrada al metro de París

Bien, antes de entrar en territorio español, hay que empezar por el principio. El precedente del modernismo lo encontramos en William Morris y su Red House (Casa roja). Después, el pionero en el movimiento que nos ocupa será Victor Horta, autor de la Casa Tassel en Bruselas (1892-1893). En ella los soportes metálicos se dejan vistos, para dejar el edificio más abierto y la decoración tiene referencias al mundo natural como la delgadez de sus columnas (tallos), su posterior desarrollo (ramificación) y su avance por el techo y las barandillas (enredadera).

                                            

Los orígenes catalanes los encontramos en la nueva Escuela Provincial de Arquitectura creada en 1871 y dirigida por el arquitecto Elies Rogent i Amat. Pero será con Domènech i Montaner con quien el modernismo catalán alcanzará un mayor desarrollo. Sus obras se caracterizan por una ornamentación inspirada en la arquitectura hispano-árabe y en el dibujo curvilíneo. Entre sus obras más destacadas encontramos el Palau de la Música Catalana, el Hospital Sant Pau o el Institut Pere Mata de Reus.

Palau de la Música Catalana

El edificio se articula alrededor de una estructura central metálica recubierta de vidrio, que al recibir la luz natural convierte el edificio en una obra mágica. Una caja de música donde se combinan todas las artes aplicadas: escultura, mosaico, vitral y forja. La Sala de Conciertos está presidida por el órgano sobre el escenario y tiene un lucernario central que representa el sol. Es una sala mística que se encuentra repleta de figuras como las musas que rodean el escenario, las valquirias de Wagner que surgen del techo, un busto de Anselm Clavé a un lado y uno de Beethoven al otro, y cientos de elementos de la naturaleza, como flores, palmeras, frutos, jarrones y vitrinas llenas de joyas.

En 1901 Josep Puig i Cadafalch, díscipulo de Domènech i Montaner, realizó la Maisson Macaya. Su exterior está hecho en estuco blanco y esculturas. Su interior tiene una rica decoración que se puede observar en su increíble patio.

Sin embargo, su edificio más famoso es la Casa Amatller, situada en el Paseo de Gracia. Este edificio está inspirado en distintos movimientos como el románico, el gótico, siglo XVI, barroco. El coronamiento nos recuerda a las construcciones medievales de los Países Bajos. La portada repite un solo dibujo y los materiales utilizados son hierro y piedra.

La máxima figura es sin duda Antoni Gaudí. En sus primeras obras haría una reinterpretación de antiguos estilos artísticos, como el gótico y el mudéjar. Sin embargo, después evolucionarían a otras más naturalistas. Como otros autores, su fuente de inspiración es la naturaleza. Funde distintos aspectos para crear obras tan maravillosas como El Palacio Episcopal de Astorga, el Capricho de Gaudí, la Casa Calvet, la Casa Batlló, La Pedrera, El Parc Güell y la Sagrada Familia.

Casa Batlló

Situada en el Paseo de Gracia, es una remodelación de un edificio previamente existente y se realizó entre los años 1904 y 1906. Las partes principales para Gaudí fueron la fachada, la planta noble (residencia de la familia Batló), el patio, el desván y la azotea además de un quinto piso que añadió. Pertenece a la época naturalista, donde el arquitecto empezó a desarrollar su estilo personal. Un elemento muy importante es el cristal. Las columnas tienen forma de huesos y los balcones de máscara. Así mismo, el gran tejado está formado por tejas de colores imitando las escamas de un dragón. En el interior destaca una escalera en la que su pasamanos recuerda al espinazo de un gran animal.

La Pedrera o Casa Milá

Este edificio construido entre 1906 y 1912 es conocido como La Pedrera por su similitud con una cantera a cielo abierto. La Pedrera se construyó como dos bloques de viviendas, con accesos independientes, intercomunicados por dos grandes patios interiores y con una sinuosa fachada. Fue mandado construir por Pere Milà i Camps como residencia propia y para alquiler de pisos. Ahora es un centro social donde se realizan numerosas actividades. Fue el cuarto y último edificio que Gaudí realizó en el Paseo de Gracia.

Parque Güell

Entrada principal

Bancos

Pórtico de la Lavandera

Situado en la parte de alta de Barcelona, es una de las visitas obligadas de la ciudad. En él se pueden ver unas preciosas vistas. El Parque Güell se formó con la unión de dos fincas, en la llamada Montaña Pelada (hoy día Colina del Carmel), adquiridas por el conde Güell el año 1899. Gaudí lo concibió con un sentido religioso (una capilla que no se llegó a construir), orgánico y urbanístico. Consiste en un espacio lleno de naturaleza y construcciones arquitectónicas como la Sala Hipóstila, el Pórtico de la Lavandera o el Calvario. Además en él se encuentra la casa-museo de Gaudí.

La Sagrada Familia

Por último hablaré de la Sagrada Familia, el emblema de Barcelona. El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es una iglesia monumental iniciada el 19 de marzo de 1882 a partir del proyecto del arquitecto Francisco de Paula del Villar. A finales de 1883, se encargó a Gaudí la continuación de las obras, labor que no abandonó hasta su muerte, en 1926. A partir de entonces, varios arquitectos han continuado la obra siguiendo la idea original de Gaudí. Aunque es una obra que necesita una entrada para ella sola, intentaré hablar sobre todo de la labor de Gaudí, que se implicó tanto que llegó a vivir dentro del edificio. Un detalle importante de este edificio es que se financia con aportaciones anónimas y con el dinero de las entradas. Es por eso por lo que el avance de las obras es tan lento.

Tras asumir el proyecto en 1883, Gaudí construye la cripta, que termina en 1889. Mientras inicia las obras del ábside y del claustro, los trabajos siguen a buen ritmo gracias a los donativos recibidos. Cuando se recibe un importante donativo anónimo, Gaudí se plantea hacer una obra distinta y mayor, tanto en lo que se refiere a las formas y las estructuras como a la construcción. El proyecto de Gaudí consiste en una iglesia de grandes dimensiones, con planta de cruz latina y torres de gran altura; y concentra una importante carga simbólica, con el objetivo final de ser una explicación catequística de las enseñanzas de los Evangelios y de la Iglesia.

En 1911 proyecta la fachada de la Pasión y en 1923 la solución definitiva de las naves y cubiertas. El 30 de noviembre de 1925, se termina la construcción del primer campanario de la fachada del Nacimiento, dedicado a san Bernabé, de 100m de altura. Éste es el único que Gaudí ve construido, ya que el 10 de junio de 1926 muere debido a un trágico accidente ocurrido tres días antes, al ser atropellado por un tranvía.