• Hay que estar bien alerta con todo intento de enmarcar un conflicto como es en este caso el de género, especialmente si se trata de uno con apariencia progresista.
  • La trabajadora actual vive en un mundo globalizado, víctima de la precariedad laboral y solo pudiendo sentirse parte de un proceso económico, sin una identidad cultural a la que aferrarse.
  • El sexo, el género, binario o no binario, fluido... tras el auge de luchas como la feminista o por la libertad sexual, muchas han sido las realidades de este tipo que se han puesto sobre la mesa.
  • Es importante retener 2 concepciones de la naturaleza del ser humano, la social, que constituye la base de la educación, y la política, que contribuye a la extensión de susodicha educación; porque, son 2 elementos fundamentales en la construcción y salud del sistema democrático.

domingo, 30 de marzo de 2014

Gato negro, gato blanco (Crna macka, beli macor, 1998) de Emir Kusturica



"Yo pongo mis ideas en practica. Quizá es por eso que la gente me odia"

Emir Kusturica


Grga Pitic (Bajram Severdzan), un padrino gitano, y Zarije (Zabit Mehmedov), dueño de unas obras de cemento, son amigos desde la infancia. Sobrepasados los ochenta años y con una mala salud de hierro, su única preocupación es el porvenir de sus hijos y nietos.


El famoso y controvertido director yugoslavo Emir Kusturica dirige una extravagante cinta sobre negocios sucios, mercados negros y enredos generacionales entre familias de etnia gitana. Kusturica se alzó con el León de Plata al mejor director en el festival de Venecia de 1998 gracias a su extraordinario trabajo en esta delirante comedia negra.

La película presenta una enrevesada trama que relaciona las familias de los dos ancianos antes mencionados con un mafioso llamado Dadan -quien sufre un grave problema de drogadicción (Mención aparte merece este personaje, interpretado por un joven Srdjan Todorovic), y una abuela y su nieta (Branka Katic). Deudas de juego, estafas, y un par de romances completan el "loco" argumento. 


Bello en el aspecto visual, el filme nos traslada a escenarios de la antigua Yugoslavia habitados por gitanos dedicados al mundo del crimen. Entre ellos, nacen disputas de todo tipo, amistades e historias de amor, destacando la que enlaza al nieto de Zarije y la joven muchacha interpretada por Branka Katic (de enorme parecido con Scarlett Johansson, por cierto). La dirección de Kusturica se muestra delicada y sensible, encontrando el ritmo narrativo adecuado y apreciando los momentos románticos en toda su medida, y los personajes que se presentan en la película poseen cierto carácter felliniano, lo cual incrementa lo grotesco del conjunto. 

La influencia del director yugoslavo en el cine moderno se hace patente durante todo el filme. Está más que claro que algunos de los mejores cineastas de la actualidad -Paolo Sorrentino, por ejemplo- conocen la obra de Kusturica. 


Además de la gran escenografía y el más que apreciable trabajo de fotografía de Thierry Arbogast, destaca la banda sonora, compuesta por músicas gitanas y balcánicas tradicionales y algún que otro "hit" de la música disco que acompaña al estrafalario personaje de Dadan. 

Si algo se le puede reprochar a la película es que la intencionada búsqueda de un happy ending acaba por alargar en exceso el tramo final del mismo. De todos modos, Gato negro, gato blanco garantiza carcajadas y resulta deslumbrante y ocurrente, así que no duden en verla.






sábado, 29 de marzo de 2014

Upstream Color (ídem, 2013) de Shane Carruth


Esta fin de semana se ha estrenado en nuestro país el segundo largometraje del director norteamericano Shane Carruth. Nueve años después de que Primer (una película de ciencia ficción con un ínfimo presupuesto) arrasara en Sundance, Carruth vuelve a firmar otra enigmática película en la que él toma el control absoluto.


El argumento de la película puede parecer confuso, vemos que una mujer es atacada por un hombre y éste le injerta un gusano que inhibe la personalidad, esto hace que quede muy débil y solo puede obedecer órdenes. Cuando se le extrae el gusano, su vida ya no es la que era y no sabe qué hacer. Más tarde conoce a Jeff que parece haber pasado por lo mismo y juntos intentaran vengarse del que les hizo eso.



Carruth es un director que parece que no se fía del trabajo de los demás, y es que su presencia en la película es total: hace de actor, director, guionista, compositor, fotógrafo, montador... casi todo lo que se puede hacer vaya.

Al igual que Primer, no estamos delante de una película convencional, si lo que queréis es pasar el rato y no darle demasiado al coco, siempre podéis ir a ver Ocho Apellidos Vascos. Upstream Color te hará darle vueltas a la cabeza a lo que has visto y probablemente pensarás que la mitad de escenas son pura vanidad del director, pero créeme, cada toma está pensada,  y cada imagen, por muy surrealista que sea, es importante para entender el film.


Con claras referencias del cine de Malick, Carruth ha encontrado su hueco en la industria independiente de los Estados Unidos y es que sus dos primeras películas han causado furor en el festival de Sundance. Sólo espero que no pasen nueve años más para ver una nueva película de este director.

La semana que viene es la Fiesta del Cine (31, 1 y 2) y me gustaría recomendaros esta película si lo que queréis es ver una película fuera de lo habitual y debatir sobre el intrincado argumento días y días.

Os dejo con el tráiler:  


viernes, 28 de marzo de 2014

Damian Lillard quiere ser el rapero más clutch de la NBA


Hace menos de un mes Damian Lillard decía lo siguiente ante los micros de CSNNW: "Si mi nombre sigue creciendo, creo que puedo obtener un 'disco de platino' con mi música", parece que el PG de los Portland Trail Blazers se sube definitivamente al carro de la música al igual que lo hicieron muchos otros jugadores de la NBA antes (véase When NBA Met Music). "No hablo de dar una lección al resto de los que ya han rapeado, pero realmente puedo rapear. Tengo una historia que contar y no todo será baloncesto en mis letras. Tengo mucho más recorrido que todo eso”, tiene claro que lo hará y cómo hacerlo, “teniendo en cuenta la forma en la que sé que podría hacer las cosas y los productores de los que me rodearé, no hay razón alguna para pensar que no conseguiría el disco de platino. Shaq ya demostró que es posible".

Shaquille O'neal consiguió llegar a ser disco de platino con su álbum debut, Shaq Diesel (1993). Evidentemente no fue solo gracias a la calidad de su música, la cual deja bastante que desear, si no por la fama que le caracteriza, y da la sensación que Lillard tiene en cuenta eso a la hora de lograr sus metas. Lo cierto es que ya ha revolucionado Instagram con sus #4BarFriday.



La cosa consiste en rapear 4 barras, algo breve y subirlas a la susodicha red social, empezó haciéndolo él y otros acabaron por sumarse otros jugadores como LeBron James, Paul George, Iman Shumpert o raperos más que consolidados como es el caso de Bun B. La repercusión de la movida ha sido tal que ha llegado a organizar eventos como este en New Orleans con Mannie Fresh.


Dame asegura que le ha cogido por sorpresa, "solo quería que la gente compartiera sus cuatro barras y fuera contagiándose, pero ha crecido mucho más rápido de lo esperado, de hecho, quiero hostear batallas y demás eventos por el estilo de vez en cuando".

Pero ser ambicioso no queda ahí, dice que quiere triunfar como Shaq, comentar en ESPN, convertirs en actor y protagonizar algún largometraje como lo hizo Ray Allen (Jesus Shuttlesworth) en He got game

A mí, personalmente, me sabe a capricho de niño rico pero no perderemos detalle de su trayectoria musical. Lo dejaremos aquí, enlazando un video en el que Natalie Banks le da un buen baño, don't fuck with Texas #NoStephenJackson:

jueves, 27 de marzo de 2014

Arquitectura modernista en España


Hoy voy a hablar de un movimiento artístico que me gusta especialmente. Este movimiento recibe distintos nombres según el país; Sezessionstil en Vierna, Modern Style en Inglaterra, Liberty en Italia, Judendstil en Alemania, Modernismo en España y Art Noveou en Bélgica y se extendió por todos los ámbitos artísticos. Pero yo me voy a centrar en mi país, donde la arquitectura modernista tuvo una repercusión especial en Cataluña. Es bien sabido que el centro del modernismo en España es Barcelona. (Desde aquí un saludo a mis compañeros de blog, vuestra ciudad es preciosa)

Nos encontramos a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, en un momento en el que la vida estaba cambiando a un ritmo vertiginoso en Europa. La revolución industrial había llenado las ciudades de fábricas y maquinaria. La arquitectura tuvo un papel esencial en esta época, tanto por las ampliaciones de las ciudades para acoger a la nueva población que venía del campo como por el cambio que se produjo en los materiales. El hierro empezó a formar parte del tronco de la mayoría de los edificios. Sobriedad y funcionalidad eran los dos conceptos que se veían reflejados en las construcciones. En contraposición a esta arquitectura, deshumanizada de alguna manera, surgió un movimiento artístico que pretendía mezclar lo moderno con lo antiguo, lo innovador con la artesanía: el modernismo.

La arquitectura de este movimiento es principalmente urbana y busca un aspecto agradable y elegante, deseado por la burguesía. Adquiere gran importancia el diseño como elemento integrador de los edificios, como antaño lo había sido la escultura. No podemos olvidar al magnífico Alphonse Mucha y a sus carteles publicitarios o a Guimard y a sus bocas de metro parisinas, obras que se podrían decir que son los símbolos más famosos de esta corriente artística. 

Los materiales utilizados van a ser los típicos del momento, aprovechados hasta sus últimas consecuencias como el hierro, pero también antiguos como la piedra o el ladrillo. Además en vez de copiar las formas clásicas, se va a innovar, tomando el edifico como un ente, como un ser vivo. De este modo, va a tener un fuerte componente ornamental inspirado en la flora y en la fauna. Otro aspecto muy importante es el rechazo por lo recto, por lo sobrio ya que a los modernistas les va a encantar la curva en todas sus expresiones, como algo que transmite vida. 

Alphonse Mucha - Les Saisons

Entrada al metro de París

Bien, antes de entrar en territorio español, hay que empezar por el principio. El precedente del modernismo lo encontramos en William Morris y su Red House (Casa roja). Después, el pionero en el movimiento que nos ocupa será Victor Horta, autor de la Casa Tassel en Bruselas (1892-1893). En ella los soportes metálicos se dejan vistos, para dejar el edificio más abierto y la decoración tiene referencias al mundo natural como la delgadez de sus columnas (tallos), su posterior desarrollo (ramificación) y su avance por el techo y las barandillas (enredadera).
                                            


Los orígenes catalanes los encontramos en la nueva Escuela Provincial de Arquitectura creada en 1871 y dirigida por el arquitecto Elies Rogent i Amat. Pero será con Domènech i Montaner con quien el modernismo catalán alcanzará un mayor desarrollo. Sus obras se caracterizan por una ornamentación inspirada en la arquitectura hispano-árabe y en el dibujo curvilíneo. Entre sus obras más destacadas encontramos el Palau de la Música Catalana, el Hospital Sant Pau o el Institut Pere Mata de Reus.

Palau de la Música Catalana




El edificio se articula alrededor de una estructura central metálica recubierta de vidrio, que al recibir la luz natural convierte el edificio en una obra mágica. Una caja de música donde se combinan todas las artes aplicadas: escultura, mosaico, vitral y forja. La Sala de Conciertos está presidida por el órgano sobre el escenario y tiene un lucernario central que representa el sol. Es una sala mística que se encuentra repleta de figuras como las musas que rodean el escenario, las valquirias de Wagner que surgen del techo, un busto de Anselm Clavé a un lado y uno de Beethoven al otro, y cientos de elementos de la naturaleza, como flores, palmeras, frutos, jarrones y vitrinas llenas de joyas.



En 1901 Josep Puig i Cadafalch, díscipulo de Domènech i Montaner, realizó la Maisson Macaya. Su exterior está hecho en estuco blanco y esculturas. Su interior tiene una rica decoración que se puede observar en su increíble patio.


Sin embargo, su edificio más famoso es la Casa Amatller, situada en el Paseo de Gracia. Este edificio está inspirado en distintos movimientos como el románico, el gótico, siglo XVI, barroco. El coronamiento nos recuerda a las construcciones medievales de los Países Bajos. La portada repite un solo dibujo y los materiales utilizados son hierro y piedra.

La máxima figura es sin duda Antoni Gaudí. En sus primeras obras haría una reinterpretación de antiguos estilos artísticos, como el gótico y el mudéjar. Sin embargo, después evolucionarían a otras más naturalistas. Como otros autores, su fuente de inspiración es la naturaleza. Funde distintos aspectos para crear obras tan maravillosas como El Palacio Episcopal de Astorga, el Capricho de Gaudí, la Casa Calvet, la Casa Batlló, La Pedrera, El Parc Güell y la Sagrada Familia.

Casa Batlló


Situada en el Paseo de Gracia, es una remodelación de un edificio previamente existente y se realizó entre los años 1904 y 1906. Las partes principales para Gaudí fueron la fachada, la planta noble (residencia de la familia Batló), el patio, el desván y la azotea además de un quinto piso que añadió. Pertenece a la época naturalista, donde el arquitecto empezó a desarrollar su estilo personal. Un elemento muy importante es el cristal. Las columnas tienen forma de huesos y los balcones de máscara. Así mismo, el gran tejado está formado por tejas de colores imitando las escamas de un dragón. En el interior destaca una escalera en la que su pasamanos recuerda al espinazo de un gran animal.

La Pedrera o Casa Milá


Este edificio construido entre 1906 y 1912 es conocido como La Pedrera por su similitud con una cantera a cielo abierto. La Pedrera se construyó como dos bloques de viviendas, con accesos independientes, intercomunicados por dos grandes patios interiores y con una sinuosa fachada. Fue mandado construir por Pere Milà i Camps como residencia propia y para alquiler de pisos. Ahora es un centro social donde se realizan numerosas actividades. Fue el cuarto y último edificio que Gaudí realizó en el Paseo de Gracia.


Parque Güell


Entrada principal


Bancos

Pórtico de la Lavandera

Situado en la parte de alta de Barcelona, es una de las visitas obligadas de la ciudad. En él se pueden ver unas preciosas vistas. El Parque Güell se formó con la unión de dos fincas, en la llamada Montaña Pelada (hoy día Colina del Carmel), adquiridas por el conde Güell el año 1899. Gaudí lo concibió con un sentido religioso (una capilla que no se llegó a construir), orgánico y urbanístico. Consiste en un espacio lleno de naturaleza y construcciones arquitectónicas como la Sala Hipóstila, el Pórtico de la Lavandera o el Calvario. Además en él se encuentra la casa-museo de Gaudí.


La Sagrada Familia





Por último hablaré de la Sagrada Familia, el emblema de Barcelona. El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es una iglesia monumental iniciada el 19 de marzo de 1882 a partir del proyecto del arquitecto Francisco de Paula del Villar. A finales de 1883, se encargó a Gaudí la continuación de las obras, labor que no abandonó hasta su muerte, en 1926. A partir de entonces, varios arquitectos han continuado la obra siguiendo la idea original de Gaudí. Aunque es una obra que necesita una entrada para ella sola, intentaré hablar sobre todo de la labor de Gaudí, que se implicó tanto que llegó a vivir dentro del edificio. Un detalle importante de este edificio es que se financia con aportaciones anónimas y con el dinero de las entradas. Es por eso por lo que el avance de las obras es tan lento.

Tras asumir el proyecto en 1883, Gaudí construye la cripta, que termina en 1889. Mientras inicia las obras del ábside y del claustro, los trabajos siguen a buen ritmo gracias a los donativos recibidos. Cuando se recibe un importante donativo anónimo, Gaudí se plantea hacer una obra distinta y mayor, tanto en lo que se refiere a las formas y las estructuras como a la construcción. El proyecto de Gaudí consiste en una iglesia de grandes dimensiones, con planta de cruz latina y torres de gran altura; y concentra una importante carga simbólica, con el objetivo final de ser una explicación catequística de las enseñanzas de los Evangelios y de la Iglesia.

En 1911 proyecta la fachada de la Pasión y en 1923 la solución definitiva de las naves y cubiertas. El 30 de noviembre de 1925, se termina la construcción del primer campanario de la fachada del Nacimiento, dedicado a san Bernabé, de 100m de altura. Éste es el único que Gaudí ve construido, ya que el 10 de junio de 1926 muere debido a un trágico accidente ocurrido tres días antes, al ser atropellado por un tranvía.

martes, 25 de marzo de 2014

I got 99 problems, but a beat ain't one; #82 - Never Let Me Down


[Beat anterior]

Seguimos un día más dándole vueltas al, ahora, clásico The College Dropout, la ópera prima de Kanye. El tema que nos ocupa es Never Let Me Down, la octava de las 21 canciones que componen el tracklist del disco. Es la que inicia la segunda cara del LP y a  pesar de que el título pueda causar alguna confusión, nada tiene que ver con el álbum de Depeche Mode.


Título: Never Let Me Down
Álbum: The College Dropout
Año: 2004
Autor: Kanye West feat. Jay Z & J.Ivy
Sello: Roc-A-Fella / Def Jam

Jay Z abre el tema tras el hook, tal y como se escucha al principio, ese primer fragmento de Jigga es de Hovi Baby, un tema grabado un año antes. Es por eso que quizá notéis a Hova fuera del ritmo y demás. No es necesario decir que me parece una tremenda equivocación, ciertamente la segunda de sus estrofas, las que cierran el tema, suenan muchísimo mejor pero no me explico el porqué de lo que comento.

"It's Hov tradition, Jeff Gordon of rap
I'm back to claim pole position"


Tras Jay Z, 'Ye suelta sus versos denunciando el racismo patente en Estados Unidos, haciendo referencias a la bíblia, a su novia en ese momento, Sumeke Rainey, y a la muerte del padre de ella -es un dato curioso que muchos de los samples que Yeezy utilizaba provenían de la colección de vinilos de su suegro. Estas son las últimas líneas, no os perdáis la reacción de Pharrell al escucharlo en el estudio.

"But I can't complain what the accident did to my left eye
Cause look what an accident did to Left Eye.
First Aaliyah now Romeo must die
I know I got angels watching me from the other side"



Por último J. Ivy, un poeta de Chicago del cual Kanye escuchó por un amigo en común, aceptó colaborar en el tema con un poema que le valió el Grammy. En sus letras la religión tiene un peso enrome por lo que nos ahorramos la propaganda que de eso ya se encargan los creyentes, si queréis religión podéis leer la entrada sobre Jesus Walks.

En cuanto al beat, se basa en Maybe It's the Power of Love de Blackjack. Este grupo de apenas dos años de vida fue sampleado de nuevo por Kanye para el A Dream de Jay Z contenido en el The Blueprint 2: The Gift & the Curse. Parece ser que Yeezy tenía World's Apart ambos temas han sampleado canciones del este segundo y último LP publicado por Blackjack en su corta vida como grupo.


lunes, 24 de marzo de 2014

Pather Panchali, la canción del camino (Pather Panchali, 1955) de Satyajit Ray



"El director es la única persona que sabe realmente de que trata la película"

Satyajit Ray


El nacimiento de Apu llena de esperanza a una familia bengalí que vive sumida en la más extrema pobreza. Sus padres lucharán por un mejor porvenir y su hermana, Durga, será el mayor apoyo del joven muchacho.


Debut del célebre director hindú Satyajit Ray que además se convertiría en la primera parte de la memorable Trilogía de Apu. Pather Panchali es una obra maestra basada en la sencillez, en el retrato cotidiano de una familia pobrísima de Bengala para la cual cada día supone una prueba de supervivencia.

Sin alardes técnicos ni grandes recursos, Ray ofrece un conmovedor relato vital consiguiendo escenas de gran calado e imágenes realmente estremecedoras. 


En esta primera parte del anunciado tríptico, la narración se centra en el núcleo familiar de Apu, formado por sus padres, su abuela, su hermana y los vecinos -que son sus tíos y primos. Las penurias económicas de la familia son la mayor preocupación de la madre, quien ejerce realmente de cabeza de familia. El padre de Apu es un soñador, un poeta falto de reconocimiento que deberá abandonar a sus hijos durante meses con tal de buscar un futuro mejor.

Los trágicos sucesos de la historia se corresponden con la realidad humana y social de la época y el contexto socioeconómico en que se encuentran Apu y los suyos. Su hermana Durga, la verdadera protagonista de esta película, será su referente y mejor compañera.


La bella música de Ravi Shankar acompaña la narración, haciéndose notar especialmente en los momentos más trágicos de la misma. Ray actúa con suma sabiduría tras la cámara, mostrando todo su talento desde el inicio hasta el último de los fotogramas de esta obra. 

En definitiva, nos encontramos ante una bella historia, repleta de lirismo pero amarga en sus formas y contenido. Un debut inolvidable que anunciaba la enorme carrera que tendría su creador. Podríamos llenar muchas líneas hablando sobre distintos aspectos de este filme, pero lo mejor será emplazarles a disfrutar del mismo. No se arrepentirán.






sábado, 22 de marzo de 2014

La trilogía de los Tres Colores de Krzysztof Kieslowski




"Quizás vale la pena investigar lo desconocido, aunque sólo sea porque el sentimiento de no saber es muy doloroso"

Krzysztof Kieslowski



Entre 1993 y 1994 el cineasta polaco Krzysztof Kieslowski dirigió una trilogía cuyos títulos hacen referencia a los colores de la bandera de francesa. Así pues, Kieslowski se inspira libremente en los tres grandes valores de la Revolución del XVIII: La libertad, en Tres colores: azul (Trois couleurs: Bleu, 1993), la igualdad, en Tres colores: blanco (Trois couleurs: Blanc, 1994) y la fraternidad, en Tres colores: rojo (Trois couleurs: Rouge, 1994). 


En la primera película, azul, se presenta la historia de Julie -Juliette Binoche-, que en un accidente de coche pierde a su marido e hija. Tras recuperarse de sus lesiones y un intento fallido de suicidio iniciará una nueva y solitaria vida que tan solo se verá perturbada por el recuerdo de su marido y la insistencia de Oliver, su ayudante, para que concluya la obra clásica de éste, un concierto para Europa. 

Azul es sin duda la más dramática de las tres películas. Su crudo argumento esconde reflexiones vitales de gran calado que giran entorno a la libertad emocional de su protagonista. Las mayores virtudes de este bello filme se encuentran en sus intérpretes, la fotografia de Slawomir Idziak y la partitura de Zbigniew Preisner, quien trabajó en las tres obras que aquí tratamos.


En Blanco, Kieslowski dota a la narración y a la propia historia de un sentido más cómico pese a lo dramático del argumento. En ella, Karol -Zbigniew Zamachowski-, se enfrenta a un problema de impotencia que su mujer -Julie Delpy- no tolera, hasta el punto de exigirle el divorcio. Tras este traumático suceso, Karol decide volver a su Polonia natal y emprender un negocio con el único objeto de vengarse de su ex esposa. 
Blanco es, a nuestro enetender, el filme más flojo de la trilogía. Sin dejar de ser una película interesante tanto por aquello que plantea como por el modo en que lo hace, el enrevesado guión acaba por jugarle una mala pasada, dificultando su seguimiento y diluyendo el mensaje del director. La referencia que hace a la igualdad únicamente se puede entender en el sentido de "igualdad de condiciones" en una relación sentimental.


La culminación de la trilogía de los colores y de la obra de Kieslowski viene dada por Rojo. Valentina -Irène Jacob- es una joven estudiante que se gana la vida como modelo. Una noche, atropella a un perro y tras salvarlo de la muerte decide llevarlo con su dueño. Allí conocerá a un hombre frío y enigmático -Jean-Louis Trintignant- que pasa el tiempo escuchando las conversaciones telefónicas de sus vecinos.

Rojo es tan bella y compleja como sus protagonistas o la obra de su director. En ella, Kieslowski recupera algunos de los temas tratados en su mejor película, La doble vida de Veronica (La double vie de Véronique, 1991), tales como la importancia y significación de los instantes y las decisiones tomadas día a día, por intrascendentes que éstas puedan parecer. Nuevamente las destacadas interpretaciones y la inteligente dirección de Kieslowski incrementan la calidad del conjunto y conforman una más que notable obra cinematográfica.


En el conjunto de la trilogía destacan las formidables composiciones de Zbigniew Preisner, que dotan a cada uno de los filmes de un carácter poético y nostálgico. También debemos destacar el uso del color por parte de Kieslowski y sus ayudantes, que impregnan los decorados de los tonos acordes con el título de cada uno de los filmes.

El éxito de Kieslowski y su trilogía de los colores se hace evidente al repasar los galardones que estas consiguieron; mientras que Azul se hizo con el León de Oro de Venecia a mejor película, por Blanco el director polaco recogió el Oso de Plata a mejor director y con Rojo cosecho incontables nominaciones y otros tantos premios.


 

viernes, 21 de marzo de 2014

Los 10 mejores logotipos del Rock N' Roll



Visto el éxito que ha tenido nuestra entrada sobre los 10 mejores logotipos de Hip Hop, ahora nos atrevemos con los mejores del Rock n' Roll.


10. Iron Maiden 
Este conocido logo fue creado por Derek Riggs y además hizo todos los diseños de la banda durante un período de 20 años. Siempre pensaré que la 'O' de Iron en realidad es una 'A' por su forma de triángulo.


9. Metallica


Este icono 'capicúa' fue creado por James Hetfield (vocalista y guitarrista de la banda) y ha acompañado a la banda desde los inicios hasta ahora, pese a que en los 90 lo dejaron de usar durante algún tiempo.


8. Prince
En 1993 apareció este logotipo y desde entonces se ha convertido en un rasgo característico de Prince y enseguida hizo modificar sus guitarras en lo que creemos que fue una gran estrategia de marketing.


7. The monkees


El logotipo de esta banda de los 60 fue ideado por el publicista Ed Justin  y pagó 75$ en 1966 a Nick LoBianco para que lo llevara a cabo. El resultado fue impecable.


6. Queen

En el asombroso logo de Queen se aprecian los cuatro signos del zodiaco de los 4 miembros de la banda rodeando la 'Q'. Fue diseñado por el mismo Freddie Mercury poco antes del lanzamiento de su primer disco.


5. Guns n' Roses

Tenemos polémica con este logo, al parecer Slash se atribuye la creación de esta pieza de arte pero Axl Rose ha dicho en varias ocasiones que es obra de un tatuador llamado Bill White. Sea como fuere, es un pedazo de logo y abre nuestro top 5.


4. AC/DC


Este mítico logo de esta mítica banda hizo su debut con el disco “Let there be rock” y su rayo se hizo inmediatamente famoso en todo el mundo y con el paso de los años ha sido objeto de muchas imitaciones.  


3. Ramones
Magnífico logotipo de esta banda de Queens precursores del punk en Estados Unidos. Por desgracia se ha popularizado/comercializado demasiado entre adolescentes y ahora aparece en camisetas y sudaderas de medio mundo. Fue diseñado por Arturo Vega a finales de los 70.


2. The Who


Uno de los mejores logos para una de las mejores bandas. Este carismático símbolo fue creado por Brian Pike en 1964 para un póster promocional de la banda en un bolo en Londres y ha llegado hasta nuestros días. Como dato curioso, nunca ha aparecido en la portada de ninguno de sus álbumes.


1. Rolling Stones


Como no podía ser de otra manera, la lengua de los Rolling copa nuestro Top de logotipos. Esa lengua se ha convertido en todo un símbolo para varias generaciones y sin suda es uno de los iconos más emblemáticos no solo de la música moderna, sino de la cultura popular en general. Probablemente no sea necesario ni mencionar al grupo al que pertenece y es que con solo una simple ojeada, Mick Jager y Keith Richards ya aparecen en la mente de casi todos. Fue realizado por un estudiante de arte en 1970 y le pagaron 50 libras por ella. Este joven era John Pascher y dicen que se inspiró en la propia lengua de Mick Jagger y en la diosa hindú Kali.




Se han quedado fuera por poco: Kiss, The Strokes, Motorhead, Misfits, Red Hot...

Hasta aquí nuestra lista de los mejores logotipos de rock n' roll. ¿Echáis en falta alguno?