Jean-Michel Basquiat, el genio de su generación

Inició sus actividades artísticas cuando era adolescente y a los 23 años ya era conocido en todo el mundo. Se considera que tenía un talento excepcional y se convirtió en un héroe cultural para los artistas más jóvenes. Desgraciadamente su carrera duró poco, tan solo 9 años pues murió de una sobredosis con 27 años.

Jean-Michel Basquiat nació a inicios de los 60's en Brooklyn, uno de los boroughs más característicos de New York. Se ascendencia haitiana y puertorriqueña hereda la cultura caribeña además del color de piel, hablaba francés, inglés y español. Vivió una infancia un tanto convulsa, sus padres se divorciaron y él quedó a cargo de su padre mientras que su madre fue ingresada en un centro psiquiátrico por las depresiones periódicas que sufrió durante toda su vida. Se escapó de casa y tuvo que cambiar varias veces de escuela. Siendo adolescente ingresó en un centro para superdotados pero su estancia allí fue breve por su mal comportamiento. Ya desde pequeño tuvo interés por el dibujo y es que la constante en su vida siempre fue la creación visual. Aprovechando esa curiosidad, su madre le llevaba a distintos museos de New York, uno de ellos el de Brooklyn.

A los 8 años un accidente hace que deba ser ingresado en el hospital con un brazo fracturado y lesiones internas, por las que le tuvieron que extirparle el bazo. Su madre le compró un ejemplar de Gray's Anatomy (Anatomía de Gray) cuyas láminas médicas influirán en su obra y podrán observarse en numerosas piezas posteriormente. 

En 1977 crea, con sus amigos Al Díaz y Shannon Dawson, un personaje llamado SAMO, acrónimo que en inglés significa Same Old Shit (La misma mierda de siempre), de esta manera comienza a hacer graffitis, en los vagones de metro y en la zona del Soho, donde proliferan las galerías de arte. En sus obras podían leerse frases como “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía”. En 1979 escribe 'SAMO is dead' (SAMO está muerto) y deja los sprays. Ha sido uno de los graffiteros más vanagloriados de New York en los 70's y 80's así como Kenny Scharf y Keith Haring.

Se va de casa a los 18 y empieza a experimentar con la música, formando una banda llamada Gray, donde toca el clarinete y el sintetizador. Para sobrevivir vendía camisetas y postales pintadas a mano y vivía en casas abandonadas o con sus amigos en la zona baja de Manhattan.

A partir de 1980 comenzó a interesarse más por la pintura como tal. Sentía una verdadera admiración por el expresionismo abstracto y por artistas como Franz Kline, Pollock, De Kooning y sus figuras o Cy Twombly y su caligrafía. Además estuvo interesado en las combine paintings o collage de Robert Rauschenberg y el Art Brut de Jean Dubuffet.

El Nilo (1983)

Su estilo fue único ya que lo creó con elementos de la diáspora africana y del antiguo Egipto mezclado con su propia simbología. Además los temas de justicia social, que incluyen racismo, materialismo y explotación son recurrentes en el arte de Baquiat. En su primera exposición con otros artistas jóvenes neoyorkinos, los críticos de arte empiezan a descubrirlo. Aunque al principio no tuvo demasiado éxito ya sus graffitis se consideraban como algo feo, irreverente, de mal gusto y nada artístico, hizo que este arte empezase a hacerse hueco en el sistema. En una segunda exposición, en el Instituto de Arte y Recursos Urbanos de Nueva York, Basquiat mejoró sus críticas artísticas aunque no personales, puesto que apareció puesto de cocaína. Fue aquí donde conoció a Andy Warhol, con el que mantendría una amistad hasta la muerte del famoso artista de Pop Art.

Su obra, dejando al margen su etapa de graffiti, se caracterizó por su austeridad, incluso por su frialdad en la composición gráfica. Pero, a pesar de esta austeridad en la obra, era rico en contenido. En él, Basquiat plasmó a sus ídolos como “reyes, héroes y la calle”, muchos de ellos afroamericanos o negros, como Hank Aaron (jugador de baseball), Muhammad Ali, o Joe Louis, todos estos siempre acompañados de una corona de tres puntas. La influencia del graffiti, aun y su intento de desvinculación, le acompaño durante toda su obra, pues las piezas que no eran sobre sus héroes, eran cuadros irónicos, que podían incluso estar criticando al público al que iba dirigido.

Notary (1983)

En 1982-83 Basquiat ya es famoso en todo el mundo exponiendo en Nueva York, California, Europa y Japón. Se calcula que en toda su carrera hizo 40 exposiciones individuales y 100 colectivas. Avanza en su creación visual, pintando en lienzos, papeles o en objetos que se encuentra como neveras, libros y otras cosas. En estos momentos, su pasión por la música salió a la luz de nuevo. Comenzó a producir como DJ en los clubs de Manhattan y la música se une con otro elemento que interesó al artista y que hemos mencionado antes: su herencia africana. Se acercó a la música hip hop, la cual tenía su origen en parte en los griots africanos, narradores orales de poesía.

Los nombres de sus artistas favoritos (Miles Davis, Billie Holiday y Charlie Parker, ente otros) aparecen en sus cuadros. Pero no solo nombres, sino que en algunas obras utilizará de distintas maneras, colores, líneas, palabras e imágenes, que crean un compás acelerado. A través de la pintura reflejaba aspectos de la musica jazz o hip hop. En esta época también empezará a tener relación con artistas pop, como Madonna.

Gold Griot (1984)

CPKR (1982) En honor a Charlie Parler

Las etapas de Basquiat como artista son numerosas, pero de éstas destaca el cambio que el artista hizo rápidamente. Después de estar un breve periodo creando con tinte casi infantil, con mala traza, vulgares, y simples, empezó con exclusividad a la representación de la imagen humana, en especial la del individuo negro. Dijo una vez 'Me interesa pintar a la persona negra. Ella es la protagonista de la mayoría de mis pinturas' . Su arte se convirtió en expresión de la ira y la rebelión. Es ésta sin duda la etapa más rica de Jean-Michel, de representación de los ya dichos héroes y las mofas hacia su público. Tras ésta llega la etapa Basquiat-Warhol, la cual fue también importante porque mantuvo al artista dentro del mercado, pero su producto artístico ya no era tan personal pues estaba marcado por la colaboración del artista del Pop Art y del comprador de la obra. Sus proyectos juntos mezclaban pintura, serigrafía, graffiti y lenguaje publicitario; sin embargo no fueron muy bien recibidos por la crítica. 

A partir del 84 Warhol le presentó a Bruno Bischofberger, quien dio a conocer su obra en Europa y con quien colaboró estrechamente. En estos años sus amigos empezaron a preocuparse por su adicción a las drogas. A menudo le encontraban casi en coma o paranoico. Esta paranoia estaba alimentada además por los diversos robos que sufra en su estudio, a veces por galeristas que se llevaban obras inacabadas para venderlas o exponerlas.

En el 84 Basquiat fue portada de la revista del New York Times, convirtiéndose en el primer artista plástico negro que lo consiguió. Más tarde alquila un estudio en una hacienda de Hawaii donde viaja a menudo. Entre el 85 y el 87 también viaja varias a veces a África donde expone, al igual que en Alemania. Se convierte en muchos casos en el artista más joven que expone en grandes galerías, como en una gran exposición que se realizó en el Museo Kestner-Gesellschaft de Hanóver.

En el 88 la muerte de Andy Warhol le afecta sobremanera. Pasa la mayor parte del tiempo en su finca de Hawaii aunque sigue pintando y exponiendo en New York. En junio del 89 vuelve a New York anunciando que está recuperado de su drogadicción pero dos meses más tarde, muere por una sobredosis de heroína.

De alguna manera, Basquiat profetizó una muerte temprana. “Yo sé que algún día voy a dar vuelta a la esquina y voy a estar preparado para eso” dijo, una de las pocas veces que habló de sí mismo. Desde que fue un adolescente tuvo un carácter obsesivo y autodestructivo, que podemos ver en su abuso de las drogas y la "mala vida" que llevó antes de conocer la fama y obtener el reconocimiento artístico. En otra ocasión dijo “Nunca sé demasiado bien si estoy vivo. De todos modos no me preocupa demasiado: creo que soy inmortal” a una de sus parejas, Jennifer Goode. Esta idea de la inmortalidad también se la repitió a Warhol, cuando este le advertía del peligro que suponía abusar de las drogas.

Además de ser el mayor pintor afroamericano que alcanzó la fama en esos términos (así sigue siendo aún), es también quien elevó el arte marginal hasta el éxito partiendo del graffiti. Basquiat resultó ser producto de la sociedad y del nuevo arte que asomaba la cabeza alrededor de los años 1980.

Hartos de los estilos arcaicos y del minimalismo, la comunidad artística abrazó con fuerza el nuevo arte que se le presentaba. Resultaba atractivo, poco conocido, y “rebelde”. Era “anti arte”. Junto con el Pop Art, de Warhol, Lichtenstein, y Oldenbourg, el arte marginal de Basquiat encontró rápido un hueco en el nuevo mundo del arte. Un arte fugaz, que ya no seguía los viejos modelos y directrices de las escuelas, y que se guiaba por el mercado. Por la oferta y la demanda. El arte era bueno cuando se vendía, e inútil cuando no gustaba al público. Sin lugar a dudas era el tipo de arte que mejor se amoldaba a la sociedad de mercado, tan cruda e insensible.

Per capita (1981)

Asimismo el proyecto SAMO arremetía contra la hipocresía de la sociedad materialista que les envolvía. La misma sociedad que elevó al artista, quien respondió con alegría a la par que con indiferencia. Sabía que su arte era valioso en aquel momento, pero era consciente también que no era un arte como fue el de Van Gogh, o el de Rembrandt, tan clásico como atemporal.

Basquiat no dudó en pintar el lienzo con brochas, sprays, ceras y todo tipo de materiales, fueran o no adecuados. No cuidó la obra, pues eso tampoco importaba; hiciera lo que hiciera la vendería. Ese es en cierto modo, lo que Basquiat enseñó al mundo del arte, y éste no quiso aprender. Mostró la dejadez del arte moderno, y la vulgarización comercial que estaba acabando con el valor a la obra por su significado o contenido; estaba poniendo a Kandinsky a la misma altura que Picasso. 

Shout out para Laia por su contribución y su conocimiento del autor.

Roy Lichtenstein y el Pop Art

Roy Fox Lichtenstein, de origen judío alemán, nació en Nueva York el 27 de octubre de 1923. Fue un pintor de Pop Art, artista gráfico y escultor pero es conocido mayormente por sus interpretaciones a gran escala de escenas de cómic. 

Su educación artística comienza en 1940 cuando se inscribe en las clases de verano del Art Students League of New York, tras terminar la secundaria. Continúa su formación en la Universidad de Ohio hasta 1943, cuando se une al ejército para luchar en la II Guerra Mundial. A su vuelta y en la misma facultad, obtiene una licenciatura y un máster en Bellas Artes. En 1949 es contratado como profesor. En 1951 se organiza su primera exposición individual en la Carlebach Gallery de Nueva York con obras que podemos situar entre el cubismo y el expresionismo.

En 1957 empieza a enseñar diseño industrial en la Universidad de Oswego y se adhiere al expresionismo abstracto. Tres años más tarde empieza a impartir clases en la Universidad Estatal de Nueva Jersey y con este nuevo entorno su estilo cambia y en 1961 aparecen sus primeras obras de Pop Art. Entre ellas, es fundamental Look Mickey, ya que es la primera en la que usa el estilo que después va a ser su sello de identidad: coloridos puntos Ben-Day, claras líneas que definen los contornos, la estilización, la abstracción de las figuras y las cuidadas composiciones.

A partir de ese momento sus obras van a ser expuestas junto a la de otros artistas pop como Andy Warhol y Jasper Johns en la Leo Castelli Gallery. Éstas eran vendidas antes de la inauguración ya que la influencia de los coleccionistas pesaba más que la de los críticos que consideraban sus obras vanas representaciones de objetos cotidianos y viñetas de comic vacías y vulgares. Para crear sus primeras obras mezclaba imágenes sacadas de los envoltorios de chicles y los cuadros del viejo oeste del artista estadouniense, Frederic Remington. Después, las series basadas en mujeres de DC Comics y las imágenes de explosiones lo posicionan como uno de los artistas de Pop Art más reconocidos. Se estima que existen unas 4.500 obras originales de Roy Lichtenstein en circulación entre pinturas, esculturas y unas 300 estampas.

Pero ¿cómo realizaba estas obras? Las primeras obras las pintaba a mano, pero después adoptó un sistema de plantillas. A partir de un dibujo dado, de un cómic, hacía un boceto con las formas básicas y los colores, lo trasladaba con un proyector sobre un lienzo de gran tamaño y, una vez allí, utilizando las tintas de la imprenta, la cuatricromía de amarillo, rojo, azul y negro sobre blanco. Hacía primero los puntos, después las zonas de color y, por último, los contornos. En 1961 empezará a usar una pantalla de metal hecha a mano y un rodillo de pintura para obtener el efecto de los puntos Ben Day.

   Mujer bañándose (1963)

Oh, Jeff... I love you too... but... (1964)

Whaam! (1963)

   

Ohh... Alright (1964)

En el coche (1963)

Chica ahogándose (1963)

Explosión (1965-1966)

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, heroínas de comic en una pose más sensual y erótica, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. Sin embargo estos artistas siempre estuvieron presente en la mente de Lichtenstein. 

A mediados de los sesenta deja la enseñanza para dedicarse en exclusiva a su carrera artística. Comienza a experimentar con la escultura en 1964. Entre finales de los setenta y los años ochenta crea esculturas por encargo para espacios públicos de varias ciudades internacionales.

              La cara de Barcelona (1991-1992)

Cabeza con sombra azul (1965)

    Pincelada (1996)

Con un gran éxito comercial y el reconocimiento como uno de los artistas imprescindibles del desarrollo del arte contemporáneo en el siglo XX (entre otros honores recibe en 1995 la Medalla Nacional de las Artes de su país), Roy Lichtenstein muere de neumonía a un mes de cumplir 74 años.

Las obras de Lichtenstein se han convertido en un icono y en diversas tiendas podemos encontrar todo tipo de objetos con sus cuadros estampados. Sus obras son mundialmente conocidas y se han utilizado para anuncios, portadas de discos, carteles etc.

Fabolous; Brooklyn’s Most Underrated Rapper

John Jackson aka Fabolous aka Fab / Boo / Loso es un MC de Brooklyn, hasta ahí todo muy normal, un rapero como otros muchos en dicho borough, lo peculiar es que esté tan infravalorado siendo un rapper mainstream. Aunque empezó a rapear formalmente en  1997, con 20 años, no fue hasta la década de los 00's cuando alcanzó popularidad. En 2001 verá la luz su álbum debut, Ghetto Fabolous, y con él singles como Can't Deny It con Nate Dogg (#RIPNateDogg) o Young'n (Holla Back) producido por The Neptunes.

Como podéis ver, el chaval siempre estuvo bien conectado, una de las claves de su éxito fue esa, rodearse de artistas con potencial (al menos en ese momento). No haré un repaso a su carrera musical, no en esta ocasión, pero sí diré que en 8 años se han publicado sus 5 álbumes hasta el momento, el ya comentado Ghetto Fabolous, Street Dreams (2003), Real Talk (2004), From Nothin' to Somethin' (2007) y Loso's Way (2009), además de un EP y numerosas mixtapes que poco tienen que envidiar a más de un disco.

En sí, la figura de Fabolous es muy completa, nacido en New York city, orígenes dominicano y afroamericano, de familia pobre, tuvo trapicheos con droga antes de hacer fortuna rapeando, es un hombre estiloso (tiene un hijo en común con una estilista) pero con los toques horteras estilo Cam'ron que tanto nos gustan y lanzó su propia linea de ropa (Rich Yung Society) en 2006. Como todo buen playa dice que no lo es, ha tenido algunos problemillas con la justicia por posesión de armas sin licencia, sospechoso de un asesinato (#NoLilBoosie) y cositas así, además, hablando de armas, recibió un disparo una noche (si no has recibido nunca un disparo no eres nadie, eso todo el mundo lo sabe, #NoSoloLosSolo); tiene un adlib que es la hostia (Niiiiice!), hace referencias al cine, Loso's Way se inspira en Carlito's Way, y por supuesto, es un punchline provider (#NoWase):

"Tongue out, legs open, Michael Jordan everything!"

Como decía, Fabo es un tipo del mainstream con lo que eso conlleva, creo que hay dos aspectos que no se tienen en cuenta al valorarlo y que son cruciales, no solo es evidente que vas a encontrar más musicalidad, armonía y sencillez en sus canciones puesto que los parámetros del mainstream no dejan mucho margen al respecto, sino que es un artista de la primera década del siglo XXI, exclusivamente de esos años, el futuro lo dirá ya que al parecer este verano se publicará su próximo trabajo, pero hasta el día de hoy Loso ha demostrado no rendir con el cambio de década. No es ninguna locura colocar a Fabolous en el TOP 5 de raperos del mainstream estadounidense de los 00's y si no os lo parece es porque aún no habéis escuchado los 30 temas imprescindibles (ordenarlos era una tarea imposible) del Brooklyn boy. Mucho R&B aportando melodía y grandes featurings es lo que vais a encontrar:

1. Everything, Everyday, Everywhere:

2. Breathe:

3. Can’t Deny it: 

4. Change You or Change Me:

5. Diammonds:

6. Feel Like I’m Back:

7. My Time:

8. Paperman:

9. Y’All Don’t Hear Me Tho:

10. You Be Killin’Em:

11. Young’n (Holla Back):

12. Baby Don’t Go:

13. Can’t Let You Go:

14. Make Me Better:

15. Throw it in the Bag:

16. Imma Do it: 

17. When the Money Goes, Honey Stays: 

18. For the Money: 

19. I’m Ill: 

20. Shawty is a 10: 

21. Life is so Exciting:

22. Foreingers: 

23. Thim Slick: 

24. Young OG: 

25. Ready: 

26. Out of This Club: 

27. Rock That Thang (RMX): 

28. She Got Her Own:

29. Addiction:

30. Trade it All Pt. 2: 

Y cerramos esta entrada, pero no sin antes saludar a todos esos haters, Hi Haters:

Hovers; Hova's Covers [Parte II]

[Parte I]

Puede que no sean Batman & Robin precisamente pero lo cierto es que Jay Z y Kanye West son uno de los duplos más potentes del momento y casi me atrevería a decir de la historia del hip hop. Es por ello que no sorprende a nadie la gran cantidad de mixtapes que se han publicado con su trabajo. YE - Z es el título por excelencia en cuanto al combo (muy Men In Black). The Jay-Z Dropout en cambio, es la risa, la tengo pendiente aún pero no me faltan ganas de oírla, puede salir algo muy guapo de eso.

Ahora bien, NECESITO que dediquéis al menos un par de minutos a observar la imagen que adjunto a continuación, fijaos bien, disfrutadla, e intentad cuantificar en un porcentaje exacto la cantidad que hay de cada uno de ellos en este espécimen resultante y musicalmente abrumador. Aún me embobo asombrado cada vez que lo tengo en pantalla.

Espero que esta noche soñéis con "él" y os despertéis con sudor frío y el corazón exaltado, pero pasemos página. Watch The Throne, el grupo que ambos forman, ha tenido cierta repercusión entre los oyentes menos puristas del género, no es un gran disco pero sí un disco que me gusta por lo completo que es y su conexión con la electrónica. Obie Trice sacó una tape llamada Watch The Chrome con remixes del disco en los que suenan, de media, doce disparos por tema; no nos entretendremos en él.

Lejos de esto, tenemos las tapes que hacen referencia al grupo: Jay Z y Kanye West vs Lil' Wayne y Drake, donde Hov destruye a Weezy; una titulada tan solo "The Throne" donde el dúo ocupan el lugar que les pertenece, corona y capa (No Cam'ron) incluídas; y por último, en Take the Throne, Tunechi se cobra la revancha haciéndose con el trono.

Que no cunda el pánico, sí, tenemos portada de The Carters (No Weezy), olvidar a la que es muy probablemente la mejor pareja artística activa sería un sacrilegio por nuestra parte.

Investigando nos hemos topado con un fenómeno que nos sorprendió, parece haber una extraña sensación de que Beanie Sigel le podría a Hov en algún ámbito. Aquí os dejamos un par de las portadas que reflejan lo comentado. En Tapout es Beanie pero si le ponen una gorra roja de LA me creo que es The Game, y más sabiendo el pique que se traen desde hace tiempo.

Beanie no tiene nada que hacer, lo que realmente destruyó la moral de Jigga fue la portada de Jim Jones en respuesta al beef de Tru Life. Hablamos del susodicho diss en el I got 99 problems, but a beat ain't one que dedicamos a The Diplomats.

Para ir cerrando la entrada me gustaría resaltar el lugar que ocupa Jay Z en el arte moderno, no me refiero a que compre cuadros de Basquiat o que saque un tema llamado Picasso Baby, sino que ha sido el protagonista de obras expuestas en galerías, una locura.

Por último, acabamos volviendo al principio como toda buena historia. Nos tirasteis beef por el Hovama y nosotros respondemos con "My President is Black"...

... pero no es Hova; en Vox Ultra hicimos campaña por Burrrack Obama (o Burrock Obama, según la legislatura) como TrapGodistas -por favor, que alguien escriba una entrada en Wikipedia sobre el TrapGodismo- convencidos que somos.

Hovers; Hova's Covers [Parte I]

A raíz de la polémica imagen de lo que denominamos "Hovama" en Yes, We Can (Rap) hemos decidido invertir un tiempo y espacio al mundo de las portadas de mixtape. Concretamente a las portadas que protagoniza Shawn Carter aka Jay Z.

Tras rebuscar en esa carpeta que tenemos todos en la que acumulas cientos y miles de tapes a un nivel de descarga inaccesible para el oído, nos quedamos con poco más de una treintena de covers, lo cual indica que podrías estar todo un mes escuchando a mixtape por día viendo la cara de camello de Jigga -"Now these niggas is mad, oh, they call me a Camel, but I mastered the drought, what the fuck I'm an animal"- en diferentes diseños.

Empezamos flojito para que no nos pillen en frío, covers de Hova acaparando todo el protagonismo. Por un lado le tenemos en Decoded en un diseño con un rollito que me recuerda mucho a la mezcla de Hidalgo (Océanos de Fuego) y Relic Hunter (Cazatesoros). Desvaríos aparte, DJ Scoob Doo nos trae Allow Me To Reintroduce Myself, donde deja patente la capacidad de la música de Jay de hablar por si misma sin necesidad de presentaciones, pero DJ Storm va más allá, Jayhovah The God MC (#NoRakim) es el título de su tape; poco hay que añadir a eso. Si conseguís apartar la vista del punto de fuga -los morros de Jigga- quizá veáis esa corona ladeada de Notorious BIG, #RIPBIGGIE hace tan solo un par de días se cumplían 17 años de su muerte.

El rojo es el color de moda, a todo el mundo le gusta el rojo, "roja es la agresión, rojo es el carmín cuando muere la pasión, es roja la ambición y rojo el corazón cuando busca el rojo amor" que diría Vinchenzso Luzor. Estas otras dos covers tienen en común el rojo y los beats by Dre. Es curioso que se los añadan con tanta ligereza cuando Hova nunca ha tenido mucho qué decir sobre éstos ni se ha relacionado mucho con el propio Dr. Dre, el de Compton produjo 5 temas en Kingdom Come y se dice que Jay le ha escrito algunas letras (Stil D.R.E. por ejemplo), pero al margen de eso y un supuesto featuring en la broma del Detox no les une una gran relación.

Y aprovecho que le hayan retratado con un móvil para recordar el acuerdo al que llegó Mr. Carter con Samsung hace ya casi un año, para la salida de su último trabajo, Magna Carta Holy Grail; 5 millones de dólares fue lo que ingresó al permitir que la empresa sur coreana poseyera la "filtración" oficial.

Pero no siempre está solo, a Hov también le toca compartir portada, sin embargo, no lo hace con cualquiera. En la primera cover que traemos lo hace con nada más y nada menos que el hombre que ha sobrevivido a más de 600 intentos de asesinatos, Fidel Castro -también lo ha hecho con Sinatra, quien pasó la luna de miel de su segundo matrimonio en La Habana. La tape se titula Cuba Connection por el polémico viaje que hicieron los Carter a la isla. No faltan, por supuesto, la cara del Che y un par habanos.

Cambiamos de portada, esta es una de mis favoritas, Free Mason es el título del temazo que tienen Rick Ross, Jay Z y John Legend que sirve del mismo modo para encabezar la mixtape formada a pachas por canciones de Rozay y de Hovito. La masonería no goza de buena reputación en USA, la vemos caracterizada como si de una secta religiosa se tratara con sacrificios y extraños ritos que van en contra de toda norma y moral. De igual forma esta antimasonería suele ir de la mano del anticomunismo y otra filias como pudimos vivir aquí en España.

Y dejándonos de beats by Dre, de móviles y otras movidas del siglo XXI traemos al duplo de Brooklyn en un rollo muy 90's, Big Daddy Kane y Jay Z en Under the Influence. El chándal y las cadenas son un must, además Jigga repite corona también aquí. Para los frikis del tema, ese trabajo incluye 4 o 5 rare tracks.

Los mashups y remixes tienen un gran peso en la creación de mixtapes, por ello es habitual encontrar la combinación de artistas o discos concretos. A Hov se le ha fusionado, entre otros, con Coldplay en Viva La Hova, con Gorillaz en The Black Demon (hace referencia a The Black Album y Demon Days), con Amy Winehouse en Back to Black Album o con Oasis en Ojayzis, una producción del dúo valenciano Cookin' Soul. Además le hemos visto en combinaciones más del género como Jay-Unit.

Pero no solo de discos va la cosa, tanto videojuegos como películas han sido influencia o referencia de primer orden para los diseños. En cuanto a videojuegos, Halo (No Beyoncé) y Hitman se llevan la palma.

Si hablamos de filmes (obviando que hicieran también película de Hitman), encontramos títulos como The King's Speech (El Discurso del Rey), Scarface (El Precio del Poder) o Crooklyn de Spike Lee.

También RocknRolla (Rock N Rolla), Casanova y una versión "en Carter" de Kramer vs. Kramer (Kramer contra Kramer).

Algún seriéfilo como nosotros también habría reconocido ese último plano de la intro de Boardwalk Empire en la que Hova hacía de Steve Buscemi en esta cover nada más verla pero lo aclaramos para los despistados. Admito que tuve que verla para cerciorarme.

Es la única serie a la que se ha hecho referencia en las portadas que Jay Z protagoniza pero ha sido por partida doble.

Discos, películas, series... Tranquilos amantes de los cómics, también nos han llegado algunas aberraciones "DeCenianas". El nivel del diseño es entre malo y peor, no obstante, me han flipado y no he sido capaz de dejarlas fuera. Vosotros diréis si preferís a Superman o a Batman (y Robin). La de bromazas que se me ocurren con la segunda jajaja.

[Parte II]