• Hay que estar bien alerta con todo intento de enmarcar un conflicto como es en este caso el de género, especialmente si se trata de uno con apariencia progresista.
  • La trabajadora actual vive en un mundo globalizado, víctima de la precariedad laboral y solo pudiendo sentirse parte de un proceso económico, sin una identidad cultural a la que aferrarse.
  • El sexo, el género, binario o no binario, fluido... tras el auge de luchas como la feminista o por la libertad sexual, muchas han sido las realidades de este tipo que se han puesto sobre la mesa.
  • Es importante retener 2 concepciones de la naturaleza del ser humano, la social, que constituye la base de la educación, y la política, que contribuye a la extensión de susodicha educación; porque, son 2 elementos fundamentales en la construcción y salud del sistema democrático.

lunes, 30 de junio de 2014

Apocalypse Now (ídem, 1979) de Francis Ford Coppola




"He visto horrores... horrores que usted ha visto. Pero no tiene derecho a llamarme asesino, tiene derecho a matarme. Tiene derecho a hacerlo, pero no tiene ningún derecho a juzgarme"



Durante la guerra de Vietnam, el capitán Willard (Martin Sheen), oficial de los servicios de inteligencia Estadounidenses, recibe la misión de encontrar y eliminar a un comandante renegado que parece haberse vuelto loco, el coronel Kurtz (Marlon Brando). Willard emprende el peligroso viaje a través de la jungla hacia Camboya acompañado de cuatro hombres junto a los que experimentará los horrores de la guerra. 


Esta titánica obra -la versión extendida presentada por su director en 2002 supera las tres horas de duración- es el mayor referente que el mundo del cine ha legado sobre la guerra de Vietnam y también una de las cimas del género bélico. Inspirada por la novela de Joseph Conrad Heart of Darkness y adaptada al contexto del conflicto antes mencionado, Coppola y su coguionista John Milius se inspiran en la Odisea de Homero para relatar un viaje a través de la devastación bélica y de introspección personal del protagonista.

Por todos son conocidas las enormes dificultades que supuso el rodaje de este filme. Las condiciones atmosféricas no siempre ayudaron -se cuenta que muchos decorados quedaron destrozados tras las severas tormentas de la zona- y Coppola decidió substituir a Harvey Keitel del papel principal para dárselo a un joven Martin Sheen, quien a su vez sufrió ciertos problemas de salud durante los dos años en que se alargó la grabación. Pese a todo ello, o quizás gracias a estas circunstancias, Apocalypse Now posee un cierto aura que convierte su reconocida imperfección en una absoluta obra maestra.

El celebérrimo inicio del filme consiste en un montaje en que se superponen las imágenes de un protagonista quebrantado por sus demonios internos -consecuencia de las experiencias vividas en la guerra- en una habitación de hotel de Saigón con la devastación que el conflicto supone para la selva. Todo ello ocurre bajo el sonido de un clásico de los sesenta, el The end de The Doors. 


Una vez le es encomendada la misión de encontrar y matar a Kurtz, el capitán Willard emprende su particular odisea por los ríos Vietnamitas. Sus cuatro compañeros -entre los que se encuentra un joven Laurence Fishburne- desconocen por completo el objeto de la misión, siendo Willard el único responsable del cumplimiento de la misma. Con el paso del tiempo, el protagonista siente una creciente curiosidad hacia la enigmática figura de Kurtz y se pregunta cada vez con más fuerza el porqué de sus actos y de la propia misión.

Los cinco soldados viven numerosas experiencias que vienen a exponer la crudeza de la guerra, el absurdo del conflicto y las deficiencias estratégicas de un ejército Estadounidense que parece haberse contagiado de la locura del conflicto. Pese a ello, debemos decir que en ningún momento la cinta muestra un discurso abiertamente antibelicista, sino que se limita a narrar la situación real y reflexionar acerca de su afectación en los individuos implicados.


Entre las muchas situaciones que viven los cinco soldados a lo largo de su viaje destaca el encuentro con el coronel Kilgore (Robert Duvall) y la que él denomina "la caballería aérea". Este mandatario es un auténtico lunático que actúa fuera de cualquier raciocinio. Un carismático demente que sólo piensa en surfear en las playas de Vietnam y que pone a todo volumen la Cabalgata de las Valquirias de Wagner mientras realiza sus ataques aéreos. 

Una vez llegados a su destino, los tres supervivientes de la expedición se encuentran con un lúgubre poblado repleto de cabezas cercenadas, un lunático que dice ser reportero gráfico (Dennis Hopper) y una población que se comporta ante Kurtz como si éste fuera su dios. Las conversaciones que mantienen Willard y Kurtz giran entorno a la condición humana, el sentido del conflicto bélico y de la actuación del hombre en él, etcétera. Para la memoria quedarán también algunas escenas de este tramo final de la película, como la salida de Willard del lago preparado para llevar a cabo su cometido o el montaje en paralelo que asemeja el asesinato del coronel con el sacrificio de un buey.

Las incógnitas que despiertan los últimos minutos de la cinta son numerosas y la ambigüedad del discurso de Kurtz no hacen más que acrecentarlas. 


Lo que es incontestable es el valor y la magnitud del filme desde el punto de vista artístico y técnico. Desde las memorables interpretaciones de Brando o Duvall y el notable Martin Sheen hasta la hipnótica y pesadillesca fotografía de Vittorio Storaro -la característica atmosfera que consiguió crear el cinematógrafo le valió el Oscar de 1979-, pasando por un memorable trabajo de Coppola en la dirección, quien dio probablemente su última demostración de gran cineasta y se encumbró con su obra más personal y compleja.

En definitiva, un film grandioso que bien podría considerarse la mayor obra maestra del cine bélico.



domingo, 29 de junio de 2014

Young Scooter; 80's Baby


Young Scooter ha vuelto a hacer de las suyas. El de Atlanta publicó antes de ayer su novena mixtape, 80's Baby. Ya van 3 años desde sus inicios en la música con Finessin' & Flexin' (2011) y a pesar de los seis meses que pasó entre rejas, su actividad ha sido frenética consiguiendo hacerse un nombre entre los más aclamados de la  en la escena sureña del hip hop estadounidense (véanse Future, Gucci Mane o Waka Flocka Flame).



Su estilo rapeando se ha denominado Count Music, que no es otra cosa que el grabar sus temas prácticamente improvisando, sin ni siquiera escribir la letra. Esto, como es evidente, le resta toda complejidad a las líricas pero podréis comprobar que no le falta musicalidad incluso con estribillos tan sonados como el de Hector. El propio Scooter llegó a afirmar en una entrevista que publicó Complex que realmente no le importaba lo que dijera sobre un beat siempre y cuando fuera sobre dinero, que cuando tratas de esforzarte para escribir algo y pensarlo mucho es cuando estás jodido.

"Money over everything, fuck everybody" 
Young Scooter - Nobody

Seguramente lo conoceréis por la mixtape con la que dio el salto, Street Lottery (2013), en la que se incluía el hit Colombia, del que hicieron un remix, entre muchos otros, los Kefta Voyz. O sino, es probable que sea por Free Bricks II (2013), la mixtape que sacó junto a Gucci Mane un mes después de la que acabamos de mencionar.


Si no es esa vuestra suerte, podéis poneros al día quemando Street Lottery, Street Lottery II, Free Bricks II y la que comentamos hoy aquí, 80's Baby. En esas cerca de 80 canciones se encuentran temazos más que memorables que no podéis obviar si os gusta este sonido, además debéis estar preparados para lo que puede ser una bomba, su álbum debut, Jugg House, que sale este mismo año y no querréis que os pille desprevenidos.


Pero hablemos de la mixtape, la portada claramente inspirada en el álbum Ready to Die (1994) de Notorious BIG junto al título y sus posibles dobles sentidos están dando que hablar.

El CEO de Black Migo Gang lanza un trabajo producido mayoritariamente por su paisano Chophouze y en el que Zaytoven, C4, Lil Lody o Cash Out aportan el resto de instrumentales. En cuanto a las colaboraciones vocales encontramos a 2 Chainz, Waka Flocka Flame, Future, Young Thug, OJ Da Juiceman, Lil Mouse y OG Boo Dirty entre otros, repartidos por los 20 tracks que componen la mixtape.

Dicho esto, querría apuntar dos hechos que me sorprendieron en un principio al escuchar a Young Scooter y que con el tiempo se han convertido en motivos por los que recomendar su música.

El primero es que aunque suena a trap, suena sureño, sobrecargado y algo oscuro, no agobia. La mitad de los temas que firma Gucci Mane o incluso Fredo Santana se catalogan de la misma forma pero éstos sí empalagan y eso me revienta, soy incapaz de escuchar canciones así. Creo que tiene algo que ver con los charles, no sé si en repetición o ritmo, no puedo destilar las canciones para localizar exactamente el causante pero veo un claro denominador común del que Scooter se aleja y se lo agradezco, mucho mucho.

El otro hecho es que cuando en un tema colabora otro artista lo sabes tan solo por el sonido. Ghetto Gold, la canción con Waka Flocka, suena a éste, no es un tema de Young Scooter en el que Waka suelta su cacho, acaba siendo una canción de Flockaveli en la que Scooter se ha adaptado sin perder su esencia y esto no debe resultar nada fácil. De nuevo, es de agradecer verle colaborar con rappers que te gustan y poder disfrutar de ellos en su trabajo tal y como éstos te tienen acostumbrado.

Y por último, antes de dejaros con la mixtape en cuestión, me gustaría subrayar las 5 canciones que destacan por si mismas en un tracklist tan homogéneo en cuanto a sonido y calidad, éstas son: Please God, Hector, Drugs (feat. Young Thug), Nobody (feat. Lonnie) y My Kids.

Young Scooter; 80's Baby: [4/5] 
(pincha para descargar)

Los Viajes de Gulliver, de Jonathan Swift


A menudo considerada erróneamente y adaptada como obra infantil, Los Viajes de Gulliver es sin lugar a dudas una de las sátiras más brutales jamás escritas, además de una burla sobre los libros de viajes.

La novela de Jonathan Swift relata las peripecias del Capitán Lemuel Gulliver, el cual se encuentra en situaciones tremendamente surrealistas en cada una de sus 4 travesías marítimas.

La intención del libro es reflejar en los mundos a los que viaja el protagonista determinadas cuestiones políticas/filosóficas de la época esculpiendo fuertes criticas sobre la sociedad.

Primer Viaje: Liliput


En este episodio nuestro protagonista viaja en “La Golondrina” como médico. Naufraga en una isla que no aparece en los mapas y que está poblada por humanos diminutos. En este mundo es tratado como una abominación y es encerrado como prisionero. 

Al final de todo es considerado un traidor por no querer convertir a una isla vecina en colonia de Liliput.

Segundo Viaje: Brobdingnag


En el mismo barco, Gulliver y sus compañeros se ven obligados a parar en tierras desconocidas por un fuerte viento. Este segundo mundo está poblado por humanos de una estatura equivalente a una montaña, él es el único que no logra regresar al barco. Los gigantes lo toman prisionero y es considerado una mascota/juguete que divierte a la realeza del lugar. 

En este viaje, el mejor junto con el último, el autor expone la política de su patria, la vanidad de la realeza y los horrores de la guerra de forma poco perceptible.
Además, se puede ver reflejado (aunque probablemente no fuera la intención del autor) el cómo tratamos a los animales de compañía, pues nos creemos con el derecho de poseerlos y utilizarlos para nuestro gozo personal sin pensar en cómo se pueden sentir bajo nuestra autoridad.

Tercer Viaje: Laputa, Balnibarbi, Luggnagg, Glubbdubdrib y Japón


El viaje más estacionario. El barco de Gulliver es capturado por unos piratas y dejan al susodicho en una barca con comida para 4 días. Éste llega a un lugar desconocido donde las matemáticas y la mecánica están muy desarrolladas pero sus demás doctrinas son horribles y en las academias solo se enseñan cosas inservibles. 

Luego viaja a Glubbdubdrip, lugar habitado por hechiceros que son capaces de revivir a gente muerta y mantiene conversaciones con grandes personajes de la historia. En Luggnagg conoce a gente inmortal y finalmente viaja a Japón donde consigue transporte para regresar a su patria.

Salta a la vista que aquí se pretende ridiculizar a los científicos de la época y sus trabajos.

Cuarto y último Viaje: País de los Houyhnhnms


El barco de Gulliver vuelve a ser capturado por piratas y estos lo abandonan en un lugar desconocido. Este sitio está poblado por caballos inteligentes llamados Houyhnhnms, que son la raza dominante y tienen como animales de carga una especie de humanos salvajes llamados Yahoo. Estas bestias poseen todos los vicios que representan al hombre: avaricia, egoísmo, vicio, violencia y desconfianza en el prójimo. Los Houyhnhnms son una raza noble con un uso de la razón superior, no conocen la palabra mentira.

Cuando Gulliver vuelve apenado a su país, se encierra en sí mismo en una nube de mutismo dada la repugnancia que ahora siente por su propia raza. La única conversación que mantiene es con sus caballos, en el idioma houyhnhnm.

Un libro muy recomendable, de una vigencia moral permanente. La cantidad de referencias y mensajes ocultos entre los mundos que visita el lector le dificultan su completa percepción en una única lectura.

Si se deciden a leerlo, asegúrense de que no sea una versión adaptada (menos de 150 Pág.).



sábado, 28 de junio de 2014

Dolce & Gabbana y Bizancio, la unión entre la moda y el arte


La famosa marca italiana de alta costura Dolce & Gabbana sacó una colección otoño-invierno hace un año que no dejó a nadie indiferente. Inspirada en los mosaicos bizantinos y venecianos de la catedral de Monreale, en Palermo (Sicilia), la colección esta formada por una serie de vestidos que son casi una reproducción del interior del templo, llenos de oro y colores.








La Catedral de Monreale es el edificio más importante de la arquitectura normanda, es decir, la desarrollada por los normandos en esta zona entre los siglos XI-XII. Este pueblo terminó con el emirato musulmán que dominaba la zona y consiguió un enorme poder. Construida entre 1172 y 1190 constituye un maravilloso ejemplo de la fusión artística que se dio en la Sicilia medieval. La estructura es occidental, sin embargo la decoración es oriental, concretamente, bizantina. A pesar de que ciertas zonas del interior como la separación entre las naves, la techumbre plana o las capillas de la cabecera nos recuerdan a iglesias bizantinas italianas la fachada es típicamente románica, con un pórtico monumental y dos grandes torres cuadradas. 

Respecto a la decoración, el exterior está decorado en mármol policromado, al estilo bizantino que sin embargo tiene arcos apuntados entrecruzados en los lados, de tradición musulmana. Lo que más destaca de la decoración del templo es el interior, con sus mosaicos dorados, que ocupan unos 6000 m2 y para los que hicieron falta 2000 kg de pan de oro. Estos mosaicos son justo lo que inspiro a los modistas italianos para crear su colección, así como los tonos rojizos y negros que podemos apreciar dentro de la iglesia. En mi opinión la colección es una delicia para la vista, no solo por su belleza estética, sino porque se nota el gran trabajo que hay detrás, demostrando una vez más que la moda de alta costura es una forma artística más.

Dolce & Gabbana


Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Para ver la colección entera pinchad aquí.

Por otro lado están los complementos, los cuales tienen una destinataria clara, Santa Agueda, patrona de Catania. Santa Agueda fue una mártir, quemada viva en el año 252 en Sicilia por querer conservar su virginidad a Jesucristo. Anteriormente le habían arrancado los pechos. Desde entonces es patrona de Sicilia e invocada para evitar los daños de volcanes, rayos y fuego. Se le considera la patrona de las mujeres. En esta parte de la colección encontramos coronas marianas, bolsos con imágenes religiosas o un bustier repleto de piedras preciosas.


Andrea Vaccaro

File:Santa Agueda - Zurbarán (detalle).png

 Francisco de Zurbarán (1630-1633)

File:Lanfranco, Giovanni - St Peter Healing St Agatha - c. 1614.jpg

San Pedro ayudando a Santa Agueda. Giovanni Lanfranco (1614)

En esta colección se quieren mostrar los paralelismo y similitudes entre el mosaico y la costura. Ambas son técnicas manuales, que requieren paciencia y que tratan de encajar todas las piezas. Se intenta crear el perfecto vestido de una beata siciliana.

Aunque el arte ha aparecido en varias colecciones de estos dos modistos he elegido esta porque me parece que ha conseguido un realismo increíble y que cada pieza está trabajado con gran esmero. Además el arte bizantino está algo escondido dentro de la historia y me apetecía darlo a conocer de una manera distinta.

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

viernes, 27 de junio de 2014

El ángel borracho (Yoidore tenshi, 1948) de Akira Kurosawa



"La voluntad puede curar todos los males humanos"


Enfermo de tuberculosis, Matsunaga (Toshiro Mifune), miembro de la yakuza, acude a la consulta del doctor Sanada (Takashi Shimura) para que le extraiga una bala de la mano. El médico se preocupa inmediatamente por la salud del delincuente, pero éste no toma conciencia de su mal estado y se preocupa únicamente del control del barrio. Las cosas se complican aún más cuando Okada (Reisaburo Yamamoto), jefe de la banda de Matsunaga, sale de la cárcel y se propone recuperar a su esposa, que se ha convertido en la ayudante del doctor. 


La imponente filmografía de Akira Kurosawa, repleta de obras maestras, ha producido un efecto ciertamente injusto respecto a algunos de sus trabajos, como es el caso de El ángel borracho. El paso del tiempo ha hecho que éste filme sea recordado principalmente por ser la primera colaboración del director con Toshiro Mifune, su actor fetiche -director y actor llegaron a rodar juntos hasta dieciséis películas-, y por ser también la primera de las incursiones del maestro nipón en el cine negro. Sin embargo, El ángel borracho es un excelente filme en el que Kurosawa, por primera vez con el control total de la producción, da muestras definitivas de la grandeza de su arte.

La película gira entorno a la relación entre la pareja de protagonistas, un médico honrado y generoso con ciertos problemas con la bebida y un gánster anclado en los códigos del honor yakuza que simboliza el japón derrotado y belicoso. 


Precisamente el contexto histórico es un factor a tener en cuenta al analizar esta cinta. Rodada apenas tres años después de la derrota frente a Estados Unidos, Kurosawa retrata un país hundido en la miseria y la destrucción que le ha traído la feroz guerra. El barrio marginal en el que transcurre la historia, plagado de charcas contaminadas de gérmenes y delincuentes varios hace referencia, precisamente, a la situación del país del sol naciente. 

Kurosawa deja entrever el mensaje de que solo los más fuertes, y aquellos que luchen honestamente por la superación, conseguirán salir adelante con sus vidas. Muchos son los elementos de El ángel borracho que se reproducirían posteriormente en el cine del maestro, como por ejemplo la figura del médico humanista que ejerce de sensei de otros personajes, que aquí hallamos en el doctor Sanada pero que también encontraríamos en Duelo silencioso (Shizukanaru Kettô, 1949) o la magistral Barbarroja (Akahige, 1965).


La película bebe directamente de influencias neorrealistas y de la iconografía del cine noir norteamericano. A destacar especialmente la escena de la lucha entre Matsunaga y Okada. Repleta de silencios, resoplidos y numerosos encuadres, el emperador impregna la lucha a muerte entre ambos delincuentes de sufrimiento y tensión dramática.

Kurosawa superaría esta obra con creces en trabajos posteriores, pero recuperar El ángel borracho resulta un ejercicio indispensable para comprender la trayectoria de uno de los mayores cineastas de todos los tiempos, así como para disfrutar de un cine de incontestable calidad. Mención aparte merecen las interpretaciones de Mifune y Shimura, impecables.




jueves, 26 de junio de 2014

Slo Down; Lo que esconde la máscara


Tal y como ha quedado patente en esta sección de Vox Ultra, echamos de menos la década pasada, los 00's han presenciado el primer contacto serio con la música para mí y muchos de los chavales de mi generación. Como pasa con el cine o la literatura, la música que escuchas de niño crea en ti una extraña sensación de melancolía, quizás al relacionarse la música con los recuerdos de las vivencias de aquella época, que hacen que la sobrevalores. Bien, pues uno de los nombres que sobresalen en mis últimos años de los 00's sin duda es Nelly.

El de Saint Louis dio sus primeros pasos en la industria musical junto a St. Lunatics, su grupo, del cual formaban parte además de él, Ali, Murphy Lee, Kyjuan, City Spud y Slo Down. De éste último es de quien hablaré hoy, la inmensa mayoría de vosotros no sabrá a quién me refiero, incluso a los que hayáis quemado la música de Nelly os sería difícil ponerle cara tan solo nombrándole, sin embargo, con mostraros la máscara tendréis más que suficiente.


Slo Down es el ex-miembro de St. Lunatics que podréis reconocer en los videoclips de Nelly por las rastas y una máscara, normalmente blanca que oculta media cara como la del Fantasma de la Ópera, pero tiene alternativas como la máscara de Hannibal Lécter o pintarse la cara a modo de sucenáneo. Su relación con el grupo se rompió a finales de 2009 aproximadamente cuando, tras varios comentarios de mal gusto, partieron peras. Pero no acaba ahí el conflicto, Slo Down reclamaba lo que decía ser suyo y Nelly le recriminaba el haber ganado dinero por no hacer absolutamente nada.


Por su parte sostenía que le habían echado del grupo por no dejar a su mujer, por no comprometerse e involucrarse a ese nivel.

Podemos oirle decir en este video lo que ha comentado en medios como XXL, que de todo lo que hacían, Nelly se llevaba una mitad y la mitad restante se repartía entre los demás pero que a él no le incluían en ese reparto. Defiende su postura argumentando que él no habría escrito ninguna letra ni nada de eso pero que aportaba más al directo, al show y a la imagen del grupo.

Se permite incluso el juego de palabras con el sello de Nelly y del cual Ali es presidente, Derrty Entertainment:

“It’s derrty out here, I’m all I got.”

En un principio Nelly no se manifestó al respecto, para no darle importancia al asunto y armar el menor revuelo posible que era lo que a Slo Down le beneficiaba, pero acabó por hacerlo y en diferentes medios incluso.

Slo Down nunca pagó lo que debía como parte del grupo, vivía a gastos pagados a costa del resto, eso parece ser cierto, es algo que Nelly mantuvo y Slo Down no desmintió en ningún momento. Pero he aquí el quid de la cuestión, Nelly hizo estas declaraciones a Music Choice:

"Bueno, para empezar, St. Lunatics se formaron bastante antes de Slo Down ¿sabes lo que quiero decir? Eso es lo que la gente no entiende. Nosotros ya estabamos juntos mucho antes de que apareciera él. Con el tiempo conocimos a Slo Down, cuando ya teníamos un contrato con Universal. La gente necesita conocer la historia porque encuentras a gente que nos dice 'Oh ¿cómo pudísteis hacerle algo así?' Bien, pues déjame que te cuente la historia. St. Lunatics llevan juntos desde el '93, nos juntamos con Slo Down aproximadamente en el '97. [...] Cuando empiezas a dejar de aportar algo y acabas dependiendo de que alguien te ayude a hacer algo por ti mismo; nosotros tenemos esa situación. No escribía, ni venía al estudio a oír la música que estábamos haciendo, ni siquiera pasaba el rato allí y hacía un montón de dinero, lo cual es increíble, por básicamente estar en el escenario una hora y no rapear una sola palabra. [...] Nadie compró una entrada para ver a este tipo en un concierto, nadie compró un CD para escucharle porque ni siquiera rapeaba, nadie compró ropa de la línea Apple Bottom por él, ni siquiera vendió la máscara..."


Y soltó alguna que otra perlita en Twitter:
No es necesario que nos posicionemos pero me quedo con la respuesta, cargada sorprendentemente de dignidad, que dio a la pregunta de Kron, cuando se le preguntó si era el responsable de la coreografía de los videoclips y por qué era el tipo callado, respondió lo siguiente:

"I'm the mascot, but I'm solid." - Slo Down

Actualmente el conflicto no tiene mucho sentido puesto que, casualidad o no, la carrera de Nelly tocó techo en aquél momento y desde entonces ha caído en picado. Lo mismo le ha ocurrido a Slo Down, quien ha descendido la misma distancia solo que empezando menos arriba. Ahora se ha cortado las rastas, se quita la máscara con más frecuencia y respalda a una niña blanca con sobrepeso a tiempo completo.


Fuera como fuese, Slo Down es el hype man favorito de tu hype man favorito y por ello merece mención y el reconocimiento que no tuvo en su día. Y es que detrás de un 'gran' rapper siempre hay un gran segundón, Slo D en el caso de Nelly, el Tío de Rojo en el del Tito MC, Lírico en Violadores del Verso o Robin en el de Batman.

miércoles, 25 de junio de 2014

Deuces; The Remix


El 25 de junio de 2010, hace justo cuatro años, se publicaba el single Deuces de Chris Brown, Tyga y Kevin McCall, producido por éste último. Fue un single promocional de la mixtape que sacaría ese mismo año Breezy junto a Tyga, Fan of a Fan (2010), y que del mismo modo se incluiría en el cuarto álbum de estudio del de Virginia titulado F.A.M.E. (2011).

El tema gozó de cierto éxito siendo nominado a la mejor colaboración de rap en la 53ª edición de los Grammy y a la mejor colaboración en los BET de 2011, además logró escalar hasta el decimocuarto puesto en la Billboard Hot 100 y fue número 1 en la lista de Hip Hop/R&B, la primera vez que Breezy colocaba un single en el primer puesto desde Say Goodbye en 2006.


La letra gira en torno a el abandono de una relación tras haber intentado que funcionase más de una vez, se narra como la segunda será la última, de ahí el título. Varios medios elaboraron la teoría de que no era una canción al azar, sino que en ella Chris Brown exponía la archiconocida situación vivida con Rihanna, su ex.

La instrumental, pese a no ser de una complejidad excesivamente alta, es realmente pegadiza y cómoda para escribir sobre ella. Fue responsable en gran medida de las buenas críticas que recibió el single y desde luego es la causante de la larga lista que copan los remixes publicados por un buen puñado de artistas. Cinco meses después de su publicación, se puso en venta vía iTunes el Deuces Remix EP, un trabajo compuesto por cinco remixes del tema jugando con los seis colaboradores que participan (Drake, T.I., Kanye West, Fabolous, Rick Ross y André 3000); un remix por parejas en los tres primeros, el cuarto es el primero más André 3000 y el último en el que aparecen todos juntos.


Tengo varias cosas a resaltar en cuanto a los fragmentos de cada uno de los colaboradores, de peor o a mejor serían: Drake, estaremos de acuerdo en que es el más pobre con diferencia; Rick Ross, a mi ver pasa bastante desapercibido además de ser la parte más breve de la canción; T.I., el rey va sobrado de estilo aunque su barras son algo flojas; Fabolous, no sé, Fabo escupe lo que yo escribiría, me flipa; Kanye, sin duda, es quien le pone más actitud al tema, no le falta fuerza a su trozo y podría guardárselo por si Kim le hace la trece catorce, le viene como anillo al dedo; y el mejor es André 3K, cada línea tiene cuatro significados posibles y juega con todos ellos, un maestro del wordplay.

Más allá de los remixes oficiales hemos recogido algunos de los que más nos gustan, check it out:

Jody Breeze & Jacquees [ATL version]



Gue' Pequeno feat. Daniele Vit [Italian version]


Driver feat. Black Kent [French version]


De La Ghetto feat. Ñengo Flow [Spanish version]


French Montana feat. Chinx Drugz [Coke Boy version]


Maino [Maino's version]



Ciara & Olivia / Teairra Mari feat. Dondria [Females version]




martes, 24 de junio de 2014

Stromboli, tierra de Dios (Stromboli, terra di Dio, 1950) de Roberto Rossellini



"Esta no es vida para gente de bien"


Poco después de la Segunda Guerra Mundial, una mujer que lo ha perdido todo (Ingrid Bergman) decide aceptar la propuesta de matrimonio de un joven pescador (Mario Vitale) con tal de establecerse en algún lugar. Su destino será una pequeña isla llamada Stromboli, que más que un refugio acabará resultando una nueva prisión para ella.


Stromboli, tierra de Dios fue la primera colaboración entre Roberto Rossellini e Ingrid Bergman, un binomio director-actriz que nos legó hasta seis películas y que fue tremendamente célebre debido a sus relaciones más allá de las cámaras. 

En Stromboli, Bergman interpreta a una mujer perdida que simplemente trata de hallar un hogar. Su error será instalarse en una isla de pescadores donde reinan las costumbres del sur de Italia, muy alejadas de aquellas que ella, mujer de familia acomodada y del norte de Europa, ha conocido. Así pues, la protagonista se muestra incomoda e incapaz de aclimatarse a su nueva vida. El único apoyo que ésta encuentra es el cura del pueblo, pues el resto de mujeres del mismo la prejuzgan como a una "buscona" y le dan la espalda desde el primer momento. 

Rossellini juega con los elementos naturales -el oscuro mar, el volcán de la isla que parece que puede estallar en cualquier momento etc.- y con los animales -inolvidable el dolor que siente Karin, la protagonista, al ver agonizar a los peces- para construir metáforas respecto a la situación que presenta el argumento principal.


El angustioso entorno y su creciente desesperación llevan a Karin a ver como una solución para sí misma el huir de allí. Así, tratará de conseguir este objetivo sea como sea, adoptando actitudes que solo pueden comprenderse teniendo en cuenta su anunciada desesperación.

Se podría decir que Rossellini, iniciador del movimiento neorrealista, reinventa el género al mezclarlo con elementos simbólicos y metafóricos. Pese a ello la cinta no deja, ni mucho menos, de encuadrarse en el mismo género. 


El cineasta introduce escenas de carácter documental -véase la famosa erosión del volcán o el trabajo de pesca- que otorgan al filme la estética clásica de los filmes italianos de los cuarenta dentro del movimiento neorrealista.

En definitiva, nos encontramos ante un filme tremendamente humano y sufrido, que anunciaba el inicio de un nuevo periodo creativo para su director, la cara visible del cual seria su futura esposa Ingrid Bergman. 



viernes, 20 de junio de 2014

London; California Mood Music, Vol. 1: The 420 Experience


Llega el verano y con él las vacaciones para muchos de nosotros, más que merecidas vacaciones. Esto implica mucho sol, mucho calor, mucho tomar algo en una terracita y mucho fumar. Nada de tabaco o lo que sea que metan y llamen tabaco, fumar cannabis en cualquiera de sus formas, ya sea marihuana, hash, aceite, a lo que le pegue cada uno.

Y no quiero decir que no lo hagáis el resto del año, que es evidente que sí, es que este verano tenéis banda sonora ad hoc. London, el cantante de R&B que está haciendose un hueco en la industria a marchas forzadas, lanzó hace no más de un par de meses 'California Mood Music, Vol. 1: The 420 Experience', un EP compuesto por seis canciones con un común denominador, el THC. El joven de Oakland con unas letras extremadamente simples y las producciones de Sho'Nuff logra, apoyándose en melodías y armonías pegadizas, dar luz a un trabajo excelente.


Durante sus aproximadamente 26 minutos London demuestra que menos es más, el minimalismo imperante en esos seis temas no llegan a empalagarte en absoluto, los recurrentes hooks invitan a cantar mientras te prendes uno y disfrutas del jugar del humo.

Soy consciente de que no es el primero ni será el último en componer música sobre el tema, que lo han hecho antes varios artistas (véanse Cypress Hill con el mítico Hits from the Bong, Mary Jane de Scarface, N.O.R.E. y su Married to Marijuana o El Pelos entre muchos otros), pero es el primer trabajo que puedo descargarme y oirlo un par de veces sin problema, algo que no puedo decir del 'Gas' de Gucci Mane (Trap God omnipresente).


London aka Lon the Don tiene ya cierta historia a sus 27 años, en 2002 grabó una demo junto al productor que le ha acompañado hasta el momento, el ya mencionado Sho'Nuff, y a nada más y nada menos que Ne-Yo -quien para entonces aún no se había labrado un nombre. La maqueta llegó a oídos de Universal/Motown A&R y decidieron fimarlo de inmediato por su prometedor futuro, sin embargo el final no fue el esperado y acabaron por rescindir el contrato, quedándose London sin ofertas sobre la mesa decidió seguir con su carrera de forma independiente.


Tras tres singles lanzados entre 2008-2009, una mixtape hosteada por DJ Fine$$e en 2010 y colaborar en el The Block Brochure: Welcome to the Soil 2 (2012) de E-40, el de la Bay Area entra en el estudio para grabar el que será su álbum debut, Welcome to Londonland (2014). Éste, según parece, tan solo se ha editado en formato físico en Japón y resulta realmente difícil conseguir una copia o descargar la versión digital, también disponible en el iTunes japonés.


Asimismo, a las pocas semanas de su disco nos topamos con el EP comentado, California Mood Music, Vol. 1: The 420 Experience y el cual recomendamos encarecidamente.