BEST OF: November

Se está acabando el año pero nunca se acaban las buenas canciones, esto es lo que os traemos del mes de noviembre:

Made In Heights - Panther

Uno de los más prolíficos productores de Seattle, Sabzi, se unió a Kelsey Bulkin a finales de 2009 para dar a luz a lo que hoy conocemos como Made In Heights. Tras 4 discos publicados, fijan la mirada en 2015, para cuando está programada la salida de su próximo álbum y del cual Panther forma parte. No puedo decir nada malo de este par, son sencillamente geniales.

Yung Gud - My Guns

Hay música más allá de Yung Lean, no todo lo que hacen estos chavales va en la misma dirección. Aunque los Sad Boys le han dado repercusión, a Gud le perjudica estar tan estrechamente relacionado, pues quien no le interese Lean y compañía no va a molestarse en averiguar si hay algo distinto detrás. Esto podría cambiar si logra producirle a otros grandes nombres o desmarcarse de sus compañeros, por ello ha sacado este Beautiful, Wonderful EP. My Guns es el primero de los 4 tracks que lo componen y suena así de bien:

Alt-J - Left Hand Free (Lido Remix)

Llega un punto que uno mismo ya ni se respeta, es entonces cuando te adentras poco a poco en el hipsterismo musical ilustrado. Y cuando repasas el This Is All Yours de Alt-J descubres este remix de Left Hand Free por parte de Lido. Mucho me temo que es cierto, Lido got songs.

Daniel Wilson - Boy Who Cried Thunder
A principios de noviembre se publica este single como adelanto del EP que saldría casi 20 días después. Daniel Wilson impresiona con un falsetto suave e in crescendo de cinco minutos con el que se nos invita a esperar con ansia el susodicho EP de título homónimo. Vosotros no tendréis que esperar, tenéis los cinco cortes en el propio Soundcloud.




CHVRCHES - Dead Air
Los escoceses pusieron su parte en la banda sonora de Los Juegos del Hambre: Sinsajo (The Hunger Games: Mockingjay Part I), así como Kanye West, Miguel, Haim, etc. Dead Air es una canción conmovedora a la par que potente, muy adecuada para el tipo de película que imaginamos que será esta nueva entrega de la saga de Suzanne Collins.



Mammals - My Kind Of Woman (Mac DeMarco Cover)
El pasado viernes, pasadas las nueve, subió al escenario de la Sala Apolo en Barcelona un tipo que sufre diastema. DeMarco no me gusta especialmente pero celebrando que se dejó caer por la ciudad condal destacaré la cover que firmaron los australianos Mammals de My Kind Of Woman esa misma semana.




Mikky Ekko - Mourning Doves
Me estoy quemando con tanto Ed Sheeran por todos lados, se le ve y oye hasta en la sopa así que os propongo una alternativa igual de válida, Mikky Ekko. El pop es demasiado amplio como para estancarse en el tipo del momento.



Stryfe - Encoded
Por último, no podía obviar que Stryfe ha vuelto a dar señales de vida en Soundcloud, donde se le ve menos que en Twitter si cabe. Por suerte para nosotros, ha aparecido con el objetivo de regalarnos este Encoded. Solo diré que cuanto más lo escuchas más te gusta.

Viva la libertad (À nous la liberté, 1931) de René Clair

"En todas partes, si se toma la oportunidad. Por todas partes, la vida es una melodía. Por todas partes, es el vino y el romance. Así que aquí está para nosotros la libertad!"

Dos reclusos tratan de fugarse de una prisión francesa, pero sólo uno de ellos lo logra gracias al sacrificio de su compañero. Años después, éste se ha convertido en un empresario de éxito y el otro, ya libre de condena, en uno de sus muchos trabajadores. Al reencontrarse, su amistad resurgirá.

Viva la libertad es el segundo film sonoro dirigido por René Clair, uno de los cineastas franceses más populares de la primera mitad del Siglo XX. Se trata de una comedia a caballo entre el slapstick del periodo silente, el musical y la sátira política y social. La cinta, de escasos 80 minutos de duración, posee un ritmo trepidante y narra las aventuras de dos hombres unidos por un valor a reivindicar: la amistad. Ésta prevalecerá, al final de la historia, sobre cualquier interés material de los individuos.

Las connotaciones políticas de À nous la liberté son más que evidentes. En los primeros 20 minutos, el director ya ha equiparado la vida en prisión a la de los asalariados de la fábrica. La moraleja final del filme posee claras referencias al pensamiento marxista: Aquello que oprimía a los trabajadores es ahora lo que les hace libres y felices, ayudados por el progreso científico y la colectivización de los recursos de la fábrica. La reivindicación de valores poco ligados a la sociedad industrial, como la colectividad, el amor al prójimo, la generosidad etc., también se halla muy presente en la película.

Una de las secuencias más destacables de la película, que resulta indispensable comentar, es aquella que se produce en la cadena de montaje de la fábrica donde trabaja uno de los protagonistas. En ella se produce un descuido y se arma un lío de dimensiones considerables. No mucha gente lo tiene presente, pero esta crítica al taylorismo y al trabajo en cadena inspiró a Charles Chaplin para su famosísima cinta Tiempo Modernos (1936), que en la actualidad goza de mucha más fama que la obra de Clair.

Esta situación, que para el francés fue todo un orgullo, trajo problemas a Chaplin, pues en 1936 la productora de Viva la libertad, conocida como Tobis, era propiedad del gobierno alemán y estaba en manos nada más y nada menos que del ministro de propaganda Nazi Joseph Goebbels. Éste denunció a Chaplin por plagio en una contienda jurídica que sacó de quicio a un Clair que consideraba Tiempos Modernos como un homenaje y que admiraba profundamente al cómico inglés. 

La obra de Clair inspiró a toda una generación de franceses y sigue siendo hoy en día un hermoso canto a la vida y a un futuro mejor. Como curiosidad final, apuntar que esta fue la primera película de habla no inglesa en recibir una nominación a los premios Oscar.

Infinitum; A R M O N I A

A R M O N I A es como Infinitum —Gerard Aparicio (Jhà) y Javier Bilbao (One Path)— han decidido denominar a su último trabajo. Ha sido publicado el 26 de noviembre y es, aunque tardío, una de las propuestas más interesantes que nos está dando este 2014.

A Infinitum ya los conocíamos de Vida En Tránsito (2013), fueron muy aclamados por firmar un disco tan maduro en forma de primera referencia y a su pronta edad, veinte y poquísimos años. Aún apreciando el mérito y valor del susodicho trabajo, no me gustó, no logré disfrutarlo. Es irrelevante que consigan dar con las teclas adecuadas para que me atrape su sonido, soy un par de oídos más, pero siendo egoísta me molestó no ser capaz de compaginar el descubrir su acabado en la forma y el cuidado del concepto con lo musical. El taoísmo, interesante por su cosmovisión laicista y muy próxima al marxismo, y la influencia de la obra del cineasta soviético Andréi Tarkovski que destila Vida en Tránsito son dos pilares fundamentales en la construcción de una línea conceptual que apunta, según mi interpretación del mismo, hacia la trascendencia y no-trascendencia a su vez de la vida, en cierto sentido circular, herencia del tao y la harmonía del camino, y paradógicamente también lineal del fluir del agua tarkovskiana (también utilizada por Borges o Lorca entre otros).

Todo lo que me apasionó de Infinitum hace un año vuelve a presentarse hoy dentro de un concepto sonoro más afín a mi gusto. Hay tres elementos que quiero comentar puesto que me parecen muy relevantes:

En primer lugar, mantener la estructura de las cuatro estaciones que reconocieron seguir en Vida En Tránsito, aunque esta vez de forma más que explícita, me parece un acierto. Tal y como entiendo yo que es la concepción de Jhà y Javi de sus discos; de avance, desarrollo y evolución, no hay mejor estructura que la natural, la de las stagioni; como lo hizo Vivaldi o como queda patente en A R M O N I A, con las 4 esperadas y un quinto corte que va más allá. Una genial combinación de innovación y consolidación.

En segundo lugar, lo mucho, muchísimo, que me gustan las vocales que aporta Carlos Bruñas. En el disco anterior contaban con colaboraciones que más de uno mataríamos por tener en nuestro tracklist, Elsso Rodriguez, Erik Urano y Mox Estrella. No siendo así esta vez, no hay carencia alguna de ellas.

Y por último, el artwork. Retrato de una de las frases del disco, "hundimos las manos en el agua", en el que apreciamos trazos circulares en un boceto verticalmente lineal. Paranoia personal es que el trazo más diagonal de la palma de la mano no sea una arruga de ésta, sino una suerte de segmento sumergido a media altura en el agua, que la mano intenta atrapar. Libertad de interpretación absoluta.

Aquí podéis ver, leer, oír y descargar A R M O N IA:

Compositores Clásicos: Louis Spohr

Louis Spohr fue un violinista, compositor y director de orquestra alemán nacido en 1784 y fallecido en 1859.

Consagrado como uno de los músicos más célebres de su tiempo y conocido como el segundo mejor violinista de la época tras Paganini, inventó la técnica de apoyo del violín en el mentón.

Por aquellos tiempos, sus composiciones se consideraban del nivel de las de Beethoven y era muy admirado por sus compañeros, entre los que cabía contar a Mendelssohn o Chopin.

Su música está enormemente influenciada por la obra de Mozart y combina formas clásicas con modos de expresión del romanticismo temprano.

Inició su carrera como músico en Brunswick, en 1799, y viajó por Alemania como violinista. En 1805 fue nombrado maestro de conciertos en Gotha y se convirtió en uno de los primeros directores en usar batuta.

Empezó a componer y tras las giras con su mujer y los éxitos de sus dos primeras óperas, se estableció en la ciudad de Kassel en 1822, trabajando como maestro de capilla hasta su muerte.

Obras Clave

Concierto para Violín No.8 en La menor Op. 47
Su concierto más famoso y de los pocos que aún se interpretan en la actualidad. Con él consiguió un éxito instantáneo debido al uso de varias fórmulas operísticas en un mismo movimiento. De mis conciertos para violín favoritos.

Sinfonía No.6 en sol mayor “Histórica” Op.116
Sinfonía en la que Spohr intenta satirizar la gran ópera. En cada uno de 3 primeros movimientos utiliza estilos de periodos musicales anteriores (Bach-Händel, Mozard-Haydn y Beethoven), acabando con un último con el que quiso parodiar la música de sus contemporáneos.

Concierto para Clarinete No.1 Op.26

Nonet en Fa mayor Op.31

Novela: El codigo da vinci, de Dan Brown

Sacralizado por ser uno de los libros más vendidos de la historia, Dan Brown nos presentó en 2003 "El Código Da Vinci", catapultándose así hacia el olimpo -de dudoso honor- de los escritores de

best-sellers.

Como todas sus novelas, ésta también es un misterio, pero su fama es debida a la mezcla de suspense, esoterismo y una conspiración relativa al papel de varias sociedades secretas, el santo grial y María Magdalena (temas que siempre causan polémica y, como no, interés).

El libro narra la aventura de un profesor de Iconografía Religiosa llamado Robert Langdon, quien intenta resolver un misterioso asesinato en el Museo del Louvre. El hombre asesinado es encontrado en la postura del "Hombre de Vitruvio" con un mensaje críptico y un pentáculo dibujado con su propia sangre.

Entonces entra en la trama la agente francesa Sophie Neveu, nieta de la víctima. Junto con ella Langdon consigue interpretar el críptico, hecho que les lleva a analizar obras del mismo museo como la Mona Lisa. En este punto se plantean las dos preguntas clave del libro:

¿Qué secreto intentó proteger la victima?

¿Quién ha cometido el asesinato?

Por desgracia, Langdon es acusado de ser el asesino cuando la policía encuentra cerca del cadáver un mensaje que dice: “Buscar a Robert Langdon”, y tanto él como Neveu se ven obligados a sufrir una persecución que dura todo el relato.

Su investigación les lleva a la búsqueda del santo grial y a lo relacionado con una sociedad secreta llamada Priorato de Sion y con los Caballeros Templarios. El Opus Dei también aparece metido en el ajo.

Como la mayoría de los best sellers de hoy en día, se trata de un libro de lectura fácil, con una edición escandalosamente grande para la extensión real del libro. Lo único que ha hecho que la novela se vuelva tan famosa es su polémica, ya que no he encontrado grandes virtudes en esta obra, la más famosa de Dan Brown. Lo mejor del caso es que el escritor optó por alargar las peripecias del señor Langdon varios libros más: "Ángeles y Demonios" y "Inferno".

Si lo que buscas es lectura fácil y entretenida, este libro es una buena opción. Si has visto la película basada en el libro, éste puede hacerse algo pesado.

La sal de la tierra (The Salt of the Earth, 2014) de Wim Wenders & Juliano Ribeiro Salgado

"Al fin y al cabo, las personas son la sal de la tierra"

Durante los últimos 40 años, el fotógrafo Sebastião Salgado ha viajado por los cinco continentes que conforman nuestro planeta retratando al hombre, su condición y la evolución que le ha acompañado. Testigo de algunos de los acontecimientos más destacados y terribles de nuestra historia como especie, su extensa obra es tanto un homenaje a la belleza de la tierra como una crítica a los males que la acechan. 

Wim Wenders es uno de los cineastas alemanes más reconocidos de las últimas décadas. Títulos inolvidables como Alicia en las ciudades (1974) o París, Texas (1984) avalan su trayectoria y talento. En los últimos tiempos, el de Düsseldorf se ha prodigado en el género documental, legándonos auténticas joyas como La sal de la tierra, estrenada este mismo año.

Co-dirigida y escrita con Juliano Riberio Salgado -hijo del protagonista del filme-, la película es un repaso a la vida y obra de Sebastião Salgado, un fotógrafo de inestimable talento que a lo largo de las últimas cuatro décadas ha viajado por todo el mundo embarcado en distintos proyectos que le han llevado a conocer lo mejor y lo peor del hombre y el planeta que éste habita. 

A través de entrevistas a los principales implicados -el propio fotógrafo, sus familiares más cercanos etc.- y a la exposición de algunas de sus mejores obras, el documental reflexiona acerca de las cuestiones universales que acompañan a cualquier hombre en su vida: el amor, la pérdida, la redención, la muerte... Lo verdaderamente extraordinario es que lo hace de la mano de un hombre que ha conocido de primera mano la realidad que nos rodea, que ha retratado la más absoluta pobreza, el más profundo dolor, el más esforzado trabajo y la más pura belleza. 

Los distintos proyectos de Salgado suponen un viaje a los lugares más remotos de América, a los conflictos y éxodos humanos de África y los Balcanes, a la más salvaje vida animal y a la más vírgen de las tierras.

La música de Laurent Petitgand acompaña la brillante exposición artística del filme, que consagra a Wenders como un documentalista de enorme talento y sabiduría y que nos recuerda su poética concepción del hombre, el arte y la vida. Lo mejor será, sin duda, que gocen por ustedes mismos de este estremecedor documento fílmico, y para animarles a ello les dejaremos con algunas de las fotografias de Sebastião Salgado, todo un artista de nuestro tiempo:

Lo Nuevo de Yako Muñoz; NINGUN PLAn (un EP)

En el barrio de Coslada en Madrid, vive el tipo más música de este país. Yako Muñoz es TOP 5 en la movida habidos y por haber, no he conocido aún a nadie que lo niegue. Hablar de él en 2014 (sabiendo que su trayectoria contiene más de 10 años de música) no tiene ningún mérito, soy consciente de que no descubro nada nuevo, mas hablar de música y omitir a P Boy Yak... eso debería estar penado.

Mr. Natural, según le contaba a Adriana Jimenez, se crió con los pastores de la iglesia evangelista de su barrio, pasaba los días bebiendo Kool-Aid y comiendo pizza con sus amigos angloparlantes. Se montó un microclima sureño de Estados Unidos en la mismísima capital y su música lo refleja. Yako es un fuera de serie en muchos aspectos en la escena musical de este país, musicalidad, versatilidad,  y en lo no musical prácticamente podría constituirse una religión con la entrevista de Erreapé y su intervención en Comando Actualidad como bíblia.


Entrevista a Yako Muñoz - erreape.com from Danecko on Vimeo.

Pero no me extiendo más sobre ello, a estas alturas quien no sabe de P Boy es porque no quiere so para más información creo que el post de mi hombre WhiteNegrata es bastante completo.

Hoy hablo de Yako Muñoz porque lo ha vuelto a hacer, no han pasado a penas dos días publicó vía Soundcloud un EP de 4 cortes titulado NINGUN PLAn (un EP). He perdido la cuenta de las vueltas que le he dado ya a ese puñado de canciones. La producción corre a cargo de FlackFlow, I.Ñ.I.D.O.P.E. y Magat para 2303 R&P, donde se grabó y masterizó. Quien conozca en mayor o menor medida los nombres mencionados verá que este EP ha sido creado "en casa y con los de casa". De Yako siempre se ha dicho, él suele afirmarlo también, que se ha rodeado de los mejores (véanse Sendy, Daviz Logic, etc.), o en cualquier caso productores de cierta relevancia a nivel nacional, pero en esta ocasión lo ha hecho de su círculo, los que participan son sus colegas y sin ser conocidos como veces anteriores han granjeado un sonido mucho más que decente.

Me encanta este trabajo, me encanta Yako en estos beats y me encanta que siga en el TOP después de una larga carrera a sus espaldas haciendo en cada momento poco más que lo que le da la real gana. Mientras que los de su quinta son hoy dinosaurios a punto de extinción aun cogiéndose a la moda de turno como si no hubiera un mañana, Yako Muñoz suena a futuro, su música es perenne.

El fin de la comedia

Hoy pasamos revista a El fin de la comedia, una serie española (sí, española) que ha emitido Comedy Central y que comentamos por su estilo, por su concepto del humor y por el carisma de su excéntrico personaje: Ignatius Farray.

Haciendo suyo un formato al más puro estilo Louie, El fin de la comedia sigue los pasos de un cómico peculiar llamado Nacho y cuyo nombre artístico es Ignatius Farray. Ignatius es un monologuista de stand-up comedy con un aspecto que parece copiado de Allen Ginsberg y que se declara fan de Richard Pryor.

En los seis capítulos de la serie vemos cómo es Ignatius fuera de los escenarios, somos testigos de cómo tiene que luchar por la custodia de su hija mientras intenta ganarse la vida como monologuista. Se nos dice del protagonista que tiene un trastorno obsesivo compulsivo, que es un adicto a la pornografía y también a los libros y efectivamente así nos presentan a Ignatius, como un egocéntrico que está pasando por la crisis de los 40 y como un entrañable perdedor con el que es fácil sentir empatía.

El fin de la comedia destaca por su humor singular, más cercano a un humor alternativo que no al de las conocidas comedias de este país, y eso ciertamente es de agradecer. A destacar especialmente el capítulo número 5 llamado Pepinillos agridulces, el que es probablemente el mejor episodio de la serie y que está repleta de situaciones sin sentido.

La serie ha adaptado el modelo de la serie americana Louie protagonizada por Louis C.K, pero en nuestro país este formato ya lo habíamos visto con ¿Qué fue de Jorge Sanz? e incluso lo estamos viendo actualmente con El crac, emitida en TV3 y con Joel Joan como protagonista. Por eso es lógico pensar que esta no es una serie original, pero tampoco no pretende serlo, exponen claramente sus influencias y además hacen mofa de ello, y hay que decir que les ha salido genial.

No sabemos si El fin de la comedia provocará efectivamente la desaparición de ésta, pero nos alegramos de que en este país se empiece a apostar por una manera diferente de hacer entretenimiento, alejándose de las comedias habituales, arriesgándose con formatos diferentes y, por qué no decirlo, de un humor también distinto. 

Mujeres pintadas por mujeres: Berthe Morisot

Berthe Morisot fue una pintora impresionista francesa que nació el 14 de enero de 1841 en Bourges. Criada en una familia burguesa, fue animada junto con su hermana Edma a iniciarse en el mundo de la pintura, y ambas fueron educadas por los maestros Geoffroy-Alphonse Chocarne y Joseph-Benoît Guichard. En 1858 las dos hermanas entraron como copistas en el Museo del Louvre y allí otro maestro, Achille Oudinot, las animó a salir a pintar al aire libre. Gracias a los nuevos contactos que obtuvieron conocieron a Camile Corot, un importante pintor de paisajes, que las influyó de manera notable. 

En 1860 Berthe continuó su carrera en solitario tras el matrimonio de su hermana Edma. Si la temática general de su pintura se había limitado al ámbito doméstico, a partir de este momento creció aún más, retratando casi siempre a sus hermanas y sobrinos. En 1868 Berthe conoció a Manet, el famosísimo pintor impresionista, e inció una estrecha relación artística con él, la cual aumentó tras el enlace entre Berthe y Eugéne Manet, el hermano del pintor, en 1874. Berthe posó para Manet en su cuadro El balcón, actualmente en el Museo D'Orsay de París. 

El balcón

Tras exponer en el Salon entre 1864 y 1868, Berthe se unió al grupo de artistas que comenzaron a mostrar sus obras en las exposiciones impresionistas. En 1874 participó en la primera exposición impresionista con La cuna. Su relación con los pintores de este movimiento fue estrecha y frecuentes las reuniones en su casa con artistas e intelectuales de la época. Tras la muerte de Manet en 1883, organizó una exposición en su honor con la ayuda de Claude Monet, Émile Zola y otros artistas. Murió.el 2 de marzo de 1895 en París, a los 54 años de edad.

La cuna

Desde el principio Berthe no consideró la pintura como una mera afición, sino que adoptó una postura radical, que conseguiría acercarla a los grandes círculos masculinos impresionistas. Al igual que otras pintoras del momento como Mary Cassat o Eva Gonzales, fue relegada a la categoría de artistas femeninas por representar escenas de la vida cotidiana, llenas de mujeres y niños, ya que los ambientes masculinos estaban vetados para ellas. Sin embargo, Morisot aprendió la doctrina impresionista y se dedicó a pintar la inmediatez del momento, lo que de cierto modo nos ayuda a conocer el día a día del siglo XIX para una mujer. A pesar de todo, las mujeres pintoras quedaron en un segundo planto a causa de la enorme sombra que proyectaba el movimiento, masculino en un 99%. 

Vista del Puerto, 1869

La madre y la hermana de la artista. 1869-70

Cazando mariposas, 1874

En el gras, 1874

La técnica que desarrolla Morisot se basa en sus inicios en un tratamiento de pinceladas suaves, hasta que evoluciona a un impresionismo más duro, en concreto a partir de 1873, cuando el tratamiento se centra en el color. Mallarmé, poeta y crítico francés, la definía como "polvo volátil": una pintura etérea, con figuras muy introspectivas y melancólicas pero que al mismo tiempo transmiten alegría. 

Retrato de Julie Manet con su perro Laerte, 1893

Mujer cosiendo en el jardín, 1881

Las hermanas, 1869

Mujer arreglándose, 1875

A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición que tuvo un gran éxito. La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.

A pesar de que el siglo XIX fue el inicio de muchas mejoras y cambios para las mujeres, pudiendo ya realizar algunos oficios antes relegados a los hombres, seguían viviendo en el olvido. Esta pintora nos dejó un legado histórico, mostrándonos otra perspectiva del mundo, y unas obras que, en la actualidad, pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares y que en su momento, tuvieron un notable valor y se expusieron en los más altos círculos artísticos. Berthe Morisot fue un ejemplo más de ese pequeño avance, y a la vez tan grande, que visibilizó a las mujeres, no solo como meras modelos en el lienzo, sino como artífices de una creación que podía, y de hecho estaba, al mismo nivel que la de cualquier hombre. Porque sí, las mujeres en la historia y en el arte existen, aunque muchas veces nos olvidemos.

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Cuando la NBA conoció las series (When NBA Met Series)

Hace ya casi un año hablamos de la relación que ha tenido la NBA con la música (When NBA Met Music) y lo que haremos hoy es apuntar el contacto que mantiene la susodicha liga con el mundo de las series de televisión.

La semana pasada estaba viendo el último capítulo emitido de Sons of Anarchy cuando, de pronto, en una escena tremendamente oscura, creí reconocer a uno de los actores secundarios. Dudé de mí mismo por lo extraño de la situación pero estaba muy seguro que aquél tipo que entró en el plano unos segundos fue Carmelo Anthony, la estrella de los New York Knicks, así que entre risas lo contrasté con un colega, quien confirmó mi teoría. Es raíz del cameo de Melo que surge la idea de comentar estas apariciones y descubrir otras que haya pasado por alto así que no dudéis en mencionar las que conozcáis.

Según parece, Anthony es un gran fan de la serie y así lo ha expresado en alguna ocasión en su cuenta de Twitter. 

En esa misma red social es donde encontramos un par de fotos en el propio set, apenas unas semanas antes de su aparición en la serie. Una con Kim Coates (Alex "Tig" Trager) y Bob Thiele Jr. (productor musical de la serie) y la otra con Theo Rossi (Juan Carlos "Juice" Ortiz).

El personaje interpretado por Melo es poco más que un lacayo de "los malos", su función es la de avisar de una llamada y darle a otro de los personajes un cuchillo con el que no hacer nada bueno. Su única frase es "we got a call.", cuatro palabras que dan para mofa en internet. Sus limitadas dotes de actor son evidentes por lo que parece que el baloncesto es la mejor opción.

Sin embargo, es su último cameo pero no el único. En 2012 participó en el segundo capítulo de la cuarta temporada de Nurse Jackie, una comedia dramática protagonizada por Eddie Falco (Carmela Soprano en Los Soprano) que Showtime estrenó en 2009.

Un año antes incluso, se le pudo ver en Law & Order: Special Victims Unit, la producción de la NBC, junto a su compañero de selección Chris Bosh, eso sí, esta vez haciendo de lo que son, jugadores de baloncesto profesional.

Otro NBA que sale del parqué para ponerse delante de las cámaras es Kris Humphries, el ex-marido de Kim Kardashian y actual jugador de los Washington Wizards. Kris intervino el año pasado en un capítulo de The Mindy Project, una comedia de la FOX protagonizada por Mindy Kaling (Kelly Kapoor en The Office).

Hacia una vertiente más educativa apuntó el center de los Clippers, Blake Griffin, cuando hizo una fugaz aparición en Sesame Street (Barrio Sésamo) enfrentándose a una gallina en un concurso de cacareo.

De pívots va la cosa, Pau Gasol, el 5 español más famoso, está más que integrado en Estados Unidos tras los 13 años que lleva jugando en la NBA. Prueba de ello son sus cameos en series tan típicas como C.S.I. Miami o Numb3rs. En ésta última compartía plano con Jordan Farmar, compañero en Los Angeles Lakers en aquél momento.

Y hablando de Farmar, además de en la exitosa serie de la CBS también ha tenido tiempo para dejarse caer por Entourage. De hecho, el séquito de Vincent Chase se ha cruzado con una larga lista de jugones de la NBA, quizá es la serie que más jugadores ha acogido en su reparto. Además de Jordan Farmar hemos podido ver a Lamar Odom, Steve Nash, Chris Bosh, Kevin Love, Amar'e Stoudamire, LeBron James e incluso al propietario de los Dallas Maverics, Mark Cuban, que se apunta a un bombardeo a pesar de no ser jugador.

PD: ¿Reconocéis a los que salen en portada? Una pista.

Teatro: Antonio y Cleopatra, de William Shakespeare

“Las malas noticias son de naturaleza infecciosa para el que las refiere”

Basándose en las 'Vidas Paralelas' de Plutarco -como hizo en otros casos como en Julio César- Shakespeare nos narra los últimos años de la vida del general romano Marco Antonio, años en los que tuvo relaciones amorosas con Cleopatra, reina de Egipto.

Aún sin estar entre las mejores tragedias del autor, algo normal teniendo en cuenta la gran cantidad de obras maestras que llegó a escribir, esta obra realista e histórica que trata a la vez la política y el amor sigue estando al nivel de los grandes libros de otros autores como el Fausto de Goethe o el Tartufo de Molière.

La obra se presenta con Antonio en Alejandría, esclavo de la belleza de Cleopatra. Pero éste es reclamado por la muerte de su esposa Fulvia y por varios asuntos políticos. De vuelta en Roma se encuentra con su antagonista Octavio César, disparidad que cae cuando el protagonista y la hermana de César se casan, aunque este suceso provoque los celos de Cleopatra.

Al poco tiempo Octavia (hermana de César) es abandonada por Antonio, quien regresa a Alejandría para caer en los brazos de Cleopatra de nuevo. Pero poco después Octavio toma represalias y lo persigue hasta Alejandría junto con su ejército, donde les espera a los protagonistas un trágico final.

En el mundo de Antonio y Cleopatra no hay absolutos, no hay paz ni estabilidad, cada personaje se mueve por sus impulsos itinerantes.

El personaje de Cleopatra es considerado uno de los mejores papeles femeninos que se han escrito, tanto por su carácter grandilocuente como por el patetismo que destila durante toda la obra.

Un hombre de honor y batalla que cae a los pies de la indecente lujuria (como el propio Antonio dice). Una historia que hace chocar la pasión y el poder reduciendo al hombre a la nada. Así es Antonio y cleopatra.

Joseph L. Mankiewicz adaptó la obra de Shakespeare a la gran pantalla en una superproducción americana en el año 1963 bajo el título de 'Cleopatra'.

Descubriendo a Gabriel Fauré

La sutil y clásica música de Gabriel Fauré carece de virtuosismo, utiliza en su mayoría formas intimas como la canción, la música de cámara y las piezas para piano de un movimiento.

«El artista debe amar la vida y mostrarnos que es bella.

Sin él viviríamos en la duda»

"Solo tiene un defecto, que en los artistas es una cualidad: la

falta de ambición"

                                      Saint Saëns sobre Fauré

"Se ha dicho que mi requiem no expresa el miedo a la muerte y ha habido quien lo ha llamado un arrullo de la muerte. Pues bien, es que así es como veo yo la muerte: como una feliz liberación, una aspiración a un felicidad superior, antes que una penosa experiencia… ¡después de tantos años acompañando al órgano servicios fúnebres! Me lo sé todo de memoria. Yo quise escribir algo diferente"

P.A.W.N. GANG; Barnanistán

A finales de la década pasada aparece en Barcelona un O.V.N.I., la P.A.W.N. Gang. La squad catalana es objeto de críticas, el notable hateo forma parte de su trayectoria, podríamos asegurar incluso que sin la mofa y las críticas no habrían llegado donde están, al menos no con esta rapidez. También son voladores, puesto que consumen suficiente marihuana como para no aterrizar nunca, hablaremos de eso después. Y sin duda, no identificados, ya que me atrevería a decir que el 50% de su público no entiende por qué hacen qué; y el porcentaje aumenta a medida que incorporas variables en los oyentes como vivir fuera de Catalunya o seguir atrapado en la concepción errónea del hip hop en España. De todo esto y de más estuve hablando con ellos en el blac.

Empecemos por el principio, hace casi tres años Yung Mare The Owner, Lil Guiu y Tyle Da Deala se unen para grabar algo de música en el KN Studio de DJ Nesk. Llegan a lanzar una mixtape bajo el nombre de From Di Soul en la que tienen temas producidos por el propio Nesk además de remixes con beats de USA, de Watch The Throne, por ejemplo. Tyle rapea en francés mientras que Guiu lo hace en inglés y Mare en castellano. Su intención, dicen, era la de hacer música, sin grandes aspiraciones o espectativas, pero en serio.

Nada que ver con lo que se estaba gestando de forma paralela, como muchas de las mejores cosas, surgió casi sin quererlo. Hablando de cómo supe yo de su existencia, me cuentan que el embrión de lo que es la PAWN Gang hoy podría considerarse el "Teuma Swag (Sofa Hercules)". Todo el mundo tiene un colega que se duerme siempre, el típico que se conoce a la perfección todos los sofás de sus colegas (S/O a mi hombre Cho), pues Teuma (el primero que veis aparecer en EVIDENTMENT) parece que es ese tipo de colega y para acrecentar las risas que se traían con la coña, Lil Guiu decidió hacerle un tema. Este fue el resultado, una canción cargada de autotune con un "videoclip" grabado desde un móvil y en el que se aprecia un gran despliegue técnico de cooking dance y la nula preocupación de Guiu por el qué dirán.

La influencia de Lil B aka TheBasedGod es más que evidente y marca, en parte, el sonido de lo que será su squad. La Pretty Ass White Niggas Gang acaba siendo el resultado de mezclar las ganas de hacer música y el saber hacer de From Di Soul apuntando en una nueva dirección e idioma. Se vieron sorprendidos por el tirón que parecían tener esas canciones de risas y en el idioma que habían decidido dejar fuera en FDS por el poco alcance que, supusieron, tendría.

En esta nueva aventura se cae Tyle (aunque lo veremos en feats) y se unen Good Jan, hermano de Lil Guiu, Monra Swag y Teuma Swag. Al menos que rapeen habitualmente, puesto que son un buen puñado entre una cosa y otra, de hecho, ese mismo día conocí a Valera aka tu chico 37 pares de zapas, quien produce en Kush'd Up (ojito con estos chavales) y también forma parte de la PG.

Ya sabéis de dónde salen pero ¿qué hacen ahora? Pues son el máximo exponente del drill en España. No es que yo conozca la totalidad de grupos del país pero os reto a que encontréis a alguien que hiciera drill en 2012 más allá de los remixes del archiconocido I Don't Like de Sosa. Prácticamente los pioneros del género, indiscutiblemente lo son del mismo en catalán.

Por otra parte, es una lástima ver a gente que les gusta o que lo critican pero no son conscientes que las letras, las pintas o incluso los gestos son made in Chicago. Puede gustarte sin saberlo pero seguro que no lo disfrutas de igual forma. Algo parecido pasa con la codeína (shout out a mi hombre Alen que nadaba en Sprite sucio ya en 2011), este último año ha sido un contínuo postureo de críos con el jarabe; a algun verdadero quinqui se le ha vendido la botella de toseína a 20 euros por querer aparentar.

Se mire como se mire, la PAWN Gang trajo algo nuevo y recibió cierto rechazo por ese miedo castizo a lo desconocido, a lo diferente; recordemos también que hasta hace a penas dos días era usual oír aquello de "yo no escucho rap en inglés porque no lo entiendo" o "vas de americano y no lo eres", no es el mejor de los ambientes para hacer música en catalán inspirada en USA. Sin embargo, ese rechazo ha ido disminuyendo con el paso del tiempo y, se espera, será menor aún en un futuro.

Alejándonos un poco de lo estrictamente musical les pregunto por el cannabis, me recibieron con "un saco de hierba sobre la mesa" que diría Elsso, así que era un tema a tocar. Coincidimos en la criminalización que sufre su consumo y la desinformación sobre las consecuencias de éste en la salud. Era algo que me esperaba, pero mi sorpresa viene cuando me cuentan sobre el ambiente liberal en el que se han críado, en cada una de sus casas el consumo de marihuana era algo aceptado y han podido disfrutarlo como mejor han sabido. Guiu dice notar como el fumar le ha hecho perder ese "sentido común" que dice tener todo el mundo a la vez que ha ganado en otros aspectos y que no se pone límites en cuanto al verde. Para Good Jan es algo que le aporta vitalidad, "yo me levanto por la mañana los días que no trabajo, me fumo un porro y me entran ganas de hacer millones de cosas", asegura. Cerramos el tema entre anécdotas y risas al decir Yung Mare lo mal que le sabe que alguien deje de fumar, la tristeza invadió el ambiente cargado de humo.

Obviamos el beef a Corredores de Bloque; la (no) relación con Steve Lean, quien produjo y aparece en iMPARA MiXTAPE, su primer trabajo concebido como tal; y les planteo la idea de sacar un LP. Están mucho más predispuestos a ello de lo que imaginaba pero dicen querer aprovechar el tirón que llevan y grabar su segunda mixtape (El Retorn Dels Jedis) mientras siguen haciendo cosas con la gente de Ibiza Hip Hop Players; Toni Pla, Cristo Corona y compañía.


Mucha gente -lo creáis o no, ya son un todo un fenómeno en Barcelona y fuera de ella- está esperando con cierto ansia otro trabajo que echarse al oído pero la verdad es que su ritmo de producción es altísimo, raro es el mes que no tienes un par de temas pendientes de escucha.

Con respecto a la jerga, el joves nais no usan un slang ecléctico, cogiendo de aquí y de allí conceptos a causa de la multiculturalidad de las grandes ciudades como Barcelona o Madrid. Aunque oigamos guiños al Chicago que tanto adoran (véase thotiana), prácticamente la totalidad de los términos son de cosecha propia. Esto dificulta su comprensión exacta y por tanto, la reproducción; ante esto algunos de sus simpatizantes los acosan en busca de definiciones y otros se aventuran a usar la jerga de forma completamente errónea en ocasiones. Esto dejará de ser un problema ya que nos cuenta Yung Mare que lleva algun tiempo dándole vueltas a la idea de hacer un pequeño (o no tan pequeño) glosario para que no hayan barreras en cuanto a la comprensión.

A modo de conclusión añadiría que guste o no, estos chavales son cuanto menos interesantes y aportan variedad al panorama nacional, había un vacío y ellos han sabido llenarlo con gusto, a los hechos me remito. En particular en este blog se les apoya al 100% y nos alegra que haya quedado atrás el tomarlos a broma, la P.A.W.N. Gang va muy en serio, pero no me creáis a mí, tan solo dadles tiempo.

Interstellar (ídem, 2014) de Christopher Nolan

"Cada película debe tener su propio mundo, una lógica y sentir que se expande más allá de la imagen exacta que el público está viendo"

Christopher Nolan

En una época apocalíptica en la que el futuro de la humanidad corre serio peligro, un grupo de exploradores liderados por el piloto Cooper (Matthew McConaughey) y la científica Amelia (Anne Hathaway) son enviados a otra galaxia en una misión desesperada por encontrar un planeta que cumpla las condiciones necesarias para la vida humana.

Christopher Nolan traslada sus habituales reflexiones -¿o deberíamos decir obsesiones?- acerca de la relación entre espacio y tiempo al espacio exterior -valga la redundancia- en una ambiciosa cinta que sin duda no alcanza las cuotas pretendidas por su realizador.

Por la red se pueden leer las más entusiastas críticas acerca de Interstellar, incluyendo algunas que la califican de obra maestra. Nada más lejos de la realidad. El último filme de Nolan posee todos los tics clásicos de las grandes producciones estadounidenses: Un desmesuradamente heroico protagonista; escenas de acción completamente innecesarias que rompen, en este caso, con la atmósfera reflexiva de la historia; un guión pretencioso que flaquea por todos lados; un final excesivamente explicativo que ofrece demasiadas respuestas a unas preguntas que, por si fuera poco, carecían en su mayor parte de interés y los clásicos personajes secundarios con roles humorísticos.

En el caso que nos ocupa, además, hay que añadir una terrible previsibilidad de los acontecimientos y una más que excesiva duración, que nos mantiene tres largas horas ante el despropósito que vemos en pantalla.

Y se preguntaran ustedes: ¿Hay algo que salve el espectáculo? Pues sí, también hay cosas a destacar positivamente en Interstellar, aunque no sean muchas. Por un lado, los intachables efectos especiales, con imágenes que recuerdan irremediablemente a 2001: Una odisea en el espacio, de la que este filme es deudor en el aspecto visual. También la composición musical de Hans Zimmer o la solvente interpretación de McConaughey -y eso que su personaje es de lo peor de la película- valen la pena.

Cuando hacia la mitad del metraje -y después de introducirnos la apocalíptica situación del planeta tierra- la historia se traslada al espacio, sus protagonistas empiezan a encontrarse con situaciones extremas que Nolan aprovecha para inducir reflexiones acerca del paso del tiempo, el amor o la misma humanidad. La realidad, empero, es que el director y guionista londinense no es Andrei Tarkovsky, y sus pensamientos trasladados a esta película resultan de escaso interés intelectual.

El tramo final, en el que el protagonista y su hija son quienes salvan nuestra especie, resulta hasta bochornoso, tanto por previsible como por tópico. Pongan en una coctelera Gravity, Origen y una versión fallida y hollywoodiense de 2001: Una odisea en el espacio y Solaris y obtendrán como resultado Interstellar, seguramente el peor trabajo de Christopher Nolan.