Twin Peaks (1990); created by Mark Frost & David Lynch

Será manía personal pero tiendo a describir algo actual como la suma de otros elementos anteriores y 'Twin Peaks' es el elemento que recurrente cuando tratamos de hacerlo, no sé si me explico, 'Twin Peaks' es al mundo de las series lo que el cian (color primario) al de los colores. Lynch y Frost fueron pioneros creando una serie cuyo leitmotiv fuera resolver un misterioso asesinato que se aclara de forma gradual –la pregunta que actúa como hilo principal de la trama es "¿Quién mató a Laura Palmer?"–. También innovaron incorporando escenas basadas en conexiones oníricas, sello personal de David. Pero sobre todo, lo que distingue 'Twin Peaks' del resto de series anteriores es el tratamiento cinematográfico que se le da a la ficción televisiva.

"Está muerta, envuelta en plástico"

El trama principal recae, como hemos comentado, en el asesinato de una joven (Laura Palmer) en un pequeño pueblo estadounidense, al noroeste de Seattle que da nombre a la serie. Un notable agente del FBI (Dale Cooper) es destinado a dicha localización para el caso, y con la ayuda del sheriff local (Sheriff Harry S. Truman) y sus secuaces logran arrojar algo de luz sobre el asunto. Encontramos constantemente un dualismo paradigmático en el que se enfrentan lo inocente e ingenuo de un pueblecito con lo perverso y cruel de un asesinato de tipo que se da, además tiende a evolucionar hacia lo que se entiende por normal con lo verdaderamente extraño y estremecedor. Sin embargo, la isotopía inherente que presenta enriquece el trabajo de forma exponencial, se enlazan pequeñas subtramas también misteriosas unas dentro de otras y todas relacionadas entre sí, como si de muñecas rusas se tratase; dicho recurso es uno de los puntos fuertes que convierten a 'El Quijote' en un clásico de la literatura universal.

"La palabra casualidad me recuerda a las salchichas, no me preocupa su calidad, pero me gustan fritas"

Aunque David Lynch escribió el guión (junto con Mark Frost, Harley Peyton y Robert Engels) solo podemos encontrarle dirigiendo 6 de los 30 episodios (29 más el piloto) que conforman la serie, del resto se ocuparon directores invitados. Asimismo, el propio Lynch ha reconocido que, por otros proyectos (principalmente su película 'Corazón Salvaje') no dedicó el esfuerzo que la serie merecía en sus últimos momentos, por lo que algunos detalles permanecen sin explicación y confirmó ya en su día que no existiría secuela alguna de 'Twin Peaks'. Lo único que se ha grabado a posteriori ha sido 'Twin Peaks: Fire Walks With Me', donde se narra la última semana de vida de Laura Palmer.

"Le he disparado y gritaba como un animal"

Acorde con el clima de crítica que hoy se respira, nuestra valoración de la serie es de excelente sin duda, pero debido a los motivos que procederemos a explicar a continuación, 'Twin Peaks' sufrió en gran parte de fracaso televisivo a pesar de obtener 3 Globos de Oro, otros 10 premios y 40 nominaciones. Esto ocurrió de la siguiente forma, la serie consta de dos temporadas; la primera es de 8 capítulos, y fue destinada a la emisión de abril a mayo para ocupar la programación hasta el inicio de las vacaciones de verano. La emitían originalmente la noche del jueves y vemos como se adapta más al papel de una miniserie cuyo target era un público joven y adulto. A causa de su éxito, tal y como suele hacerse en Estados Unidos con las series, ABC encargó una segunda temporada de 22 episodios para la emisión a partir de septiembre, y se colocó en el horario de sábado noche. ¿Cuáles fueron los problemas? que el público al cual iba dirigido ocupaba ese espacio, el sábado noche, para salir; que la primera temporada ya había puesto gran parte –sino toda– de la carne en el asador, lo que relegaba el papel central a pequeñas tramas que de forma breve iban sucediéndose; y que el espectador estaba molesto por la promesa incumplida de conocer el nombre del asesino de Laura Palmer durante el último capítulo de la temporada primera. El despropósito fue tal que el episodio 14 de esta segunda temporada ocupó la posición 83 entre los 89 programas de la semana en cuanto a audiencia.

'Twin Peaks' tiene un gran contenido anecdótico. Se ecribieron 2 libros inspirados en la historia, la hija de Lynch escribió 'The Secret Diary of Laura Palmer' en 1990 relatando las luces y sombras de la misteriosa vida que había tenido el personaje, y Scott Frost, hermano del creador, publicó en 1991 'The autobiography of F.B.I. Special agent Dale Cooper: My life, My tapes', basándose en las supuestas transcripciones anteriores del agente especial Dale Cooper hasta llegar al caso de Laura.

"Las lechuzas no son lo que parecen"

En cuanto a los actores, Margaret Lanterman aka la estrambótica mujer del leño, fue un personaje que Lynch introdujo resultado de una apuesta con Jack Nance (actor y productor de Eraserhead) y el mismo Lynch forma parte del reparto interpretando al agente Gordon Cole. Si hablamos de guiños o referencias, hay decenas de ellas por lo que destacaremos las que más nos gustan; en '1944 Laura', la película, encontramos alguna además de lo evidente del título; la carátula de Relax, el álbum del grupo de rock Los Piratas, está basada en una fotografía del cadáver de Laura Palmer; en el libro 'La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina' Stieg Larsson describe un personaje como "una versión mayor de Laura Palmer de Twin Peaks"; al inicio del octavo track de 'Portrait of an American Family' de Marilyn Manson pueden oírse los gritos de Laura Palmer en la escena de la habitación roja; y por último, no podía ser de otra forma, en Los Simpsons encontramos 2 referencias, una a la escena del sueño de Dale Cooper y otra al onirismo de la serie.

"Me gustan los cafés tan negros como una noche sin luna"

Fuente: LAVERY, David (ed). Full of secrets. Critical approaches to Twin Peaks. Detroit, Wayne State University Press. 1995.

Mientras Nueva York duerme (While the City Sleeps, 1956) de Fritz Lang

"En el desprecio de la ambición se encuentra uno de los principios esenciales de la felicidad sobre la tierra".

(Voltaire)

Los periodistas más reputados del Sentinel tratan de hacerse con la dirección del periódico tras la muerte del antiguo propietario. El hijo de éste (Vincent Price), les introducirá en una ambiciosa lucha de poder que acabará relacionada con los crímenes de un asesino en serie que atemoriza la ciudad, pues, el primero en obtener la exclusiva de su detención, conseguirá el puesto. 

Mientras Nueva York duerme fue el último trabajo de Fritz Lang en su prolongada etapa Norteamericana. Tras este film, volvió a Alemania -en ese momento la República Federal Alemana- para rodar las que serian sus tres últimas películas.

Si uno aprende algo visionando el cine del maestro Germano, es a no limitarse a las apariencias, pues aquello que realmente quiere expresar el director no se encuentra a simple vista, sino que requiere de cierta reflexión y a veces incluso audacia.

Bajo la apariencia de un film sobre el periodismo que se relaciona en un mismo espacio con otro sobre un asesino en serie, Mientras Nueva York duerme es en realidad una crítica del sensacionalismo periodístico y de un sistema capitalista que alimenta una competitividad inhumana dentro del mundo laboral Estadounidense. 

Además de esto, resulta un retrato preciso y eficaz de la ambición humana, con la característica visión pesimista de Lang. 

Existen diversos elementos a destacar sobre la película; en primer lugar, el estructurado guión de Casey Robinson, basado en un cuento de Charles Einstein, por otro lado la siempre sublime dirección de Fritz Lang, que nos lega algunas escenas memorables, y finalmente, el reparto, lleno de caras conocidas como Dana Andrews, Ida Lupino, George Sanders, Rhonda Fleming o Vincent Price, entre otros, que realizan un espléndido trabajo.

Por todo ello, y pese a ser un trabajo menor dentro de la extraordinaria filmografía del director Vienés, estamos ante una película más que interesante, que lleva al espectador hacia ciertas reflexiones sobre la condición humana, uno de los leitmotiv del cine de Lang.

En conclusión, un film notable y de referencia que no deja indiferente a nadie y que destaca por su perfección formal.

I got 99 problems but a beat ain't one; #94 - Stand Up

[Beat anterior]

El nonagésimocuartobeat –podría acabar la entrada aquí y dejaría el listón muy alto puesto que no todo el mundo es capaz de escribir 94º del tirón– es una producción de esas rapíditas de Kanye. Puedo imaginarme la escena: el estudio, luz artificial, no hay noción de la hora que es, el tipo está toqueteando (aparentemente al azar) botones y ruedecitas de teclados, máquinas que desconozco, etc., suenan diferentes fragmentos de sonidos entrecortados que nada tienen que ver entre ellos, mientras Ye se mueve de forma arrítmica como si sufriera espasmos; [cortinilla de estrella] nos encontramos con una instrumental ya montada que gusta escuchar incluso sin rapeo y a Kanye balbuceando lo que será el estribillo seguido de un par de barras, un clásico beat made in K. West, qué os voy a contar que no sepáis ya. Pero vamos a lo que vamos, el afortunado de rapear encima es Ludacris aka Luda aka Cris Lova Lova junto a Shawnna en el hook:

Título: Stand Up

Álbum: Chicken-n-Beer

Año: 2003

Autor: Ludacris featuring Shawnna

Sello: Disturbing Tha Peace / Island Def Jam Music Group

¿Por dónde empezar? En cuanto al videoclip, surrealista, marca de la casa, a Luda le flipa sobredimensionar cosas, ya sean botellas, su pelo –el mejor pelazo del game con el permiso de Kid of Kid'n'Play–, colgantes/humanos, zapatillas o culos, sobre todo culos. Además tiene todo lo que un clip necesita para triunfar: un club con pinta de sótano, buenos lanzallamas, PIMPwalk, una pareja de enanos, tíos bailando en silla de ruedas, un bebé al que Luda pone cabeza marcándose el cripwalk, etc. Vemos aparecer como cameos a Chingy, a Katt Williams, a Scooter Braun, a Tyra Banks, a Lauren London y al propio Yeezy.

En cuanto a la música, la aportación de Shawnna como podéis ver es anecdótica, sin embargo la participación de Kanye llega hasta el punto que se dice, aún no estar confirmado, que escribió prácticamente la mitad de las barras. Stand Up fue el segundo single del que sería su cuarto álbum de estudio, 'Chicken-n-Beer'. El susodicho single consiguió encabezar la Billboard Hot 100 además de alguna que otra lista y granjeó la nominación de Luda al Grammy a la mejor actuación de rap en solitario el año que lo ganó Eminem con Lose Yourself. 

Hay quien considera el afeitado de Luda como Patrimonio de la Humanidad

Esta vez no destriparemos los samples que pueda contener el tema sino que hablaremos de los temas en los que samplean a éste. Hemos encontrado samples en el 0:35 de Watch Out de Doctor P, en el 1:42 de Become One de Triax y en Pass the Bottles de Nosferatu and Endymion, éste último empieza ya con la frase que da título al track; así que podemos afirmar que las muletillas de Luda eran carne de cañón para la electrónica más machacona (S/O to Chimo Bayo). Además también aparece en un tema llamado Rapfilm de Kool Savas, un rapper alemán, en el que samplea un puñado de canciones de hip hop.

Y si hablamos de covers y remixes debemos resaltar el minuto y medio de versión de kanYe West incluída en la mixtape 'The Glory II', la cover en estilo lounge de Richard Cheese y los remixes de Mato y Fatboy Slim. Asímismo hay un mashup en YouTube de Stand Up y Stronger hecho en plan chapucilla pero suena mejor de lo que cabría esperar a priori.

[Beat siguiente]

Interiores (Interiors, 1978) de Woody Allen

“La vida es muy cruel, muy difícil, muy dura, y por eso trabajo, [...] me da la oportunidad de evitar las dificultades de la vida, la mayor parte al menos. Mi visión de la vida es efectivamente muy pesimista y esta es una de las razones por las que trabajo tanto”

Película que se centra en las relaciones familiares entre una madre abandonada por su marido y las tres hijas de estos. Cada personaje de la historia vivirá su propio drama, y, a lo largo del film, conoceremos cuales son los conflictos vitales de los mismos y cual es su origen.

Primer film dramático del director Neoyorquino Woody Allen. Tras su enorme éxito Annie Hall (ídem, 1977), Allen sorprendió a todo el mundo con un pesimista, frío y distante film de inspiración Bergmaniana. 

Precisamente, el parecido formal, estético y temático entre Interiores y la obra del maestro Sueco fue el motivo principal de la mala recepción del film por parte de la crítica. Un ejemplo muy cercano lo encontramos en la severa afirmación de Carlos Boyero, crítico cinematográfico del diario El País, que espetó: "Insoportable imitación de los universos de su admirado Bergman.". Claro ejemplo de la visión que se tuvo de la película en su momento.

Pese a la mala recepción del film, su revisión a día de hoy permite ver que no se trata de una burda imitación del cine de Bergman, ni tan solo un sentido homenaje. Simplemente Woody Allen se inspira en los métodos de uno de sus referentes para crear una obra de estilo visual similar a las de éste pero con un sello propio.

La película explora muchos campos: la soledad, las frustraciones vitales debidas a la falta de amor maternal, las inseguridades, los celos, las incapacidades artísticas etc. Pero principalmente, a nuestro entender, la idea fuerza del film es la infelicidad que genera la enfermedad de un miembro de la familia, en este caso la madre, y como este hecho impide a los que se encuentran a su alrededor vivir sus propias vidas. 

Existen muchos elementos destacables del film. Por un lado tenemos el trabajo de Allen. Como decimos, se inspira, tanto a la hora de dirigir como en la de escribir el guión, en Ingmar Bergman, y, pese a no alcanzar las cuotas de excelencia de éste -lo cierto es que le resultaría imposible a cualquier cineasta- lo hace con solvencia y resultados más que satisfactorios.

También hay que destacar el trabajo del reparto, encabezado por una excelente Diane Keaton. La fría y oscura fotografía de Gordon Willis ayuda a crear el ambiente dramático del que hablamos, y sitúa al espectador en la piel de los mismos personajes.

Tanto la escena final como las distintas imágenes de la playa resultan ciertamente memorables.

En conclusión, pese a la mala reputación de Interiores, la realidad es que se trata de una obra notable dentro de la filmografía de Woody Allen, y si uno es admirador de su cine, o del de Ingmar Bergman, y visiona el film sin prejuicios, es bien seguro que disfrutará.

I got 99 problems but a beat ain't one; #95 - Swagga Like Us

[Beat anterior]

El beat número 95 ya es un clásico del hip hop moderno, difícilmente seréis consumidores de dicho género y no habréis flipado con él. T.I., Jay Z, el propio Kanye y Lil Wayne escupiendo al ritmo, Swagga Like Us es el título y no te deja indiferente, desde luego.

La canción tiene historia, 'Ye quiso trabajar con la británica M.I.A. en el que sería su segundo álbum de estudio 'Late Registration' entre 2004 y 2005, pero por desgracia no pudieron cuadrar sus agendas para hacer algo juntos. Yeezy se quedó con las ganas y en 2007 tras escuchar el single Paper Planes de M.I.A. decidió samplearlo para producir. Tiene especial relevancia por ser la primera instrumental que West produjo en el estudio tras morir su madre.

"Ay yo, I know I got it first, I'm Christopher Columbus, y'all just the Pilgrims" - Kanye West

Kanyeezy le ofreció a T.I. el ritmo sabiendo perfectamente que le iba a volver loco, y así fue. En principio iban a rapear solo él y TIP pero decidieron embarcarse en un ambicioso proyecto añadiendo a los Carters. La letra son punchlines constantes por parte de los 4, e incluso podemos intuir algún tirito de Hova hacia Weezy.

"Got a bop like this, can't wear skinny jeans cause my knots don't fit"- Jay Z

El buen resultado ya se veía venir, TI decía que ese beat era fácilmente el beat del año, Jigga quiso adueñarse el tema y añadirlo en el BP de 2009 (Blueprint III), obviamente eso no pasó y acabó en 'Paper Trail' (2008). Kanye le mandó a M.I.A. una prueba provisional del tema antes de pulirlo y le encantó pero reconoció que el resultado final era incluso mejor.

"Run up in your shit, just me, no más, running this shit like I got four thighs"- Lil Wayne

TIP declaró que su intención era grabar un videoclip, tenían una idea clara inspirada en Reservoir Dogs (una de las pocas buenas películas de Tarantonto; hate us groupies), pero de nuevo la falta de tiempo en común hizo que lo dejaran atrás.

"Gangsta shit hereditary, got it from my dad, flow colder than February with extraordinary swag" - T.I.

La cantidad de remixes y freestyles que se hicieron es bestial. Podemos destacar los remixes de Pusha T junto a su hermano Malice incluído en su mixtape Road To Till The Casket Drops, el Swagga like Puff de P. Diddy con Cassie en el estribillo y el Swagga like Koop de Chamillionaire. En cuanto a los freestyles, el de Rick Ross y el de Drake contestando a Hova son los más dignos.

[Beat siguiente]

La tergiversación del mundo orwelliano

            George Orwell se está revolviendo en su tumba. Y no porque su distopía de un mundo totalitario sea cada vez más real, sino por la utilización que se está haciendo de sus dos obras más conocidas para atizar de esta manera al comunismo y al socialismo de todo el mundo.

En sus dos mayores obras, “1984” y “Rebelión en le granja”, Orwell hace una crítica feroz de los totalitarismos y especialmente del stalinismo. Tal y como se desprende de su tratamiento al personaje de “Bola de nieve” en “Rebelión en la granja”, Orwell parece más cercano a las ideas trotskistas pese a que siempre pareció querer estar al margen y no rebelar su verdadera ideología, más allá del socialismo.

Hoy en día, los partidarios de un capitalismo salvaje utilizan esta crítica al stalinismo como argumento en contra de regímenes como pueden ser el comunismo o el socialismo. Sus libros son de obligatoria lectura en muchos institutos y universidades de los Estados Unidos y aprovechados para fomentar un odio hacia las ideologías de izquierda y hacer ver que el comunismo no es un sistema político viable.

Muchas personas afines al comunismo ante este ataque, no consideran a Orwell un escritor verdaderamente socialista y es despreciado por su crítica al régimen de la URSS durante el mandato de Stalin.

Paradójicamente estás dos situaciones ya las escribió Orwell en esas dos obras, el hecho de llamar hereje a aquél que se cuestiona el régimen y tergiversar su historia como ocurre en el caso de “Rebelión en la granja” y como aquellos dos minutos de odio, en los que todo el mundo debía mirar las pantallas para aumentar el odio sobre el enemigo en “1984”, es muy parecido a lo que ocurre hoy en los Estados Unidos.

Otro tema es la polémica Lista Negra de Orwell, tema con el que se suele argüir en contra de nuestro protagonista. Fue una lista que escribió Orwell en el ocaso de su vida, impulsado o casi obligado por Celia Kirwan, su amor no correspondido, en el que mencionaba personajes públicos que podían tener ideas comunistas. Lo cierto es que escribió aquella carta pero a ninguno de los personajes escritos en aquella carta les ocurrió nada negativo por su supuesta ideología comunista y es que la carta llegó al senador McCarthy, el auténtico cazador de brujas y la descartó.

Todo esto deja a Orwell en tierra de nadie, cosa que curiosamente le deja con el mayor número de lectores que podía haber obtenido nunca. El hecho de ser repudiado por dos extremos ideológicos (por diversas razones), hace que la gente más neutral le pierda el miedo y se interese por su obra. Por ejemplo, el día después de que se conocieran la trama de espionaje de Barack Obama, el portal Amazon aseguró que “1984” aumentó un 7000% en el número de ventas.

En definitiva, Orwell probablemente se esté revolviendo en su tumba, pero a la vez debería estar contento de saber que sus libros son considerados como de los mejores del siglo XX y sobretodo, que cambian la consciencia política de mucha gente.

«En una época de engaño universal, decir la verdad es un acto revolucionario.»

I got 99 problems but a beat ain't one; #96 - Down

[Beat anterior]

Beat 96, como uno de los mejores años para el hip hop y como el Hanover. Bromas malas aparte, tenemos un beat creado para un "artista" polémico, éste es Chris Brown (also known as Chris Clown), cantante desde los 16, bailarín, actor, protagonista de tabloides de teenagers, maltratador de Rihanna, consumidor de cannabis y alcohol con intención autodestructiva, en fin, es más que sabida la historia de este individuo.

Título: Down

Álbum: Exclusive

Año: 2007

Autor: Chris Brown featuting Kanye West

Sello: Jive Records / CBE

Down es el track 16 o 18 (según la versión) del segundo álbum de estudio de Breezy. En él colabora Kanye con unas barras durante el primer minuto. No es un gran tema, de hecho no es ni lo mejor que ha salido de Chris Brown, sin embargo esa enérgica guitarra eléctrica y el dinamismo de la canción son hechos a destacar en favor de K West. A modo de curiosidad apuntaré 2 cosas, la primera es que la melodía y el "yeah, yeah, yeah" que aparecen en el minuto 2:09 son del What's Up de 4 Non Blondes (1:28), y la segunda que ésta es la única canción, si no me equivoco, en la que podemos encontrar a Yeezy y a Breezy compartiendo micrófono, por suerte o por desgracia.

[Beat siguiente]

You Only Live Once, siglo XIX

        Si hay alguien que respondería a las etiquetas de yolo, swag, life fast and die young y demás memeces de ahora en la Francia de finales del siglo XIX sería, sin ningún tipo de duda, Arthur Rimbaud. La pequeña diferencia sería que Rimbaud no era un estúpido.

Nacido en el seno de una familia burguesa, el enfant terrible fue una de las figuras más importantes de la Francia del final del siglo XIX.  "Todo menos trabajar" era su lema, y así fue, al menos durante la primera parte de su vida. Fue un alumno destacado en el colegio municipal de Charleville donde ya demostró desde muy joven sus dotes para la poesía. Al estallar la Comuna de Paris (1971) decidió escaparse de su casa por enésima vez para ver el conflicto desde cerca. Allí es donde, con 17 años, conocerá a Paul Verlaine, diez años mayor que él.

“Aborrezco cualquier oficio. Patronos y obreros, todos iguales, paletos e innobles. Tanto da la mano con pluma que con arado. -¡Vaya siglo de manos!- Yo jamás poseeré mi mano.”

El círculo de intelectuales parisinos acogió a Rimbaud como a un hijo pródigo, pues su destreza con las letras les había impresionado teniendo en cuenta su precocidad. Victor Hugo creador de “Les miserables” llegó a llamarle “Shakespeare niño”. Un año después de su llegada a París, nuestro querido personaje ya era más conocido por sus escándalos que por sus poemas, vagabundeaba por la ciudad y se había convertido en un alcohólico y en un consumidor habitual de hachís. Después de herir a un fotógrafo con una vara metálica, tuvo que volver a Charleville por la indignación de buena parte de la clase acomodada.

“Antaño, si no recuerdo mal, mi vida era un festín en el que todos los corazones se abrían, en el que vinos de todas las clases fluían sin cesar.”

Al poco tiempo Rimbaud volvió a París e inició una relación con Paul Verlaine, éste renunció a su esposa y sus hijos para iniciar una de las relaciones más tormentosas que ha habido. Vivieron en Londres durante una temporada en un lindar muy cercano a la pobreza, durante esa época Rimbaud se entretenía humillando a Verlaine, hasta que Verlaine se cansó e intentó volver con su esposa. Rimbaud volvió a París y tuvo otro enfrentamiento con Verlaine e incluso le disparo en la muñeca. Verlaine pasaría dos años en prisión y Rimbaud volvería a Charleville, su pueblo natal. Esta relación se ha llevado a la gran pantalla con un resultado irregular en Vidas al límite (1995), con un joven Leo DiCaprio en el papel de Rimbaud.

Durante su estancia en Charleville, Rimbaud escribiría una de las mejores colecciones de poemas en lengua francesa del siglo XIX, Una temporada en el infierno (Une Saison en enfer), con permiso de Les fleurs du mal de Charles Baudelaire. Después volvió a Londres con un amigo poeta y escribió Iluminaciones. Y c’est fini. La carrera literaria de Arthur Rimbaud terminó a sus 20 años.

“Pero por ahora, estoy maldito, y me horroriza la patria. Lo mejor es echarse a dormir completamente borracho, en la playa.”

En el resto de su vida siguió haciendo lo que le dio la gana, recorrió Europa a pie, se alistó en el ejército holandés para ir a Indonesia donde desertó, vivió durante un tiempo en Yemen y más tarde fue traficante en armas en Etiopía. Le tuvieron que amputar la pierna por sinovitis y murió en Francia a la edad de 37 años. Pero para la historia literaria quedaron sus escritos los cuales realizó todavía siendo un adolescente.

“¿A quién debo acomodarme? ¿Qué animal hay que adorar? ¿Qué santa imagen atacar? ¿Qué corazones habré de romper? ¿Qué mentira debo sostener? - ¿Sobre qué sangre caminar?”

PD: todas las frases entrecomilladas son fragmentos de “Una temporada en el Infierno”. 

La batalla de Argel (La battaglia di Algeri, 1965) de Gillo Pontecorvo

"El terrorismo es una guerra de los pobres contra los ricos. La guerra es un terrorismo de los ricos contra los pobres".

(Peter Ustinov) 

La película narra, desde el origen hasta el fin, el enfrentamiento entre el Frente de Liberación Nacional (FLN) de Argelia y las autoridades coloniales francesas. Pese a no ser un relato personalista, existe un protagonista de la historia, Ali La Pointe (Brahim Haggiag), uno de los principales activistas de la Casbah de Argel.

El film nos sitúa en los orígenes del conflicto mediante la historia de Ali La Pointe. Este joven termina en la cárcel por un delito menor, y allí observa como sus compatriotas son ejecutados mediante el uso de la guillotina por motivos políticos. Este hecho despierta en Ali un sentimiento de ira que acaba por llevarle a formar parte de la Casbah.

A partir de aquí, el conflicto se describe de forma más impersonal. Pontecorvo nos muestra un seguido de actos terroristas que empiezan por asesinatos a sangre fría de miembros de la seguridad francesa y terminan con explosivos en lugares públicos. En el tramo final del filme, tras la muerte de los líderes de la Casbah -resultado de los métodos salvajes pero eficaces del mayor dirigente francés en Argel (Jean Martin)- se muestra el inicio del movimiento nacional que llevaría a la liberación de los pueblos ocupados y a la creación del Estado de Argelia.

Estamos ante una película tremendamente lograda. En blanco y negro, con una trabajada fotografía y numerosos primeros planos -también abundan los planos aéreos-, Pontecorvo dirige como si de un documental se tratara. Y esa es exactamente la sensación del espectador, pues el realismo que desprende el film recuerda a los trabajos Neorrealistas de De Sica o Rossellini. 

Pese a lo salvaje e inhumano de la historia, el director Italiano evita mostrar la violencia de forma explícita -hecho que es de agradecer-, y se limita a insinuar elegantemente -cinematográficamente hablando- el dolor y el sufrimiento que comportan los diferentes actos terroristas por ambos lados y las torturas que sufren los Argelinos sospechosos de pertenecer a la Casbah.

Otro hecho que nos gustaría destacar es la notable imparcialidad que desprende el trabajo de Pontecorvo. La película se muestra desde la distancia, y en ningún momento parece un panfleto ideológico -esto es de gran mérito pues la película fue un encargo del Estado Argelino y la ideología Comunista del director Italiano es por todos conocida-. Debemos, por lo tanto, destacar el hecho de que se nos presente la historia con la mayor imparcialidad posible para que cada uno pueda extraer sus propias conclusiones. 

En conclusión, estamos ante un excelente trabajo artístico que no solo supone el mayor éxito de la carrera de su director, sino también uno de los films más notables jamás realizados sobre el terrorismo y el colonialismo.

Especialmente recomendable para aquellos cinéfilos interesados en la historia y la política. 

I got 99 problems but a beat ain't one; #97 - It's Alright

[Beat anterior]

Vamos a por la tercera instrumental del marido de Kim Kardashian, esta vez nos encontramos con un beat en el que ha trabajado junto a Just Blaze (aunque la implicación de éste ha sido ínfima al parecer) y sobre el que rapea Saigon, ese exconvicto y concienciado rapero que quizá conozcáis por su aparición en Entourage (18:10) como él mismo.

Título: It's Alright

Álbum: The Greatest Story Never Told (LP)

Año: 2011

Autor: Saigon featuring Marsha Ambrosius (Kanye como co-writer)

Sello: Suburban Noize Records

Es el único beat que 'Ye aporta al álbum pero sin lugar a dudas brilla por si solo. Contiene 2 samples característicos, por un lado el de Is This The End del grupo de R&B New Edition, y por otro lado el hit de Luther Vandross, Superstar/Until You Come Back to Me (That's What Gonna Do), un popurrí que mezcla Superstar de Bonnie Bramlett y Leon Russell -un tema de 1969 dado a conocer por las versiónes de The Carpenters, Sonic Youth o Cher- y Until You Come Back to Me (That's What Gonna Do) de Stevie Wonder -también famoso por covers interpretadas por Aretha Franklin o Cyndi Lauper.

Por último, hago mención a un tema de Saigon que consta en la versión deluxe del álbum comentado antes, la canción se llama It's Cold, la ha producido Just Blaze (pedazo de beat), cuenta con un videoclip y es puro NYC en invierno, Timbs, chaquetones y todo ese rollo. El sample de Inspectah Deck que forma el hook lo corrobora.

Actualización:

En septiembre de 2012 Kare sacó la mixtape "Mal Orientado" y en el decimosegundo track aparece rapeando junto a Wase sobre este último beat, aquí os lo dejo:

[Beat siguiente]

Album Review: K. Michelle - Rebellious Soul (2013)

Después de cuatro años trabajando duro y tres mixtapes, Kimberly Pate Michelle, mejor conocida como K. Michelle, por fin lanzó su álbum debut en Agosto de este mismo año. A pesar de su corta carrera, considero a K. Michelle una de mis artistas favoritas. Lo que más caracteriza a esta mujer son su gran voz, su brutal sinceridad respecto a cualquier tema y su gran sentido del humor.

Rebellious Soul está aquí por fin (para mi propio regocijo) y deja muy claro que K está menos "enfadada" que en sus anteriores mixtapes ("What's The 901?", "Pre-Pain Medicine" y "0 Fucks Given"). Las historias de relaciones violentas y la intensa angustia que dominaban sus mixtapes, han sido sustituidas por canciones que relatan la búsqueda del amor y las nuevas expectativas y posibilidades que vienen con él. A mí, personalmente, me encanta que el disco no se fije en el pasado. K ha encontrado un lugar nuevo en su vida y ha decidido dejar su crudo pasado atrás.

El álbum empieza con "My Life" (con la colaboración de Meek Mill), donde K enumera las diferentes situaciones y dificultades que ha podido ver en la gente de su alrededor. Su capacidad para conectar con la audiencia siempre ha sido su mayor fortaleza, y es su voluntad de estar en el mismo nivel lo que la hacer tener tantos seguidores. En la canción también habla su deseo de las mismas cosas que todos queremos: amor, felicidad, amistad... Y se molesta, porque es consciente de que a veces lo hace mal. Hoy día, mucha gente confunde eso de "ser real" con ser simplemente grosero y ofensivo, y es muy agradable tener a una artista que "es real" en el buen sentido.

"I Don't Like Me" muestra una de sus letras más fuertes, expresando en ella el dolor y la inseguridad que muchas veces siente uno dentro de una relación. Por un motivo u otro, cuando tenemos una pareja, muchas veces no nos sentimos a gusto con nosotros mismos y nos comparamos con otras personas, y pensamos "¿qué verá en mí cuando aquel/aquella es más guapo/a, más atractivo/a, más listo/a...?" Así que muchos nos vemos claramente reflejados con los sentimientos que pretende transmitir esta canción.

"Can't Raise A Man" se incluyó en su último mixtape ("0 Fucks Given") y aunque habría estado bien que hubiera puesto otra canción nueva en su lugar, los consejos que da sobre dejar a hombres que se comportan como niños, siempre vienen bien.

"V.S.O.P." es fácilmente la mejor proposición para primer single (canción en la que samplea "Very Special" de Debra Laws, lo que le da un toque clásico al tema). Tiene una letra positiva, sexy y un ritmo que te atrapa. Es de esas canciones que te hacen querer escucharlas una y otra vez.

Tengo que mencionar uno de los interludes. Viene tras el tema "Sometimes" (que es un completo derroche de voz), se llama "Coochie Symphony" y es un claro ejemplo del humor por el que K. Michelle es conocida. La yuxtaposición de una letra tan vulgar (habla de la carencia de sexo de su ****) con el fondo de ópera es muy divertido. ¡Me encanta, me encanta!

"Pay My Bills" desprende la misma franqueza sexual. Se puede destacar que el modo en el que usa su vozarrón en esta canción puede hacer que te encante o todo lo contrario.

Los altibajos del amor y sus sombras cobran vida en "Hate On Her" y "Ride Out". Si alguna vez has sido tratado injustamente por tu pareja, puedes encontrar consuelo aquí.

El álbum termina con "Mother's Prayer", un tema muy personal en el que describe el amor a su hijo. Es refrescante ver este lado tan natural de K, y es una dulce manera de terminar el proyecto.

El álbum cuenta también con una edición de lujo que incluye tres temas más: "Same Man", "Better Than Nothing", y este que dejo a continuación, "The Right One" (segundo single):

Con su potente voz emotiva y letras personales, puede estar segura de que su misión de ayudar a los demás a través de sus experiencias, es ya un éxito.

Cabe mencionar que el álbum debutó en el nº 2 de los US Billboard 200, vendiendo 72.000 copias en la primera semana.

I got 99 problems, but a beat ain't one; #98 - Touch it

[Beat anterior]

Segundo beat del proyecto, por lo tanto #98, esta ocasión tenemos a Pusha T soltando barras encima él y al propio 'Ye en el estribillo. Este tema no deja alternativa como Cam'ron, es totalmente imperativo, Touch it. Pero nada tiene que ver con canciones que comparten título como la de Busta Rhymes o la de Monifah que además aparece sampleada en la famosa canción de Laid Back White Horse y que en tantos remixes podemos encontrar.

Título: Touch it

Álbum: Fear of God (Mixtape)

Año: 2011

Autor: Pusha T featuting Kanye West
Sello: GOOD Music

Es un beat curioso, transmite cierta sincopación, la lógica te dice que debería sonar mal pero no lo hace, la maldita magia de Yeezy de nuevo. Un tema desenfadado, son risas y tiene alguna que otra linea buena.

"Go 'head, just beat it like you was Billy Jean"

Por último resaltar un remix que roza la decencia en S&C (género por el que siento debilidad) que he encontré buceando por YouTube:

[Beat siguiente]

Toma el dinero y corre (Take the money and run, 1969) de Woody Allen

"El noventa por ciento del éxito se basa simplemente en insistir".

Virgil Starkwell es un incompetente atracador que fue inducido hacia la vida criminal desde su infancia. Siempre humillado y maltratado por todos, tras un intento fallido de convertirse en violonchelista, acaba por devenir un ladrón. Pero su ineptitud le convierte en presa fácil para la policía y acaba en la cárcel. El amor hacia una bella joven (Janet Margolin), le lleva a intentar reinsertarse en la sociedad; con escaso éxito, claro.

Segundo film dirigido por Woody Allen, quien también escribe el guión -junto con Mickey Rose- e interpreta el papel principal. Como es habitual en los primeros trabajos del maestro Neoyorquino, la película se compone de una sucesión de divertidos gags que funcionan a la perfección, donde encontramos numerosos ejemplos de la influencia de los cómicos clásicos -especialmente Charles Chaplin y Buster Keaton- en el humor de Allen.

La película se nos presenta en forma de falso documental -Allen repetiría esta formula en la genial Zelig (ídem, 1983)-. Mediante entrevistas a los seres más allegados del protagonista (padres, esposa, compañeros de celda...) y las funciones de un narrador omnisciente, se nos van presentando las peripecias del pobre Virgil Starkwell.

Como anunciábamos, la película es ciertamente divertida, pero, pese a poder encuadrarse en el mismo periodo creativo que Bananas (ídem, 1971) o El dormilón (Sleeper, 1973), no posee el trasfondo político y filosófico de estos trabajos.

Lo que resulta innegable es la originalidad y creatividad del director Norte-americano en la composición formal de la película, que resulta disparatada y brillante por igual.

En conclusión, el visionado de Toma el dinero y corre resulta interesante, especialmente si uno es seguidor del cine de Woody Allen. La película posee la frescura característica de los primeros trabajos del director y supuso un gran paso adelante en su carrera, que hoy día no podemos más que agradecer.