Las diez mejores películas de Orson Welles

1- Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941)

La obra más representativa y reconocida de Orson Welles. Con Ciudadano Kane, Welles creó un filme que rompería las moldes del Hollywood de la época y que con los años se convertiría en una de las películas de referencia de la cinematografía estadounidense y mundial. Una obra maestra sin discusión y probablemente el debut más demoledor de un artista en el cine. 

2- Sed de mal (Touch of Evil, 1958)

Pese al limitado presupuesto con el que Welles contó para esta película, se las apañó, gracias a la ayuda e insistencia del protagonista, Charlton Heston, para sacarla adelante. Enmarcada dentro del género noir, hoy ha devenido un filme mítico tanto por su plano secuencia inicial como por su conjunto, digno de uno de los más grandes maestros del cine.

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3- Macbeth (ídem, 1948)

La primera de las adaptaciones de la obra de Shakespeare que realizó el cineasta de Wisconsin fue este Macbeth, y en nuestra opinión fue la mejor de todas ellas. Pese a ser un filme cercano a la serie B en cuanto a presupuesto, la narrativa de Welles, su sublime interpretación y las inolvidables imágenes que nos legaría la película la convierten en toda una obra maestra. 

4- La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, 1947)

Compleja y absorbente película en la que Welles reflexiona acerca de las obsesiones dentro del marco del cine negro. En el papel principal hallamos a Rita Hayworth -su mujer en aquellos tiempos- acompañando al propio Welles. La escena final, realizada en una habitación repleta de espejos -muchas veces imitada y homenajeada-, pasó a los anales de la historia. 

5- El proceso (The Trial -Le Procès-, 1962)

Film surrealista en el que Welles adapta la novela homónima de Franz Kafka. Con Anthony Perkins en el papel principal y secundarios de lujo como Jeanne Moreau o el propio director, Welles aprovecha lo onírico de la trama para legarnos algunas imágenes imborrables. El resultado final no deja de ser difícil de comprender y asumir, pero por otro lado, no podía ser de otra forma tratándose de Kafka y Welles. Sencillamente genial.  

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6- Otelo (The Tragedy of Othello: The Moor of Venice, 1952)

Orson Welles llegó a rodar un documental hacia el final de su carrera exponiendo las interminables dificultades económicas, administrativas y de todo tipo que combatió para llevar a cabo la adaptación del clásico Othello, de William Shakespeare. Tras más de cuatro años de rodaje, finalmente pudo presentar la película, y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1952 posiblemente sea el mayor reconocimiento a tan dura labor. La película es excelente, pese a todos los problemas antes anunciados, y contiene algunas de las mejores escenas de la filmografía de su director.

7- El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942)

Tras el fracaso económico de Ciudadano Kane, y pese a que el contrato de Welles con la RKO le aseguraba las mismas condiciones para la realización de su segundo filme, lo cierto es que la productora aprovechó un viaje del director para manipular el montaje de la película y recortar algunas partes, dejando una presumible obra maestra en un notable filme que, pese a estar repleto de magia e imágenes formidables, resulta algo irregular e inconexo por momentos. Falla algo en él, y sin duda no es por culpa de su creador.

8- Campanadas a medianoche (Falstaff - Chimes at Midnight, 1965)

Esta última incursión de Welles en la obra Shakesperiana adapta en un único filme elementos de hasta cuatro obras del genio inglés: Enrique IV, Enrique V, Las alegres comadres de Windsor y Ricardo II. La película es más que notable y cabe destacar de ella la batalla final, que cuenta con un montaje extraordinario claramente inspirado por el de Sergei M. Eisenstein en Alexander Nevsky (ídem, 1938). 

9- El extraño (El extranjero) (The Stranger, 1946)

Sensacional film noir repleto de intrigas relacionadas con el Nazismo y que cuenta con la participación de Edward G. Robinson en el papel principal. La película fue nominada al León de Oro en el Festival de Venecia, aunque no se llevaría el gato al agua. Quizá no se trate de la película más recordada y alabada de Orson Welles, pero si de una excelente pieza. 

10- Fraude (F. for Fake, 1973)

En la etapa final de su trayectoria el de Wisconsin se dedicó en mayor medida al cine experimental y documental, y en Fraude mezcla ambos intereses en un filme que no deja de confundir al espectador en ningún momento pero que sin duda merece ser visionado. Como curiosidad, apuntar que la mayor parte de la producción fue realizada en la Alemania Federal.

Las diez obras maestras del cine negro clásico

El Cine Negro o noir cinema es uno de los géneros más populares y prolíficos de la historia del cine, y aunque su producción se focalizó entre los años treinta y sesenta, su influencia se hace notar en el cine moderno y en la mayoría de directores que han abordado las temáticas propias del género desde una perspectiva más personal, en lo que ha sido denominado "cine neo-noir". Se escriben líneas y más líneas acerca de este género a diario, tanto en revistas como en libros especializados, así que no es nuestra intención exponer sus principales características formales o argumentales, sino aportar nuestra opinión acerca de cuales son los títulos más destacables del mismo. A continuación encontraran, en orden cronológico, las diez cintas que marcaron, a nuestro entender, las décadas de apogeo del mismo, es decir, desde los orígenes del negro en los años treinta, hasta los años de máxima expresión, los cincuenta. En esta selección se han tenido en cuenta únicamente las películas realizadas entre 1930 y 1959, prescindiendo del neo-noir, que seguro nos ocupará otro día, y de aquellas cintas que toman características del género pero que se alejan de él en otros muchos aspectos. Aquí tienen, por lo tanto, las diez obras maestras del cine negro clásico: 

- Scarface, el terror del hampa (Scarface, 1932) de Howard Hawks & Richard Rosson

La famosa historia sobre un don nadie que gracias a sus malas artes y escasos escrúpulos consigue ascender a lo más alto del mundo del hampa tiene su origen en este brillante filme de Howard Hawks y Richard Rosson, que hoy es recordado no sólo como una obra maestra del cine de gángsters, sino como una de las cintas que iniciaron y sentaron las bases del género que aquí tratamos. El remake que Brian De Palma realizó en los ochenta con Al Pacino interpretando a Tony Montana -en el filme de Hawks es Paul Muni quien interpreta a Tony Camonte- es más recordado que la película original, pero es claramente inferior en todos sus aspectos. 

-Los violentos años veinte (The Roaring Twenties, 1939) de Raoul Walsh 

Una de las grandes obras maestras de los años treinta versa, curiosamente, sobre la década anterior, los "felices veinte". Igual que ocurría en Scarface, la película narra la ascensión de un joven a lo más alto de la esfera criminal. En este caso, se trata de un veterano de guerra interpretado por James Cagney  que aprovecha la famosa prohibición del alcohol en los Estados Unidos para hacer el más grande de los negocios. También destaca la presencia de Humphrey Bogart en un papel secundario, actor que más tarde seria uno de los iconos del género.

-Perdición (Double Indemnity, 1944) de Billy Wilder

Billy Wilder es mayormente recordado por sus hilarantes comedias, pero lo cierto es que su gran aportación artística al cine fueron las incursiones que hizo en el género negro, donde demostró todo su talento tras las cámaras y nos legó joyas de valor incalculable. La más notable de todas ellas fue Perdición, una cinta que se aleja del mundo de la mafia y desarrolla una historia de traiciones y crímenes propiciados por una femme fatale. También otros elementos, como la narración en off del protagonista, la erigen como un filme perfectamente ajustado al género.

-Perversidad (Scarlet Street, 1945) de Fritz Lang

Si hay un indiscutible maestro del género que aquí nos ocupa, ese es Fritz Lang. El cineasta germano realizó incontables incursiones en el noir, además de sentar sus bases cuando aún trabajaba en Alemania. Perversidad es una de esas obras maestras que dirigió con insultante facilidad -en aquella época Lang dirigía al menos un filme al año- y que cumplen con la práctica totalidad de los requisitos exigidos a un filme "negro".

-Retorno al pasado (Out Of The Past, 1947) de Jacques Tourneur

Considerada por la crítica como una de las mejores películas americanas de la historia y como la obra cumbre del cine negro, de lo que no cabe duda es de que Retorno al pasado es, tanto en el sentido argumental como formal, la cinta que más se ajusta a los cánones del susodicho género. Hay de todo en ella: Un detective, una voz en off, una femme fatale, crímenes, misterio, giros inesperados etc. 

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-El tercer hombre (The Third Man, 1949) de Carol Reed

Esta fascinante cinta es la gran aportación británica al género noir. Se suele apuntar a que su director, Carol Reed, cuyo talento es indiscutible, contó con la ayuda tras las cámaras de Orson Welles, quien participa en el filme como actor, aunque es difícil saber hasta que punto influyó en su trabajo. La realidad es que este filme es inolvidable tanto por su pegadiza banda sonora como por sus expresionistas imágenes, sencillamente inigualables. Además, el reparto cuenta con una serie de nombres mayúsculos de la interpretación: Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard o el propio Orson Welles. 

-Los sobornados (The Big Heat, 1953) de Fritz Lang

Entre 1953 y 1954 Fritz Lang realizó dos obras maestras contando con la misma pareja de protagonistas: Glenn Ford y Gloria Grahame, Los sobornados fue la primera de ellas y es la que más se ajusta a los cánones del cine negro. La investigación del Sargento Bannion para desarticular una banda mafiosa encontrará incontables obstáculos en esta imprescindible joya del cine de los cincuenta. Posiblemente, la mejor película rodada por Lang en Estados Unidos.

-Deseos Humanos (Human Desire, 1954) de Fritz Lang 

Esta infravalorada joya del cine, basada en la obra de Émile Zola e inspirada por la cinta de Jean Renoir La bestia humana (La bête humaine, 1938), es el filme al que hacíamos alusión al hablar de Los sobornados. Con los mismos protagonistas pero una historia más íntima y alejada de los focos de la gran ciudad y el mundo de la mafia, Lang construye un escalofriante e intenso drama sencillamente memorable.

-Rififi (Du rififi chez les hommes, 1955) de Jules Dassin 

Jules Dassin tuvo que exiliarse de su país de nacimiento, los Estados Unidos, debido a su pasado de militancia Comunista. En los años del Macarthismo, ser de izquierdas y trabajar en Hollywood era ciertamente difícil, así que Dassin viajó al viejo continente, donde dirigió algunas de sus mejores películas. Rififi es su obra cumbre, y aunque quizá no se ajuste argumentalmente a los preceptos del noir, si que lo hace a nivel formal, y de que manera. En opinión de quien escribe estas líneas, Rififi es el mayor hito del género y del cine de robos y atracos.


-Sed de mal (Touch of Evil, 1958) de Orson Welles

Este clásico de Orson Welles nunca puede faltar en una lista como esta. Se trata de un ejercicio de estilo impecable que eleva un guión irregular a base de técnica, planificación y mucho talento delante y tras las cámaras. Sed de mal es una de las mejores películas de Orson Welles y uno de los grandes clásicos del Hollywood de los cincuenta.

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Las diez mejores películas de Max Ophüls

1- Madame de... (ídem, 1953)

La obra maestra de Max Ophüls. El crítico norteamericano Andrew Sarris llegó a calificarla como la película más perfecta jamás realizada, y es que Madame de... es el mayor ejemplo de la precisión y el perfeccionismo de su autor. Este drama romántico, además, se encuentra protagonizado por tres enormes figuras de la interpretación: Danielle Darrieux, Charles Boyer y Vittorio De Sica.

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2- Carta de una desconocida (Letter from an Unknown Woman, 1948)

Este tremendo melodrama es el filme más recordado entre los que el alemán dirigió en los Estados Unidos. Protagonizado por Joan Fontaine y Louis Jourdan, el filme es también un perfecto ejemplo de la imaginativa narrativa de su autor y de la capacidad de éste para llegar al corazón del espectador con historias trágicas y hermosas por igual.

3- Lola Montes (Lola Montès, 1955)

El último filme que dirigió Ophüls es, según nuestra opinión, el más trágico y complejo, narrativamente hablando, de todos los que realizó. Narrando en forma de flashback la vida de la famosa cortesana y bailarina del Siglo XIX, el alemán presenta aquí un perfecto compendio de lo que fue su obra formalmente y de las que fueron algunas de sus temáticas recurrentes.

4- Almas desnudas (The Reckless Moment, 1949)

Brillante incursión en el género noir que cierra la etapa americana de Ophüls. Aunque respetando los esquemas del mismo, el director alemán introduce en su cinta numerosos elementos estilísticos y narrativos -como el estudio psicológico de sus personajes o el contrapunto costumbrista de la historia- que lo convierten en un trabajo perfectamente reconocible.   

5- El placer (Le plaisir, 1952)

Adaptación de tres cuentos de Guy de Maupassant que versan sobre el placer. Estas tres historias, protagonizadas por estrellas de la escena francesa como Danielle Darrieux, Jean Gabin o Simone Simon, constituyen en su conjunto una de las más alabadas cintas de Ophüls y una cima de la capacidad del cineasta para crear obras impecables en el aspecto visual.

6- La ronda (La ronde, 1950)

Drama de historias cruzadas que sigue las distintas relaciones amorosas que surgen en Viena durante una sola noche. Con este filme, Ophüls volvía a Francia e iniciaba su periodo de madurez artística con un seguido de películas que definirían el conjunto de su obra y que le ensalzarían como uno de los grandes del cine europeo.

7- La mujer de todos (La signora di tutti, 1934)

La signora di tutti es, para quien escribe estas líneas, la primera gran obra de su director. Realizada en Italia durante el periodo de transición del artista, que viéndose forzado a abandonar la Alemania Nazi, terminó por establecerse en Francia, esta cinta es un melodrama magistral que advertía, ya en 1934, de la llegada de todo un maestro.

8- Atrapados (Caught, 1949)

Notable cinta de género negro realizada durante la breve, aunque intensa, etapa americana de Ophüls. Con James Mason en el papel principal y un gran Robert Ryan, el director alemán crea un compendio de géneros y temáticas que pese a no conseguir la redondez de su film inmediatamente posterior -Almas desnudas- no es nada desdeñable.

9- Suprema decisión (Sans lendemain, 1940)

Tremendo melodrama en el que una madre se ve forzada a ejercer la prostitución para mantener a su hijo y a su vez es perseguida por los amores de su pasado. Esta es sin duda la mejor película de la primera etapa francesa de Ophüls. 

 

10- Amoríos (Liebeleï, 1933)

Melodrama ambientado en la Viena Imperial que destaca por su calidad artística y por ser el último filme que su creador dirigió en su país natal. Muchos la consideran una obra de referencia, y es que esta cinta abre muchos de los caminos que el director seguiría en las siguientes décadas de creación artística.

Las cinco obras imprescindibles de Sergio Leone

A lo largo de sus años como cineasta, Sergio Leone solamente dirigió siete filmes , aunque realizara numerosas sustituciones que le fueron premiadas económicamente y de modo reputacional, nunca apareció en los títulos de esos filmes como director, por lo que esas siete obras son su legado oficial, y en él nos basamos. Aquí recogemos, de entre esos siete filmes, los cinco que ningún cinéfilo puede dejar de ver. Esas cinco películas dirigidas por Sergio Leone que marcan un antes y un después en el género del western y que constituyen el legado de un cineasta merecidamente elogiado. Son estas:


- Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964)

Primer Western -o Spaghetti Western- dirigido por Sergio Leone. Se la conoce como la primera cinta representativa de su estilo y como la que inició su famosa Trilogía del dólar. Se trata de un remake del clásico Yojimbô (El mercenario) (ídem, 1961) de Akira Kurosawa ambientado en México y realizado con un presupuesto realmente bajo. Fue un film polémico, pues sus similitudes con el film nipón original son remarcables y la productora no había pagado ningún tipo de derechos que les permitieran realizar una versión.


-La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965)

La muerte tenía un precio es una suerte de continuación de la cinta anteriormente citada. Con el mismo protagonista, interpretado por Clint Eastwood, y con unas formas similares -aunque esta vez con un mayor presupuesto-, Leone ejecuta un clásico acerca de la venganza que terminó por encumbrarlo como una estrella del género. Sin duda, esta cinta supera a la anterior y define con mayor claridad los rasgos característicos del cine del romano.


-El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966)

Película que cierra la Trilogía del dólar y que encumbró definitivamente a su autor. También fue la última colaboración entre Leone y Eastwood. Los tres personajes que se anuncian ya en el título son unos cazadores de recompensas que deciden unir sus fuerzas en una alianza que, como era de prever, será débil y estará sujeta a los azares del destino. Todo un clásico del género con abundantes toques cómicos y, eso si, muchísimos primeros planos.


-Hasta que llegó su hora (C'era una volta il west, 1968)

Hasta que llegó su hora es el último gran Western de Sergio Leone, si bien es cierto que tres años después aún dirigiría otra titulado ¡Agáchate, maldito! (Giù la testa, 1971). A nuestro entender, este filme plagado de estrellas de la interpretación -Henry Fonda, Claudia Cardinale, Charles Bronson o Jason Robards- constituye la obra más redonda y representativa de su autor, por lo que la podríamos denominar su obra cumbre, aunque muchos atribuyen este papel a su último trabajo, del que hablaremos a continuación.


-Érase una vez en América (Once Upon A Time In America, 1984)

Mastodóntica cinta -más de cuatro horas de duración- que sigue la vida de unos jóvenes muchachos des de los suburbios de Nueva York de principios de Siglo hasta los gloriosos años veinte en que, mediante negocios sucios, consiguen llegar a lo más alto del escalafón social norteamericano. Esta película fue considerada por su autor como la obra maestra que siempre había soñado hacer, y sin duda se encuentra muy alejada de todo lo que Leone había ofrecido con anterioridad. Lo cierto es que se trata de un filme irregular, pues si bien su primera hora y media es sin duda lo mejor de Leone y todo un hito en la historia del cine, la segunda parte de la trama pierde considerablemente interés.

Premios Oscars 2015 (Quién debería ganar y quién ganará)

Mejor Película: Whiplash (ídem, 2014) de Damien Chazelle // Boyhood (Momentos de una vida) (Boyhood, 2014) de Richard Linklater

Lo cierto es que este año ninguna de las películas nominadas en esta categoría, la más importante de todas, merece un premio que la reconozca como la mejor película del año. Pese al bajo nivel de las cintas con opciones, intuimos que el gran momento de la ceremonia anual de los Oscars no nos dejará con un premio vacante, así que nos decantamos por Whiplash, como la propuesta más interesante entre las elegidas. Eso sí, la academia se decantará por Boyhood o Birdman.

Mejor Director: Wes Anderson por El gran hotel Budapest // Alejandro González Iñárritu por Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)

Tampoco en esta categoría ninguno de los cinco nominados ha destacado sobremanera. Nosotros optaríamos por Wes Anderson, pues su trabajo ha sido el más elaborado y personal de todos. La academia en cambio se decantará por otorgarle el galardón a Iñárritu por su falso plano secuencia. O al menos eso pensamos. ¿Tendrá opciones Linklater? Habrá que ver. 

Mejor actor principal: Benedict Cumberbatch por The Imitation Game // Michael Keaton por Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)

Es cierto que Michael Keaton realiza un trabajo formidable en Birdman, y probablemente le valdrá este reconocimiento, pero Benedict Cumberbacht, más conocido por la serie de televisión Sherlock, es uno de los actores del momento y seria de justicia que se le considerara su labor en The Imitation Game.

Mejor actriz principal: Marion Cotillard por Dos días, una noche // Julianne Moore por Siempre Alice

Siendo realistas, Marion Cotillard no tiene ninguna opción de llevarse el premio a la mejor actriz principal del año. Julianne Moore lo merece y además ha representado en Siempre Alice un papel mucho más del gusto de Hollywood. El premio está servido, como suele decirse.

Mejor actor de reparto: J.K. Simmons por Whiplash // J.K. Simmons por Whiplash

En este caso si que creemos en la convergencia entre Vox Ultra y la academia (sic). Seguramente estarán tentados de otorgar este premio a Ethan Hawke, pero confiamos en que recapaciten y reconozcan la extraordinaria labor interpretativa de J.K. Simmons en Whiplash.

Mejor actriz de reparto: Patricia Arquette por Boyhood (momentos de una vida) // Patricia Arquette por Boyhood (momentos de una vida)

Tras llevarse el Globo de Oro y teniendo en cuenta que ninguna de sus competidoras ha alcanzado un grandísimo nivel, parece hecho que Patricia Arquette, mujer a la que siempre recordaremos más por Carretera perdida de David Lynch que por nada de lo que ha hecho después, se llevará el Oscar a mejor actriz de reparto. Es lo justo. 

Mejor película de habla no inglesa: Ida (ídem, 2013) de Pawel Pawlikowaski // Leviatán (Leviafan, 2014) de Andrei Zvyaginstev

Como suele ocurrir cada año, en la categoría de "Mejor película de habla no inglesa" encontramos los que realmente son los mejores filmes del año. Esto demuestra la mejor salud del cine Europeo y Asiático con respecto a la producciones Norte-Americanas, las más destacables de las cuales tampoco son tenidas en cuenta por los académicos. Entrando en materia, la competición se centra en el duelo entre Ida y Leviatán. En época de conflicto con Rusia, Hollywood premiará a un film ruso crítico con el gobierno de Putin y la situación de su Estado, pero Ida también sería una justa vencedora. 

Mejor guión original: Wes Anderson por El gran hotel Budapest // Richard Linklater por Boyhhod (momentos de una vida)

Un año sin grandes guiones, esto es así. El trabajo de Linklater en Boyhood es uno de los más sobrevalorados de los últimos tiempos y el de Iñárritu en Birdman tampoco es nada fuera de lo común. Siendo así, nos quedamos con Wes Anderson, cuyo trabajo, aunque no es brillante, al menos es personal e imaginativo.

Mejor guión adaptado: Paul Thomas Anderson por Puro Vicio // Anthony McCarten por La teoría del todo

Mejor montaje: Tom Cross por Whiplash // Tom Cross por Whiplash

Mejor fotografía: Emmanuel Lubezki por Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) // Lukasz Zal, Ryszard Lenczewski por Ida

Mejor banda sonora: Hans Zimmer por Interstellar // Hans Zimmer por Interstellar

Mejor canción: "Glory" (Ava DuVernay) de Selma // "Glory" (Ava DuVernay) de Selma

Mejor dirección artística: Suzie Davis, Charlotte Watts por Mr. Turner // Adam Stockhausen, Anna Pinnoc por El gran hotel Budapest

Mejor vestuario: Jacqueline Durran por Mr. Turner // Jacqueline Durran por Mr. Turner

Mejor largometraje de animación: El cuento de la princesa Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari, 2013) de Isao Takahata // Song of the Sea (ídem, 2014) de Tomm Moore

Grandes intérpretes: Las diez películas que hay que ver de Toshirô Mifune*

"No estoy siempre genial en las películas, pero soy siempre fiel al espíritu japonés"

(Qingdao, China, 1 de Abril de 1920 - Mitaka, Tokio, Japón, 24 de Diciembre de 1997)

El actor japonés más conocido a nivel internacional nació, por circunstancias laborales de sus padres, en China, y hasta cumplir los 21 años no pisó el suelo de sus antepasados. Tras servir en la Segunda Guerra Mundial, donde sacó provecho de sus conocimientos en el ámbito de la fotografía, empieza a relacionarse con el mundo del cine, primero como asistente de cámara y finalmente como actor. En 1948 conoció a Akira Kurosawa, hecho que cambiaría su vida. La colaboración entre ambos -Mifune aparece en 16 filmes de El Emperador- elevó la fama de Mifune a cotas internacionales jamás alcanzadas anteriormente por un intérprete asiático.

Los personajes interpretados por Mifune solían ser hombres de acción. Su férreo carácter y su determinación le hacían ser el hombre ideal para interpretar a samuráis o personajes con connotaciones épicas. Pero la fuerza de Mifune no era su única virtud, ni mucho menos. El japonés era capaz de dotar a sus personajes de una profundidad emocional única que permitía a Kurosawa crear personajes llenos de contradicciones y debilidades humanas, enriqueciendo sus filmes de manera extraordinaria. 

Una discusión durante el rodaje de Barbarroja (Akahige, 1965) distanció a los dos genios, que no volverían a trabajar juntos. Aún así, Mifune siguió colaborando con directores de renombre en el ámbito nacional e internacional, tales como Masaki Kobayashi, Hiroshi Inagaki o John Boorman, entre otros. Ganador en dos ocasiones del reconocimiento del Festival de Venecia al mejor actor, Mifune murió a los 77 años víctima de un cáncer de páncreas, no sin legarnos antes hasta 160 títulos en los que podemos gozar de uno de los más formidables actores del Siglo XX.

El ángel ebrio (Yoidore tenshi, 1948) de Akira Kurosawa

El perro rabioso (Nora inu, 1949) de Akira Kurosawa

Rashômon (ídem, 1950) de Akira Kurosawa

Los siete samunráis (Shichinin no Samurai, 1954) de Akira Kurosawa

Trono de sangre (Kumonosu-jô, 1957) de Akira Kurosawa

La fortaleza escondida (Kakushi Toride no San-Akunin, 1958) de Akira Kurosawa

Los canallas duermen en paz (Warui yatsu hodo yoku nemuru, 1960) de Akira Kurosawa

Yojimbo (El mercenario) (Yôjinbô, 1961) de Akira Kurosawa

El infierno del odio (Tengoku to Jigoku, 1963) de Akira Kurosawa

Barbarroja (Akahige, 1965) de Akira Kurosawa

-Cinco películas más allá de Kurosawa:

Trilogía Samurái (Samurai I, II & III, 1954-1956) de Hiroshi Inagaki

El hombre del carrito (Muhomatsu no issho, 1958) de Hiroshi Inagaki

Ánimas Trujano (El hombre importante) (1961) de Ismael Rodríguez

Samurai Rebellion (Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu, 1967) de Masaki Kobayashi

Infierno en el pacífico (Hell in the Pacific, 1968) de John Boorman

*Las películas de la lista aparecen en orden cronológico