Cuando la NBA conoció la música (When NBA met music) [TOP 10]; Parte IV

[Parte III]

Pues acabamos con esto la serie de entradas de When NBA Met Music, llegamos al TOP 10 definitivo de jugadores que podríamos ver en cualquier momento sobre el parquet pero que no han hecho de ésta su única ocupación.

10. Kobe Bryant - K.O.B.E [LAL]

En el décimo puesto es para Black Mamba, no se lo digáis que sabiendo lo competitivo que es se lo tomaría realmente mal, nadie negará su gran talento baloncestístico (su carrera es prueba de ello), pero en cuanto coge un micro la cosa cambia. Que se olvide de esos 5 anillos, de los MVP's y de los 81 puntos, de lo que más orgulloso debería sentirse Kobe es de poder escucharse en este tema junto a las Destiny's Child.

9. Tony Parker feat. Fabolous & Booba - Top Of The Game [SAS]

Justo por encima de Bryant colocamos a 'Oh la la' Parker, el pobre Tony -victima del sufrimiento al que le condenó la atractiva arpía de Eva Longoria y blanco de los cristales rotos que volaron en un club cuando Drake y Chris Brown (o sus respectivos séquitos) armaron una batalla campal- tiene cierto recorrido musical y su mayor hito es seguramente esta colaboración con su compatriota Booba y el underrated neoyorquino Fabolous.

8. Marquis 'Q6' Daniels feat Dee Boi - Kome Here Nikki [FA]

El agente libre Marquis Daniels ocupa la octava posición, quizá le recordaréis de entradas como Chain of Fools & Fools Wearing Chains. Por supuesto, no pierde ocasión para mostrar la chain de su propia cabeza, podéis verla en el 2:21:

7. Ron Artest 'MWP' feat. Mike Jones - Get Lo [NYK]

Algunos reclamabais en twitter el Champions de Metta World Peace aka Ron Ron aka Ron Artest aka La Sharkeisha del Codo, si bien es cierto que está incluido en la BSO del NBA 2K11, no podíamos dejar pasar el tema que tiene junto a Mike 'Iced' Jones y compañía, quien fue, por cierto, firme candidato a la entrada antes referenciada.

6. Carlos Arroyo feat. Yomo - Se Va Conmigo [GSK]

Pero dejémonos de tanto hip hop, desde el Galatasaray SK llega el puertoriqueño Carlos Arroyo, exjugador de la NBA en equipos como Miami o Boston, en este tema de reggaeton con Yomo:

5. Lou Williams feat. Meek Mill - I Want It All [ATL]

Abre el TOP 5 el base de los Atlanta Hawks, Louis Williams. El ex de Phila se codea con Meek Mill, el miembro de MMG, para grabar el videoclip del tema I Want It All:

4. Kevin Durant feat. Priviledge - Wired [OKC]

Durantula aka Kevin CuerpoEscombro aka 11 partidos seguidos por encima de los 30 puntos apareció rapeando en un tema producido por Boi-1Da junto a su colega Priviledge en 2012 por primera vez. En SoundCloud podéis encontrar alguno que otro más bastante reciente. Es curioso que en la mixtape 'Jack of All Trades' de Stephen Jackson podamos escuchar un tema de ambos titulado Lonely at the Top.

3. Stephen Jackson 'Stak5' - Shot Caller (Remix) [FA]

Stephen Jackson es de Port Arthur, inevitablemente a todos nos vienen a la cabeza UGK, y aunque lleve fuera de casa desde el '97 podría haber construido una gran influencia musical en ese aspecto. Quizá era Sides Hustlas (por ser coetáneo, no el mejor) lo que sonaba en su coche cuando ganó el anillo en 2003 con los Spurs. Stak5 da una posible muestra de ello al titular su mixtape TRILLmixes, y digo que es posible porque ya han desvirtuado el término originario de Underground Kingz. Aquí tenéis el 'TRILLmix' de Shot Caller, el banger de French Montana producido por Harry Fraud:

2. Iman Shumpert '2wo 1ne' feat. PhlyyB - Anarchy [NYK]

Shump, el hombre que posee (poseía) el flat top más molón de la historia después del de Ivan Drago sacó hace menos de 2 años una mixtape bajo el aka de 2wo 1ne, grabó un Knicks Anthem en un remix de Clique, el tema de Kanye West, Big Sean y Jay Z, e incluso hizo un tema contestando a las líneas de Kendrick Lamar en Control llamado Dear Kendrick, es un chaval comprometido, al fin y al cabo no es tan desastroso como podría.

1. James Harden x Stephen Curry - Harden Soul [HOU] x [GSW]

El primer puesto es sin lugar a dudas para LA BARBA y Steph Curry por su anuncio de Foot Locker y lo que hay detrás de él.

El anuncio ya es absolutamente excelso pero es que el tema completo de Harden y el remix de Curry pasarán a la historia. Permitidme que resalte una línea del primer tema: 'I WORK SO HARDEN TO BE WITH YOU'. Brutal.

La hierba errante (Ukigusa, 1959) de Yasujiro Ozu

"Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres meros actores: tienen sus salidas y sus entradas; y un hombre en su tiempo interpreta a muchas partes..."

William Shakespeare

Cuando un grupo de actores ambulantes viaja a una pequeña población portuaria, el director de la compañía se reencuentra con una antigua amante y su hijo, al que hacen creer que es el sobrino de éste.

Remake de un film mudo del propio director titulado "Historia de una hierba errante" (Ukigusa monogatari, 1934), en el que Ozu refleja, entre muchas otras cosas, la itinerante vida de los actores de teatro japoneses. Como ocurre habitualmente con el maestro nipón, el film puede servir perfectamente como un retrato costumbrista de una época, una sociedad y unas personas concretas.

Magistral en sus formas, la película es un perfecto ejemplo del cine de su autor. Con su cámara estática y a baja altura, sus encuadres milimétricos, su perfecto uso del color y su ritmo pausado y reflexivo, Ozu nos invita a acercarnos a la sencilla a la vez que compleja vida de unos personajes perfectamente construidos que hacen frente a aquellas cuestiones vitales de las que nadie puede escapar, aquellos temas universales que nadie en el cine ha sabido tratar como el japonés.

La hierba errante no se focaliza en un único drama. Mientras atendemos a la dura vida del actor, sumida en la pobreza y sin opción de echar raíces -de ahí el título del film-, asistimos a un drama familiar provocado en parte por este último elemento. Así, indagaremos en los sentimientos de un hombre que no ha sabido ser un buen padre, de una joven pareja enamorada, etc. 

Hay que decir que, además de la excepcional virtud de Ozu a la hora de concebir los planos y encuadres, deja buena muestra de su capacidad simbólica. El joven enamorado que aparece a oscuras, la separación del maestro y su enamorada bajo una intensa lluvia o su reconciliación al compartir el fuego del encendedor son algunos buenos ejemplos. 

La hierba errante es, en definitiva, un excelente largometraje, de primera categoría. Uno más de este gran genio llamado Ozu, cuyo arte está impregnado de una sabiduría sin parangón en el mundo del cine.

The Office, la mejor sitcom de los últimos 10 años

Hace casi un año del final de esta magnífica serie y viendo las cosas con más perspectiva y revisionando algunos capítulos, puedo asegurar que The Office ES la mejor comedia de los últimos 10 años. 

El final de Friends allá por 2004 dejó un hueco en la parrilla televisiva de la NBC que parecía insustituible, y otras cadenas intentaron tomar el barco (véase CBS con 'How I met your mother'). Parecía que se les había acabado la imaginación a los de la NBC pero hicieron lo que hacen todos los directivos en Estados Unidos cuando no tienen ideas: hacer un remake de algo. Y así es como dieron con “The office” en la BBC, que había arrasado en los BAFTA y había conseguido la aclamación prácticamente unánime en UK. La NBC contrató a Ricky Gervais y así volvieron a tener a una nueva gallina de los huevos de oro.

The Office trata el día a día de una oficina en Scranton, Pennsylvania. La oficina es una filial de Dunder Mifflin, una empresa que se dedica a vender papel. La serie está gravada en falso documental, cosa que permite a los personajes mirar a cámara y hablar directamente a ella. Los episodios suelen durar unos 20 minutos aunque hay capítulos especiales de 40 y hasta de 60 minutos.

La serie consta de 9 temporadas y 187 capítulos y es lógico que durante todo ese tiempo haya capítulos que bajen el nivel de los otros, pero os aseguro que, personalmente, nunca me he reído tanto con una serie. La primera temporada solo tiene 6 capítulos y al acabar sobrevolaron sobre ella rumores de cancelación, pero la serie continuó y es en la segunda y tercera temporada donde se afianza como comedia y nos regala grandes carcajadas.

Personajes: es una serie bastante coral pero he querido mencionar los más relevantes a mi parecer.

Michael Scott (Steve Carrell): es el personaje central de la serie y también el jefe de la oficina. Es un personaje al que se le ama o al que se le odia. Michael es intolerante, racista e incompetente, pero todos esos aspectos negativos de su comportamiento los difumina con un gran sentido del humor y un gran corazón.

Dwight Schrute (Rainn Wilson): neurótico y con un toque psicópata, es el brazo derecho de Michael en la oficina. Vive en una granja y su mayor sueño es ser el director de la oficina. Es un personaje odioso a primera vista pero que nos regala los mejores momentos de la serie. Se acaba convirtiendo en uno de los personajes más queridos por sus excentricidades y sus salidas de tono.

Jim y Pam (John Krasinski y Jenna Fischer): son la pareja de la oficina. Típico amor de oficina entre la recepcionista y un vendedor. En algún momento su relación puede llegar a ser empalagosa, pero tienen ciertos puntos cómicos muy divertidos.

Kevin Malone (Brian Baumgartner): uno de los contables de la oficina. Kevin es ingenuo, tonto, obeso y hasta cabezón. Otro personaje gracioso, sino el que más. Su estupidez es su gran atractivo y es por ello que se gana el cariño de la oficina y de los espectadores. Algunos de sus comentarios rozan lo surrealista y es, para muchos, el personaje más divertido de la serie.

Stanley Hudson (Leslie David Baker): es un trabajador de la oficina que lo único que hace es hacer crucigramas y pasar las horas sin hacer absolutamente nada. Parece que todo le es indiferente y no le importa lo más mínimo la empresa mientras él siga cobrando y pueda jubilarse pronto.

Creed Bratton: mi personaje favorito de la serie es curiosamente el que menos aparece. Y es que puede desaparecer durante varios capítulos y luego aparecer durante 5 segundos. Sus escenas siempre son divertidas, sin ningún tipo de sentido lógico y puede que hasta perturbadoras. No está claro cual es su cometido dentro de la oficina pero seguro que no seria lo mismo sin él.

Si todavía no os he convencido os dejo un par de escenas para que degustéis esta gran serie infravalorada en España.

El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie,1972) de Luis Buñuel

"La burguesía no solo forja su propia destrucción, sino también a su propio sepulturero: el proletariado"

Karl Marx

Seis miembros de la alta burguesía, entre los que se encuentran el embajador de la ficticia República de Miranda en París (Fernando Rey), el matrimonio Sénéchal (Jean-Pierre Cassel y Stéphane Audran) y el matrimonio Thévenot (Paul Frankeur y Delphine Seyrig) -siempre acompañados por la hermana de la señora Thévenot (Bulle Ogier)-, tratan de reunirse para cenar pero se ven interrumpidos constantemente por las más extrañas situaciones imaginables. 

En la parte final de su trayectoria como cineasta, Luis Buñuel, establecido en Francia, solía colaborar con Jean-Claude Carrière en la elaboración de los guiones. El discreto encanto de la burguesía no fue una excepción. 

Este film es una sutil crítica a la clase burguesa y a las instituciones religiosas y militares. Buñuel se ríe de estos grupos sociales desde la distancia; no entra al cuerpo a cuerpo, sino que los ridiculiza con gran elegancia e ingenio.

La narración se construye a través de la constante repetición de una misma situación: Un grupo de personas que se reúnen para cenar pero que se ven interrumpidos por un motivo u otro. El hecho de que se introduzcan sueños e incluso sueños dentro de estos mismos en el relato hace que por momentos el espectador ignore si lo que está viendo en ese momento es la realidad o no.

Los elementos surrealistas característicos del cine del director aragonés se hallan muy presentes en esta obra, y ayudan a la expresividad del film mediante el simbolismo, así como también al disparate ilógico inherente al movimiento artístico mencionado.

La genialidad del de Calanda se hace patente en el mensaje que nos lega este trabajo; el de una clase social que avanza sin detenimiento -pese a sus esfuerzos para evitarlo- hacia la inevitable muerte y desaparición. 

Esta muerte es una constante dentro de la película. En todos los sueños e historias que se cuentan se hace presente, sin falta. Además, se intercala entre los distintos episodios la imagen del grupo de protagonistas avanzando en una carretera en medio de la nada hacia un punto sin fin, en un viaje de no retorno. 

Esta siniestra visión del futuro de la burguesía se ejemplifica de igual modo en la ausencia total de música a lo largo del metraje. Durante su totalidad, incluidos créditos de apertura y finales, no escuchamos una sola nota musical. Un silencio muy elocuente acompaña a unos personajes destinados a la muerte. La banda sonora del fin de la vida, el silencio, la nada.

Para concluir, apuntar que El discreto encanto de la burguesía se llevó el Oscar a mejor película de habla no inglesa en 1972. Merecida recompensa para una obra que aúna todas las virtudes de su realizador.

La trágica historia de la familia Clutter

Los Clutter podrían ser considerados a primera vista como la típica familia estadounidense, la culminación del sueño americano y la realización del American way of life. Herbert Clutter era el padre, conocido en todo el pueblo por ser un hombre de bien y poseedor de varios campos en la zona; la madre era Bonnie Clutter, Bonnie era su fiel esposa pero sufría de depresión. Los Clutter tuvieron 4 hijos (3 chicas y un chico), dos de las cuales ya se habían independizado. Nancy, de 16 años, era su tercera hija y era la chica perfecta: guapa, inteligente y era también la más popular del instituto; todo lo contrario de su hermano Kenyan, de 15 años, mucho más introvertido y tímido.

La familia Clutter vivía en el pequeño pueblo de Holcomb, en el estado de Kansas. Holcomb bien podría haberse convertido en el Macondo de los Estados Unidos y los Clutter podrían haber sido los Buendía. Pero al contrario que el pueblo creado por García Márquez, Holcomb era real, y lo que pasó allí el 15 de noviembre de 1959, también lo fue.

Dick Hickock y Perry Smith aterrizaron en Holcomb después de un viaje en coche que les había hecho cruzar medio país. Estos dos pintorescos personajes se conocieron en la cárcel y fue allí donde Dick le contó a Perry que su plan al salir era atracar a un terrateniente local que tenía una fortuna en una caja fuerte y luego ir a México.

La medianoche del 15 de noviembre, Perry y Dick entraron en casa de los Clutter y maniataron a todos los integrantes de la familia. No consiguieron más que 50$ y esa supuesta caja fuerte, al parecer, jamás existió. De todas formas, mataron a todos los miembros de los Clutter y salieron hacia México. Al día siguiente todo el mundo quedó conmocionado, no solo los habitantes de Holcomb, sino de todo el Estado. Este suceso alteró la vida cotidiana de los habitantes de Holcomb y empezaron a desconfiar de ellos e incluso a incriminar a otros.

Los investigadores de los asesinatos se quedaron perplejos ante la casi ausencia de pruebas e indicios que seguir ya que era una familia muy querida en la zona y, aparentemente, no se habían llevado nada de valor. Pese a eso, consiguieron atrapar a Perry y a Dick por una confesión de un compañero de Dick en la cárcel, que fue el que le había dado la idea. En el juicio los condenaron a muerte.

Este caso llegó a los oídos del reputado periodista Truman Capote y enseguida se involucró de lleno. Dedicó 6 años de su vida a conocer a los asesinos y mantuvo una estrecha relación con Perry Smith mientras éste estuvo en el corredor de la muerte. Este caso afectó mucho a Capote que busco refugio en el alcohol. Esta investigación por parte de Truman Capote fue llevada al cine con la película “Capote” en 2005 por la que Philip Seymour Hoffman fue galardonado con el Oscar a mejor actor.

El 14 de abril de 1964 Perry Smith y Dick Hickock fueron colgados en la horca. Dos años después, Truman Capote daría luz al embrión que se había estado gestando durante esos 6 años, publicó “A sangre fría”. El libro recibió elogios de la crítica y colocó a Capote en el foco de las celebridades del momento. Pese a eso, Truman Capote ya no volvería a ser el mismo y ese fue su último libro.

Quizás los Clutter no fueron los Buendía, pero Truman Capote sí fue García Márquez. Con “A sangre fría”, Capote inició lo que sería dominado como el Nuevo Periodismo, corriente que luego siguieron autores de talla de Tom Wolfe.

"Los militares no pierden el sueño. Asesinan y encima les ponen medallas. Las buenas gentes de Kansas quieren matarme y algún verdugo habrá que este encantado de hacer el trabajo. Matar es muy fácil" -Perry Smith

Cuando la NBA conoció la música (When NBA met music); Parte II

[Parte I]

Seguimos en esta historia de baloncesto musical (#NoHighSchool) con jugadores que ya no encontramos en el parquet.

Chris Webber aka C. Webb (#NOSPUD), ese gran jugador 1st pick en el draft de 1993 que tuve el placer de disfrutar en Detroit durante un corto periodo de su ocaso deportivo, es un tipo muy activo, tras retirarse pudimos verle comentando partidos, escribió un libro, mostró interés en el cine, tuvo algo que ver en Sacramento Kings, montó un restaurante allí, etc. Por lo que no debería sorprenderle a nadie su faceta musical, C.Webb ha publicado un LP titulado '2 Much Drama' en el que encontramos colaboraciones de Kurupt y Redman, pero eso no es todo, además ha producido para Nas dos canciones, "Blunt Ashes" y "Surviving the Times". Poca broma con el 4 de los Kings natural de Detroit.

El 2008 fue un mal año para la NBA, fue el año en que se retiró Chris Webber y también en el que Steve Francis se fue a China. De éste último vamos a hablar, Francis ha emprendido varios proyectos empresariales, incluyendo una empresa de construcción, promotoras de boxeo, una peluquería y línea de ropa, así como un sello discográfico, Mazerati Music.

Es uno de los jugadores que ha estropeado el consumo de drogas, pero parece haber salido mínimamente de pie del asunto. Steve Franchise se ha movido en el mundo del hip hop mediante el sello que hemos comentado, además del videoclip que os mostramos podéis verle junto a Drake, French Montana y un tío que es la mezcla de Jim Jones y Redman o con Killa Kyleon en H-town.

Otro que abandonó la NBA en 2008 fue Troy Hudson, el base pasó sin pena ni gloria por la liga no siendo drafteado y jugando pocos minutos allí donde iba. Musicalmente no fue mucho más allá, grabó un disco en 2006, Undrafted, en el que colaboraron artistas de la talla de Ray J, Three 6 Mafia o UGK pero las ventas fueron ridículas, 78 copias en la primera semana. T-Hud dijo en una entrevista ser dueño de un sello y haber fichado a 3 artistas de los que nunca se supo. En 2008 sacó una mixtape junto a Dj Kay Slay y el año pasado este single con videoclip:

Y más finales de 2008, Damon Stoudamire, esta vez acompañado por el piston Rasheed Wallace en sus tiempos en Portland, Jail Blazers llamaban a ese equipo de macarras, y con razón. Precisamente a estos dos los pararon en el Hummer amarillo de Damon por conducir sobrepasando el límite de velocidad y acabaron por arrestarlos por consumo y tenencia de marihuana, me imagino la situación como aquella escena de Scary Movie. Para este tema contaron con la ayuda de los neoyorquinos The Beatnuts. Recordad, BALL DON'T LIE:

Baron Davis fue LA BARBA (#NOHARDEN) antes de que las barbas se pusiera de moda, es el jugador que ostenta, si no me equivoco, el record a la canasta de más distancia de la NBA (27 metros), es el único tío capaz de robar el balón aun defendiendo de espaldas y es supuesto miembro de los Bloods.

Baron Davis, a diferencia de los anteriores, no ha grabado álbumes, tampoco videoclips, pero es evidente su gusto por el género y se ha soltado una barras alguna que otra vez, nada mal.

Y llegamos a Allen Iverson aka The Answer aka No-Practice boy aka Crossoverman. A nadie se le escapa AI, incluso sin querer saber quién es habrás visto alguna camiseta suya en los Sixers. Se podrían escribir varias entradas hablando de él, ya sea por la pelea en la bolera que le hizo pasar por el correccional librándose de 5 años de cárcel, por encararse siendo rookie a Michael Jordan y salir bien parado, por sentar a Tyronne Lou y pasarle por encima o por como se mofó de un inocente Howard que intentaba imitar a Garnett.

Iverson entraba al vestuario vestido como cualquiera de los raperos del momento en sus videoclips, se veía venir que iba a escupirle al micrófono más pronto que tarde. Lo hizo bajo el nickname de Jewels grabando un disco titulado 40 Bars que nunca salió a la luz debido a las críticas hacia sus letras y la presión que se ejerció sobre David Stern por ello.

[Parte III]

I got 99 problems, but a beat ain't one; #88 - In Cold Blood

[Beat anterior]

En estos diez posts que llevamos publicados de 'I got 99 problems, but a beat ain't one' hemos visto pasar a casi 15 mc's rapeando sobre los ritmos que Kanye les proporcionaba. Creo que este es un buen momento para hacer una pequeña pausa y mirar hacia atrás, no cabe duda que sus trabajos son de una calidad excelente, él mismo afirma en la entrevista que le hizo Zane Lowe hace unos meses que es capaz de crear la perfección musical, lo que la gente pretende alcanzar cuando se encierra en un estudio, dice que lo logró con My Beautiful Dark Twisted Fantasy, en mi opinión, no va muy desencaminado y al parecer según Pitchfork tampoco (fíate tú de esos hipsters locos jajaja).

Pero no es de sus álbumes de lo que hablamos, Yeezy ha colocado beats en los mejores trabajos del recién iniciado siglo XXI y eso es lo que pretendo corroborar de algún modo con estas entradas. En esta ocasión traigo una instrumental hecha clásico por Scarface, el rapper de H-town miembro de Geto Boys. Face Mob y en conjunto los Geto Boys han sido pioneros en el sur de Estados Unidos, son unos de los grandes nombres que nadie olvida cuando habla del dirty south.

Título: In Cold Blood

Álbum: The Fix

Año: 2002

Autor: Scarface

Sello: Def Jam South / Def Jam Music Group

'Ye no solo pone el ritmo sino que también aparece en los créditos originales como co-escritor de la canción. El beat está basado en el sampleo de dos canciones soul y funk, como es costumbre. La primera es And this is love de Gladys Knight & the Pips y la podemos encontrar en la cara B de su LP Neither One of Us (1973).

En cuanto a la otra, por alguna extraña razón no aparece como sample en ningún lado pero resulta evidente a la primera escucha. Ésta es It takes more del álbum debut de Goapele, Closer (2001). Con el mismo misterio nos encontramos al no poder dar con ella en YouTube así que hemos decidido subirla para que podáis oírla de forma cómoda, sin necesidad de descargarla.

[Beat siguiente]

¿Qué hacemos con Maisie? (What Maisie Knew, 2012) de Scott McGehee y David Siegel

"Todas las familias dichosas se parecen, pero las infelices lo son cada una a su manera"

Frase inicial de Ana Karenina, de Lev Tolstói

Maisie (Onata Aprile), una niña de apenas 6 años, sufre el divorcio de sus padres, una veterana estrella del rock (Julianne Moore) y un exitoso marchante de arte (Steve Coogan). Así pues, debido a la enemistad entre sus progenitores, se verá involucrada en una serie de procesos legales y acabará por hallar amparo en las únicas personas que la atenderán por encima de sus intereses personales, las nuevas parejas de estos (Alexander Skarsgård y Joanna Vanderham).

Adaptación de la famosa novela de Henry James por parte del guionista Carroll Cartwright que McGehee y Siegel dirigen conjuntamente con tal de narrar el sufrimiento de una niña cuyos padres entran en una disputa por poseerla cuando en realidad ambos priorizan su carrera laboral.

Durante el film, asistimos a un seguido de situaciones en las que observamos como Maisie se ve envuelta en una contienda entre adultos que han olvidado el amor; en una sociedad y unos negocios que absorben todas sus energías y les introducen en un laberinto de egoísmo que no tiene fin. 

Ante esta situación, la joven protagonista acaba por sentirse abandonada por los seres que tanto afirman amarla y halla la felicidad en compañía de dos seres humanos, las actuales parejas de sus padres, que se muestran capaces de amar y ser amados, creando así un ambiente mucho más familiar para la niña.

Por lo tanto, podemos discernir en la película una crítica a la sociedad norteamericana, a sus escasos valores familiares y al egoísmo y ultraindividualismo imperante en las vidas de muchos de sus ciudadanos. A su vez, el film reivindica valores como el amor y la cooperación, principalmente a través del personaje de Lincoln (Alexander Skarsgård), el más conseguido del reparto.

Los hechos son expuestos en todo momento desde el punto de vista de Maisie, al estilo de Zazie en el metro (Zazie dans le metro, 1959) de Louis Malle, pero naturalmente sin el contrapunto humorístico de esta ni los rasgos característicos de la Nouvelle Vague. 

El guión está bien trabajado y las interpretaciones son más que correctas -especialmente sorprendente la tierna contribución de Onata Aprile-. La dirección se muestra eficaz e intima desde el inicio de la historia. 

Pese a estos puntos en positivo, la cinta no consigue la trascendencia pretendida, y resulta previsible en más de un momento, a la vez que reiterativa en su exposición. Los personajes están construidos con una excesiva estigmatización y no se consigue impregnar de realismo a los mismos, pese a ser algo muy necesario en una historia como esta.

Así pues, este film independiente resulta a la vez que interesante, incompleto. No es sencillo tratar un tema tantas veces discutido y tan complejo como la separación de unos padres y sus efectos en su hija/o, y por ello no debemos caer en una consideración plenamente negativa del filme, del que se podía esperar algo más.

The Grandmaster (Yi dai zong shi, 2013) de Wong Kar-Wai

"El verdadero artista marcial no vive para. Simplemente vive"

Bruce Lee

La película narra distintos episodios de la vida de dos grandes maestros de las artes marciales, Ip Man (Tony Leung) -quien fuera maestro del ya mítico Bruce Lee- y Gong Er (Zhang Ziyi). A su vez, sirve como muestra de los conflictos acontecidos en China en la primera mitad del siglo pasado.

El regreso a la pantallas de Wong Kar-Wai se ha hecho esperar, y es que este proyecto le ha obligado a dedicar hasta cuatro años de su trabajo. La técnica del realizador Chino y su perfeccionismo hicieron que incluso necesitara semanas de trabajo para rodar un único plano. 

The Grandmaster no es un biopic corriente, ni tampoco un relato de época. En esta película, el estilo del cine oriental de artes marciales se entremezcla, se fusiona e incluso se funde con el cine característico de su autor. 

Dicha unión nos lega una obra de marcado carácter visual e impresionista, que puede ser considerada una obra maestra desde el punto de vista estrictamente técnico.

El poético modo en que Kar-Wai nos cuenta esta historia, con sus elegantes movimientos de cámara, sus recargados escenarios que se permutan con el uso barroco del color, el estudio de los detalles y la perfecta fotografía, resulta deslumbrante.

Como decíamos, la narración se sustenta en distintos episodios -a menudo obviando el factor tiempo- de la vida de dos artistas marciales de la época, especialmente centrados en Ip Man -interpretado por un soberbio Tony Leung-. Probablemente, la concepción unitemporal del cine de este realizador dificulte la comprensión de los hechos, restando coherencia a la narración, pese a que ello aporte mucho a la poética narrativa de la que hablábamos. 

Ip Man junto a su célebre alumno Bruce Lee 

Las escenas de lucha, perfectamente coreografiadas, están rodadas con suma delicadeza, y por momentos recuerdan a una bella danza. Puro arte. Además, debemos comentar que en varios casos el director utiliza las inclemencias meteorológicas en estas luchas, que resultan simplemente impresionantes. 

En conclusión, una reflexión sobre el paso del tiempo y el arte marcial que contiene todas las virtudes del cine de Wong Kar-Wai pero que resulta imperfecta desde el punto de vista narrativo.

Sed de mal (Touch of Evil, 1958) de Orson Welles

"Crea tu propio estilo visual. Hazlo único para ti mismo e identificable para los demás"

Orson Welles

Un agente de narcóticos mexicano (Charlton Heston) llega a la frontera con Estados Unidos junto a su esposa (Janet Leigh) en el momento en que explota una bomba. Tras este trágico suceso, el protagonista se verá envuelto en una turbulenta investigación junto al jefe de la policía local, Quinlan (Orson Welles). Este reputado detective mostrará sus expeditivos métodos y complicará, con la colaboración de la mafia local, la vida de los recién casados.

Uno de los films más conocidos de Orson Welles, Sed de mal es al mismo tiempo uno de sus mejores trabajos. Pese a contar con un escaso presupuesto -más cercano a la Serie B que a las superproducciones Hollywoodienses- Welles puso sobre la mesa todo su talento tanto en la dirección como en la interpretación en este clásico de los años 50.

La película se inicia con un antológico plano-secuencia que a día de hoy es estudiado en todas las escuelas de cine del mundo. Este impecable ejercicio de planificación, puesta en escena y dominio de la técnica con que se abre el film hace un seguimiento de la bomba que estallará para dar inicio al conflicto policíaco de la trama.

El desarrollo de esta deviene en una historia de traiciones y corruptelas entre los distintos departamentos de policía involucrados en el caso y la mafia fronteriza.

Sin duda alguna, el apartado técnico es lo más destacable de esta obra. La vanguardista dirección de Welles -que como siempre iba muy por delante del resto de cineastas norteamericanos en cuanto a las facetas técnicas-, la frenética música de Henry Mancini que acompaña la historia, la fotografía de Russell Metty etcétera.

Pero si hay algo que encumbra Sed de mal son sus interpretaciones. Viendo el poderío de Welles en su papel de Quinlan, todavía es más destacable que Heston y Leigh cumplan con creces. Además, el trío principal viene acompañado por un estelar elenco de secundarios, con nombres como Marlene Dietrich o Dennis Weaver.

Como le solía ocurrir al cineasta de Wisconsin, su film sufrió cortes por parte de la productora, que creyó que el montaje final se podía mejorar. Welles dejó un escrito de 58 páginas en el que especificaba como debía ser la película y gracias a ello hoy podemos ver una versión cercana a la que el enfant terrible del cine americano había concebido.

Escape to North Korea; Pacman & Peso

Me encuentro cabreado (que no sorprendido) con como han ocurrido las cosas en cuanto a un videoclip que lleva una semana circulando por la red haciéndose cada vez más famoso.

Os pongo en situación, un par de chavales de 19 y 20 años residentes en Washington, DC y Gaithersburg, Maryland, con pinta de Chief Keef (negros, como puede presuponerse por el 30% de población afroamericana en MD y con rastas) deciden ponerse a rapear, hasta ahí todo muy normal. El dúo pertenece a Forest Hills Tenleytown Music Group (FHTMG) un sello desconocido de Washington (225 visitas en el perfil de DatPiff), tiene 6 temas colgados en su SoundCloud, una mixtape en la que están incluidos éstos y apenas 300 seguidores en su cuenta de Twitter, con lo que quiero dar a entender la escasa relevancia que éstos tienen.

Bien, pues los mc's en cuestión, dada la dificultad de hacerse un hueco en la saturada industria musical, deciden que han de llamar la atención para destacar entre la multitud y la mejor forma que se les ocurre es viajar al país más hermético del mundo institucionalmente, la República Popular Democrática de Corea (RPDC) conocida como Corea del Norte. Como idea no está mal, pero evidentemente no podían costearse lo que eso supone, así que reunieron poco más de 10.000 dólares mediante la plataforma de crowd-funding Kickstarter y con ellos pagaron sus propios billetes y el de un amigo que les permitiera grabar.

Acompañados por una compañía que organiza viajes en este "exótico" país (Young Pioneer Tours), fomentando así las relaciones diplomáticas con el resto, Pacman and Peso que es como se hacen llamar, grabaron un videoclip de cerca de 2 minutos en los que muestran las frías calles de Piongyang durante el mes de noviembre.

"Aprendimos cosas sobre sus líderes [...] y entendimos por qué tenían problemas con los estadounidenses. Todos los coreanos que conocimos fueron muy cool, [...] estabamos rodeados de amor. No era como la gente nos lo había pintado"

Esto no tendría porqué irritarme, de hecho, su música no me disgusta y valoro su originalidad y decisión para lograr hacerlo. El mosqueo viene cuando -una vez más- se desinforma, se manipula o simplemente se cae en el error común de seguir al rebaño cuando se tocan temas vinculados a "enemigos" del capitalismo imperante. He leído la noticia en varios medios estadounidenses y el resultado es obvio (¿qué puedes esperar de ellos?) y lo mismo ocurre cuando lo leo en la prensa anglosajona, de imperio a imperio. Pero me molesta, en mayor medida si cabe, que eso ocurra en medios hispanoparlantes, por mi cercanía, vaya.

No es mi intención señalar a fulanito o menganito, quien esté interesado le bastará con googlear, pero sí pretendo recriminar al autor del artículo, a los que contribuyen en desinformar y a los que no hacen el mero esfuerzo (obligatorio, diría yo) de contrastar lo que leen, pero sin embargo, se esmeran en poner el grito en el cielo y compartir noticias absurdas (claramente falsas) sobre todo lo que tenga que ver con el socialismo. Yo sé que si eres un "periodista" especializado en cultura musical, la política puede no ser tu fuerte pero es tu obligación cumplir con el código deontológico del periodismo, contrasta, investiga y haz honor a la verdad.

Una vez dicho esto, os dejo con un blog en el que contrastan tanto como pueden la verborrea publicada en forma de noticias sobre Corea del Norte:

http://depyongyangalahabana.blogspot.com.es/

Cuando la NBA conoció la música (When NBA met music); Parte I

La relación entre el baloncesto y la música es innegable, más concretamente si hablamos de NBA, el rap ha sido el género por excelencia. El deporte y la música han sido las únicas vías posibles mediante las cuales salir del hood para muchos chicos negros de barrios marginales. Al final del túnel todos esperan contratos millonarios y lujos, como bien retrataba Spike Lee en 'He Got Game', protagonizada por Ray Allen aka Jesus Shuttlesworth (aprovechando que hace apenas unos días pudimos verle luciendo el nickname en su jersey de Miami).

Pero no solo eso, 2 de los artistas más conocidos han tenido y tienen relación con grandes franquicias de la NBA, Jay Z fue poseedor de un 1% de los Nets y lideró el traslado de éstos a Brooklyn desde New Jersey, y Drake, por su parte, ha emprendido un nuevo proyecto junto a los Toronto Raptors, cuyo resultado está aún por ver.

Y por supuesto, la lista de bandas sonoras que han proporcionado Kurtis Blow, Young Jeezy, Maino, Lil B, Gucci Mane, Kendrick Lamar o RiFF RAFF es muy extensa. Sin embargo, la música no ha ido siempre en esa dirección, en ocasiones de la propia NBA ha surgido la música.

Parece ser que Wayman Tisdale, quien jugó de ala-pívot en los 80's y 90's, abrió la senda de la música para jugadores de la mejor de las ligas de baloncesto tocando el bajo. En 1995 vio la luz su primer disco editado de título claramente inspirado, Power Forward, el cual fue galardonado con el Legacy Tribute Award por el Oklahoma Jazz Hall of Fame. Wayman tiene un total de 9 LPs publicados sin contar su 'Greatest Hits'.

Si seguimos tirando del hilo sin entrar todavía en el rap, tenemos a Walter McCarty, otro ala-pívot retirado que ejerce como entrenador asistente de los exlíderes de la división atlántica y actuales tankeadores, Boston Celtics. McCarty empezó su recorrido musical con 'Moment For Love' (2003) su álbum debut. Su último trabajo fecha de finales del 2012 y la verdad, no es, ni mucho menos, el peor R&B que he oído, juzgad vosotros mismos.

Ahora sí, llega el momento del rap. A principios de los años noventa Epic Records, un sello de New York, trabajó en una compilación de canciones interpretadas por jugadores de la NBA, ha sido el único intento formal que hemos llegado a ver en cuanto al susodicho tema se refiere. Se tituló 'B-Ball's Best Kept Secret' y quedó en un recopilatorio anecdótico ya que su calidad era la que se podía esperar. Por parte de la NBA participaron Dana Barros, Malik Sealy, Shaquille O'Neal, Cedric Ceballos, Brian Shaw, Chris Mills, Jason Kidd, J.R. Rider, Dennis Scott y Gary Payton, éstos fueron "ayudados" por Ill Al Skratch, Warren G, Sway & King Tech (YOU AIN'T GOT THE ANSWERS SWAY), Money-B, Grand Puba, Sadat X, AG y Diamond D.

Y repite O'Neal por peso pesado (en todos los sentidos posibles), Shaq tiene a sus espaldas, además del tema que comentamos, 5 LPs, un álbum recopilatorio, 4 singles en 2 BSOs y un famosísimo beef a Kobe Bryant. No todo queda en la música, Shaq Attaq ha protagonizado un par de bailecitos en ediciones del All-Star Weekend que pasaron a la historia, véase el de 2007 y el de 2009. Muy probablemente sea el jugador de la NBA más asociado al hip hop, pero por su relevancia en general, no por su talento en la música o el baile.

Si cuando mencionamos a Shaquille y el beef no os viene a la cabeza su (una vez) archienemigo Charles Barkley no sé qué hacéis aquí. Así es, Sir Charles no podía quedarse atrás y aparece "rapeando" en el siguiente spot de Taco Bell en el que también podemos ver a Lamar Odom (aquí el freestyle que protagonizó al más puro estilo RiFF RAFF, sin camiseta y hasta las cejas). Chuckster no contento con eso, estuvo rapeando sobre Watch the Throne en un club, pero no queda claro si su falta de maneras es por el alcohol o viene de serie.

[Parte II]

La vida de Adèle (La vie d'Adèle, 2013) de Abdellatif Kechiche

Mi compañero Viri se lamentaba en su entrada sobre “La gran belleza” que ésta hubiera pasado desapercibida en el festival de Cannes, pues bien, gran culpa de ello la tiene el trabajo del director Abdellatif Kechiche y la increíble actuación de sus protagonistas Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux en “La vie d'Adèle”.

La película es la adaptación de la novela gráfica “Blue” de Julih Maroh, en ella se relatan los últimos años de adolescencia de Adèle y su entrada a la madurez. Durante las casi tres horas de película somos testigos del cambio de mentalidad de Adèle y la búsqueda de su sexualidad frente a los convencionalismos sociales. El film expone el tema de la homosexualidad sin ningún tipo de pavor a la vez que también nos muestra el contraste del día a día de un instituto con el mundo intelectual parisino.

Adèle es una estudiante normal y corriente hasta que conoce a Emma, en ese momento su vida (y la película) dan un giro de 180º y pasa de unos diálogos típicos de adolescentes a charlas sobre Sartre o Gustave Klimt. Emma introduce a Adèle en la élite bohemia de París en la que en ningún momento se sentirá cómoda. Entre ellas surge una bonita historia de amor que llevará a Adèle a descubrir quién es realmente.

La actuación tanto de Adèle Exarchopoulos como de Léa Seydoux te dejan sin aliento, se transforman de tal manera en el personaje que es probable que durante los próximos años se les encasille como actrices.

El tema más controvertido de la película ha sido sus escenas de sexo lésbico entre las protagonistas. Casi se ha hablado más sobre lo explícitas de estas escenas que sobre la película en sí. En mi opinión, no es más que un reflejo del amor que se profesan Adèle y Emma. Pero la película es mucho más que sexo lésbico, simboliza la ruptura de los grilletes que imperan todavía en una sociedad supuestamente avanzada y el paso a la madurez de una joven con dudas sobre su sexualidad.

La película dirigida por Abdellatif Kechiche ganó la Palma de Oro en Cannes y ha estado nominada a los Globos de oro por la mejor película extranjera.