Mejores álbumes del año: 1959

1959 fue un año memorable para la música, con varios discos que han dejado una huella duradera en la historia de la música popular. Algunos de los mejores discos publicados en 1959 incluyen:

1. "Kind of Blue" de Miles Davis: Este disco es considerado como uno de los mejores álbumes de jazz de todos los tiempos. Con una banda de lujo que incluía a John Coltrane, Cannonball Adderley y Bill Evans, Miles Davis creó una obra maestra de la música modal y el jazz cool. Con su sonido único y su habilidad para improvisar, "Kind of Blue" es un disco que sigue siendo relevante y apreciado hasta el día de hoy.
2. "Time Out" de Dave Brubeck Quartet: Este disco es otro clásico del jazz de la década de 1950. Con su mezcla única de jazz tradicional y ritmos latinos, el Dave Brubeck Quartet creó un sonido fresco y emocionante. El álbum incluye el hit "Take Five", que se convirtió en uno de los temas más reconocidos de la historia del jazz.
3. "The Shape of Jazz to Come" de Ornette Coleman: Este disco marcó el comienzo de la revolución del free jazz. Con su estilo no convencional y su enfoque en la improvisación libre, Ornette Coleman creó un sonido único que cambió la forma en que se pensaba acerca del jazz. "The Shape of Jazz to Come" es un disco que sigue siendo considerado como uno de los más importantes y influyentes de la historia del jazz.
4. "The Sound of Music" de Original Soundtrack: El álbum de banda sonora de esta famosa película de Rodgers y Hammerstein, incluye canciones icónicas como "My Favorite Things", "Do-Re-Mi" y "Climb Ev'ry Mountain". La banda sonora se convirtió en un gran éxito y ganó varios premios, incluyendo un Óscar.
5. "Johnny's Greatest Hits" de Johnny Cash: Este recopilatorio de éxitos del famoso cantante de country, Johnny Cash, incluye canciones icónicas como "I Walk the Line", "Ring of Fire" y "Folsom Prison Blues". El álbum fue un gran éxito comercial y ayudó a establecer a Johnny Cash como una de las principales figuras de la música country.

En conclusión,1959 fue un año memorable para la música, con varios discos que han dejado una huella duradera en la historia de la música popular. Desde el jazz de Miles Davis y Dave Brubeck Quartet, pasando por el free jazz de Ornette Coleman, hasta la banda sonora de la película "The Sound of Music" y los éxitos de Johnny Cash, estos álbumes siguen siendo relevantes y apreciados en la actualidad. Cada uno de ellos ha dejado una huella en la música y en la cultura popular.

La representación de la comunidad LGBT en la música negra y su evolución a lo largo del tiempo

La música negra ha sido una fuerza poderosa en la cultura popular y en la lucha por la justicia social. Sin embargo, a menudo se ha ignorado o marginado a la comunidad LGBT en esta historia. A lo largo del tiempo, los artistas LGBT han luchado por su representación y visibilidad en la música negra. Aunque ha habido avances significativos en la representación de la comunidad LGBT en la música negra, todavía queda mucho por hacer. En este artículo, se analizará cómo la representación de la comunidad LGBT en la música negra ha evolucionado a lo largo del tiempo, desde la época de la música soul y funk hasta el hip-hop y R&B actual. Se discutirán las luchas y triunfos de los artistas LGBT, así como el impacto de su música en la cultura y la sociedad.

En la época de la música soul y funk, la comunidad LGBT estaba todavía en gran medida invisible en la industria de la música negra. Aunque había algunos artistas LGBT como Little Richard y James Baldwin, que hablaban abiertamente de su orientación sexual, la mayoría se veían obligados a ocultar su verdadera identidad debido al prejuicio y la discriminación. Sin embargo, en la década de 1970, con el surgimiento del movimiento LGBT y el aumento de la conciencia sobre la orientación sexual y la identidad de género, comenzó a haber un cambio en la representación de la comunidad LGBT en la música negra. Artistas como Sylvester y Grace Jones comenzaron a abrazar abiertamente su orientación sexual en su música y en su imagen pública. A medida que el movimiento LGBT ha continuado avanzando, hemos visto un aumento en la representación de artistas LGBT en todos los géneros de música negra, desde el hip-hop y el R&B hasta el gospel y la música tradicional. Sin embargo, todavía hay desafíos y barreras para superar en términos de la inclusión y la representación de la comunidad LGBT en la música negra.

En la actualidad, la comunidad LGBT ha ganado una mayor representación en la música negra, pero todavía hay un camino por recorrer en términos de inclusión y diversidad. Artistas como Frank Ocean, Janelle Monáe, y King Princess han sido pioneros en la representación de la comunidad LGBT en el hip-hop y el R&B. Sin embargo, aún hay una falta de representación en algunos géneros de música negra, especialmente en el gospel y la música tradicional, donde todavía hay prejuicios y discriminación en contra de los artistas LGBT. También es importante destacar que, a menudo, la representación de la comunidad LGBT en la música negra se limita a hombres cisgéneros y lesbianas, y hay una falta de representación de personas trans y no binarias. Es crucial seguir trabajando para asegurar que la música negra sea un espacio inclusivo y diverso para todas las personas, independientemente de su orientación sexual o identidad de género.

En la música negra, la representación de la comunidad LGBT también se ha visto reflejada en el lenguaje y en las letras de las canciones. Muchos artistas han utilizado su música como una forma de expresar su orientación sexual y luchar contra la discriminación. Por ejemplo, el rapero Frank Ocean, en su álbum "Channel Orange", habló abiertamente sobre su orientación bisexual, generando un gran impacto en la cultura popular. Otros artistas como Janelle Monáe han usado su música para promover la igualdad de género y la diversidad. Aunque la representación de la comunidad LGBT en la música negra ha mejorado en los últimos años, todavía hay un largo camino por recorrer para alcanzar una verdadera inclusión y diversidad. Es necesario seguir apoyando a los artistas LGBT y trabajar para crear un espacio seguro y acogedor para todos en la industria de la música.

Otro aspecto importante a considerar en la representación de la comunidad LGBT en la música negra es la representación de las diferentes razas y etnias dentro de esta comunidad. A menudo, la mayoría de los artistas LGBT representados en la música negra son de raza blanca, dejando a las personas LGBT de color marginadas y poco representadas. Es importante seguir trabajando para asegurar una representación más diversa y equitativa en la música negra.

Además, es importante señalar que la representación de la comunidad LGBT en la música negra no se trata solo de mostrar a los artistas LGBT, sino también de crear un ambiente seguro y aceptable en la industria de la música para que puedan prosperar y ser libres de ser ellos mismos. Esto incluye luchar contra la discriminación y el acoso en el lugar de trabajo y promover la inclusión en la toma de decisiones y en los festivales de música.

En resumen, la representación de la comunidad LGBT en la música negra ha mejorado a lo largo del tiempo pero todavía hay desafíos y barreras a superar en términos de inclusios, diversidad y equidad. Es importante seguir apoyando a los artistas LGBT y trabajando para crear un ambiente seguro y aceptable en la industria de la música. Esto incluye luchar contra la discriminación y el acoso, promover la inclusión en la toma de decisiones y en los festivales de música y asegurar una representación más diversa y equitativa en la música negra.

Además, debemos seguir educándonos y concienciando sobre la importancia de la inclusión y la diversidad en la música negra y en la sociedad en general. Es importante escuchar y amplificar las voces de la comunidad LGBT y trabajar juntos para crear un mundo más justo e inclusivo para todos. La música negra siempre ha sido una fuerza poderosa en la lucha por la justicia social, y seguirá siéndolo mientras continuemos luchando por la representación y la igualdad para todos.

Descubriendo a Carl Philipp Emanuel Bach

cello concerto allegro assai
https://www.youtube.com/watch?v=y1r3HQmi4Kw

solfeggietto
https://www.youtube.com/watch?v=9rDGc69FQcY


Harpsichord Concerto in C minor
https://www.youtube.com/watch?v=kHr8wxlsKvI

symphony in e minor
https://www.youtube.com/watch?v=3mmvr50lXBc


flute concerto d minor
https://www.youtube.com/watch?v=-q0PvOwmQdg

Organ concerto in G
https://www.youtube.com/watch?v=9e-Kbr9iME0

Piano sonata in A
https://www.youtube.com/watch?v=pqnlFvFhNFE

Flute Sonata in Aminor
https://www.youtube.com/watch?v=v1Mlvr-3Cf8

Magnificat
https://www.youtube.com/watch?v=Gnitdpuhf_k

Descubriendo a Quando Rondo

Qué absurdo pero qué común es sentir frustración al ver triunfar a chavales menores que tú, hasta que no ves a Anthony Davis en la NBA siendo del 93 parece que tú aún podrías llegar, hasta que no ves a Quando Rondo soltándote una mixtape top 5 del 2018 y millones de visitas con 19 años parece que tú aún podrías pegarte. Y de Quando Rondo quería escribir para compartir conocimiento a los que estáis pa'trás aprovechando que dejo constancia que yo ya quemaba a este chaval desde el minuto 0.

Quando nace en Savannah, Georgia en 1999, ya desde pequeño tiene problemas con la ley, pasa por centro de menores pero es salir y marcar. En octubre de 2017 obtiene la libertad, a finales de noviembre se marca este freestyle y en enero ya tiene millones de reproducciones en su tema con Lil Baby en WSHH.

Tres canciones más tarde publica su primera tape Life B4 Fame con 11 tracks que son una locura de melodías, no sabe cantar pero no le hace falta, el canturreo me sabe a pureza. Rondo tiene de la buena sin cortar, prueba de ello es que no tiene canción mala, 17/17 en bangers, se ríe de Calderón.

Para mi es el nuevo Rich Homie Quan, su tocayo me trastocó en 2014 cuando Young Allen (ahora no sé como se hará llamar) me lo enseñó. Ha logrado sacar 3 mixtapes (la trilogía Still Goin' In) y un disco en los que no falla un tiro. Pero no solo tienen en común la efectividad, la facilidad para elaborar melodías complejas y encadenarlas está presente también en ambos raperos. Además forman parte, aunque en generaciones distintas, por así llamarlo, de la misma nueva cara del sur, lo que empezó de algún modo Gucci Mane y que ha seguido con Future, Young Scooter, Young Thug, Migos, etc.

El Fenómeno Quinqui; La España de los 80's [Contexto Histórico]

Antes de tratar el fenómeno quinqui en sí es fundamental asumir ciertos conceptos del contexto histórico en el que se desarrolla, éste es siempre un condicionante y en la España de los 70’s y 80’s en concreto, es absolutamente esencial. 

En la década anterior, España estaba en pleno proceso de apertura al mundo y aceptación de éste hacia el país antes marginado por gran parte de las naciones "demócratas". Esto se traduce de forma más o menos tangible en los  Planes franquistas de Desarrollo Económico y Social que granjean, como era de esperar, grandes cambios en las estructuras sociales del momento. La principal consecuencia fue el éxodo rural que llevó a la concentración y masificación urbanística.

Fruto de lo comentado se sobreocuparon ciudades como Barcelona y Madrid, actualmente las dos mayores del país, mediante una pésima planificación urbanística, permitiendo un altísimo grado de chabolismo. Los nuevos barrios sin alcantarillado, hospitales y escuelas surgieron formando periferias y grandes zonas dormitorio que, al llegar la crisis del petróleo y consecuentemente el aumento del paro, se hundirían -más si cabe- en la extrema pobreza. 

Las cifras del paro del que hablamos eran más que preocupantes, estadísticas oficiales del INE marcaban en la década de los 70’s una media de 2.200.000 parados cuando la población total era de 24 millones. Para que os hagáis una idea, actualmente hay alrededor de 5 millones de parados, un poco más del doble, pero también hay casi el doble de población total, 46 millones, por lo que podría asemejarse bastante a la situación actual si le sumamos la precariedad de 40 años atrás y obviamos la burbuja inmobiliaria y lo que eso conlleva. Además, lo alarmante es que tan solo el 27% se beneficiaba de la cobertura por desempleo y cerca del 60% era menor de 24 años buscando su primer trabajo. 

Como vemos, fue la juventud la que cargó con una gran parte del peso psicológico de la situación. La muerte de Franco debía insuflar cierta esperanza pero para esos chavales significaría más bien poco, la falta de perspectivas y de futuro son la esencia de los jóvenes que años más tarde impregnaría otros estratos sociales. 

Los descampados y las salas recreativas, pasaron a ser zona de encuentro y ocio de una juventud sin escolarizar (el 25% de los mayores de 14 años estaban fuera del sistema educativo en 1975), la delincuencia, una forma de subsistir (en 1981 había 47.8000 niños menores de 14 años en prisiones y reformatorios); y la droga, sobre todo la heroína, una desconocida forma de evadirse de todo eso por la que sentían curiosidad.

En los periódicos, desde las páginas de sucesos hasta las de papel cuché recogían el problema de dicha droga y de la inseguridad ciudadana. Estos asuntos se convirtieron en un tema central de la opinión pública, salpicando a todo tipo de publicaciones. Asimismo, los medios sensacionalistas alimentaban la historia de algunos de los personajes que se veían abocados a vivir esa vida y que acababan por convertirse en verdaderos mitos. 

El propio Eloy de la Iglesia, director característico del género y uno de sus máximos exponentes, mantuvo que “la delincuencia de estos chicos era la consecuencia de una sociedad agresiva, y responde a las ofertas de una sociedad de consumo a la que no tienen acceso”.

Las 15 Mejores Obras de Johann Sebastian Bach

1- Matthaus Passion

2 - Art of Fugue

3 - Misa en si Menor

4 - Clave bien temperado

5 - Variaciones de Goldberg

6 - Obras para Organo

 Toccata and fugue

Toccata and fugue "Dorian"

Passacaglia and Fugue

"Little" Fugue

Preludios Corales

Trio Sonatas

Transcripciones de Vivaldi al órgano (organ concerto)

Prelude and Fugue 543

Toccata, Adagio and Fugue 564

"Great" Prelude & Fugue 541

Prelude and Fugue 552

Sonata no.1 525

Oratorio de Navidad ESCUCHAR

8 - Conciertos de Brandenburgo

9 - Ofrenda Musical

10 - Magnificat

11 - Suites Orquestrales 2 & 3

12 - Concierto para Violín 1043

13 - Suites para cello 1-6

Johannes Passion ESCUCHAR

Cantata 140 wachet auf ruft unsdie stimme revisar

Suites para teclado 812-817 revisar

seis partitas

Mi álbum; 1958

R. Fortuna:

Viri: Billie Holiday - Lady In Satin

Lady In Satin fue el último álbum que Billie Holiday llegó a publicar en vida. Tras su muerte -prematura y consecuencia de su abuso de las drogas- se lanzó un disco póstumo que goza igualmente de gran reputación. En Lady In Satin Holiday nos ofrece un sinfin de piezas emblemáticas del Jazz de finales de los cincuenta, con un tono apesadumbrado que se graba en la memoria de cualquier oyente. Según se dice, era el álbum favorito de la propia artista, así que hay que tomarlo en gran consideración.

Ron Delillo: Buddy Holly - Buddy Holly

No exagero si digo que Buddy Holly podría haber sido una de las mayores estrellas de la historia de la música contemporánea si no hubiera sido por su temprana muerte a los 22 años. Pese a eso, la Rolling Stone le incluye en el número 13 de la lista de los mejores artistas musicales de todos los tiempos. Casi nada. Este disco homónimo fue el segundo en la carrera de este chico de Texas que fue un pionero de la música rock y country. Aunque hoy algo olvidado, la influencia que ha ejercido en numerosos artistas es inabarcable. Se trata de su mejor disco y contiene sus dos mayores éxitos: 'Peggy Sue' y 'Everyday'.  

Luna de papel (Paper Moon, 1973) de Peter Bogdanovich

"Triste puedo estar solo; para estar alegre necesito compañía"

Elbert Hubbard 

En el oeste de Estados Unidos, durante los años de la gran depresión y la ley seca, un estafador que se dedica a vender Biblias a las viudas (Ryan O' Neal) se ve obligado a hacerse cargo de una niña huérfana (Tatum O' Neal), cuya madre fue una antigua amante suya. En el trayecto hasta Missouri, donde vive la tía de ésta, nace una amistad entre los dos protagonistas propiciada por los pequeños golpes que van dando por todo pueblo que visitan.

Peter Bogdanovich, cuya reputación se sustenta en su labor de crítico cinematográfico pero también en las películas de éxito que dirigió en los años setenta, emprendió este proyecto de la Paramount -que inicialmente contaba con la dirección de John Huston- e involucró a Ryan O' Neal, actor con quien había trabajado anteriormente, y a su hija, cuyo excelente trabajo seria reconocido por la academia de Hollywood con el premio a mejor actriz secundaria más precoz hasta el momento. 

La película, ambientada en un contexto histórico muy particular de la historia de Estados Unidos -el de los años treinta- y que juega un gran papel en el transcurso de los hechos que en ella se cuentan, está basada en la novela de Joe David Brown, y cuenta, en forma de Road Movie, la relación entre un estafador de poca monta, sin escrúpulos y desencantado de la vida y una niña que pese a haber perdido a su madre ve con ilusión el futuro y la nueva aventura que tiene por delante.

Todos los personajes secundarios que aparecen en ella desaparecen sin excesiva trascendencia, pues el elemento focal del filme es la evolución de la relación humana -muy conseguida y eficaz, por cierto- entre los dos principales.

Las reticencias iniciales dan pie a una cierta colaboración que les permite ganarse mejor la vida, pero no tardan en llegar las desavenencias y los conflictos, resueltos finalmente por el amor casi paterno-filial que nace entre ambos. Como resulta lógico, la joven huérfana está abierta a esta circunstancia desde el primer momento, e incluso pregunta a Moses -así se llama el "vendedor"- si es su padre biológico. Éste, sin embargo, trata de deshacerse de la niña desde un inicio. Es una suerte de free rider que lo único que desea es seguir su camino sin que nadie le moleste y preocuparse únicamente de como ganarse el pan del mañana.

Se dice que fue Orson Welles, amigo y gran referente de Bogdanovich, quien aconsejó que la película fuera rodada en blanco y negro a través de un filtro rojo para añadir contraste a las imágenes. Lo cierto es que la labor del director de fotografía -Laszlo Kovacs- y el resultado final son muy destacables.

Al parecer Bogdanovich también consultó con Welles el nombre de la película -la novela original se titula "Addie Pray" pero al cineasta neoyorquino no le convencía para el filme y buscó una alternativa- y éste le respondió con sorna que "Paper Moon" era tan bueno que no hacia falta ni rodar la cinta, pues podía venderlo por sí mismo.

Afortunadamente no le hizo caso y hoy podemos gozar de una notable película que obtuvo una enorme recepción por parte de la crítica internacional y, especialmente, por la estadounidense.

Las 15 Mejores Sonatas para Piano del Clasicismo

1 - Ludwig van Beethoven - Op.27 No.2 Sonata No.14 'Moonlight'

Una de las producciones para teclado solista más sobresalientes de todos los tiempos -probablemente solo cuestionada por la sonata en si bemol de Franz Liszt- y la más famosa, debido a su primer movimiento.

La obra fue dedicada a la condesa Giulietta Guicciardi, una alumna de Beethoven que logro hacerlo disfrutar de un poco de felicidad después de años de soledad y tristeza. Por desgracia para el maestro, nunca pudo contraer matrimonio con ella.

El apodo de Claro de Luna apareció después de la muerte del autor, surgiendo del poeta alemán Ludwg Rellstab, quien comparó el primer movimiento con el claro de luna del Lago de Lucerna.

Como todos conocemos el inicio de la sonata, facilitaré el tercer y último movimiento, a mi parecer tan memorable como el primero.

2 - Ludwig van Beethoven - Op.106 Sonata No. 29 'Hammerklavier'

Con el sobrenombre de 'Gran Sonata para piano de Martillos', Beethoven presenta una de las sonatas más largas jamás compuestas (entre 40 y 50 minutos) y, para muchos, la pieza más difícil del repertorio pianístico.

En su publicación la acogida por parte del público fue nula y ningún pianista se atrevía a enfrentarse a tal obra. Al acabarla, el compositor se dijo para sí mismo que ya sabía componer y que esta obra no daría problemas a los pianistas que la ejecutaran 50 años tras su composición. Pero la realidad es que incluso 100 años después no se creía que la obra hubiese sido ejecutada correctamente. Se considera que fue Franz Liszt el primero en demostrar que se trata de una obra ejecutable.

3 - Ludwig van Beethoven - Op.57 Sonata No.23 'Appassionata'

El compositor llevó la virtuosidad pianística a un nuevo nivel de complejidad, y la fusionó con su nuevo estilo heroico mostrado también en la Sinfonia No.5 con esta violenta y apasionada sonata, una de sus favoritas del género.

4 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.331 Sonata No.11

La más famosa y elevada sonata para piano que Mozart llegó a componer. La obra se inicia con un tema con siete variaciones muy agradable seguido de un animado minueto. Finalmente, la obra es encumbrada por la celebérrima 'marcha turca', la cual imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros.

5 - Ludwig van Beethoven - Op.13 Sonata No.8 'Pathetique'

La mejor sonata de la etapa inicial de Beethoven. Es considerada una obra fundamental en la producción pianistica, entre otros méritos, por ser de las primeras de corte pre-romántico. En el primer movimiento de esta sonata aparece por primera vez una introducción 'grave', que suscita elementos de dolor atenuados por momentos de luz.

El segundo y tercer movimiento son muy conocidos y poseen una gran belleza.

6 - Muzio Clementi - Op.50 no.3 'Didone Abbandonata'

La obra maestra de un genio olvidado. El primer movimiento es uno de los mayores logros del clasicismo al teclado, de una expresividad inaudita. Al igual que las últimas sonatas de Beethoven, son en gran parte de corte romántico.

7 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.310 Sonata No.8

Escrita en París tras la muerte de la madre del compositor. Figura entre las mejores obras para piano del clasicismo temprano.

8 - Franz Joseph Haydn - Hob. XVI:49 Sonata No.59

Sonata que marcó el  inicio de la madurez del estilo de Haydn. Me gustaría recomendar también la Sonata 32 del compositor, la cual se ha quedado a las puertas de entrar en la lista.

9 - Ludwig van Beethoven - Op.31 No.2 Sonata No.17 'Tempest'

Al igual que con su sonata "Moonlight", el sobrenombre de ésta no surgió hasta después de la muerte del autor. El nombre viene dado por su primer biógrafo Anton Schindler, quien afirmó que Beethoven se inspiró en la obra homónima de William Shakespeare, aunque los expertos no están seguros de que sea cierto. Aunque el titulo quizás haga referencia a la obra del dramaturgo inglés, el carácter apocalíptico del primer movimiento de la sonata parece representar la furia inestable de una tormenta.

10 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.282 Sonata No.4

Compuesta alrededor del año 1774, esta es la primera sonata sobresaliente que escribió el compositor. Tanto su datación como su clasificación como sonata No.4 han sido puestas en duda en varias ocasiones.

11 - Jan Ladislav Dussek - Op.77 'L'invocation'

12 - Leopold Kozeluch - Op.20 No.3

13 - Ludwig van Beethoven - Op.53 Sonata No.21 'Waldstein'

14 - Muzio Clementi - Op.50 No.2

15 - Wolfgang Amadeus Mozart - K.545 Sonata No.16