El doctor Frankenstein (Frankenstein, 1931) de James Whale

"Quien no haya experimentado la seducción que la ciencia ejerce sobre una persona, jamás comprenderá su tiranía"

Frankenstein, de Mary Shelley

El doctor Henry von Frankenstein (Colin Clive) es un brillante científico que está trabajando en un experimento que le permita dar vida a los muertos. Para ello, une partes del cuerpo de distintos cadáveres, creando una nueva figura humana (Boris Karloff). Su prometida (Mae Clarke) tratará de evitar que lleve a cabo tan macabro proyecto.

En la historia del cine se han realizado infinitas adaptaciones de clásicos de la literatura. Frankenstein de Mary Shelley es, sin lugar a dudas, una de las novelas que en más ocasiones se ha llevado a la gran pantalla. El primer precedente lo encontramos en 1910, cuando J. Searle Dawley se acercó a la obra de Shelley con un cortometraje de apenas 13 minutos de duración y escasa relevancia artística. Desde entonces, un extenso abanico de cineastas han ligado su nombre al de esta historia, como por ejemplo Terence Fisher, Kenneth Branagh o el propio James Whale. 

Si bien es cierto que la película que realizara Branagh en 1994 es la más fiel a la historia original, debemos decir que el filme que aquí tratamos es el más notable de todos ellos.

Las producciones que realizó la Universal en los años treinta sentaron las bases de lo que ha sido hasta hoy el cine de terror. Además del Frankenstein de James Whale, se debe recordar Drácula de Tod Browning, o Satanás de Edgar G. Ulmer, entre muchas otras. 

A estas alturas, resulta innecesario hacer hincapié en el argumento de esta conocidísima historia, o en las cuestiones filosóficas acerca del ciclo de la vida, la integración social de aquellos que son "distintos" etc. que la novela de Shelley planteaba. En cambio, el valor artístico de la cinta merece toda nuestra atención.

Whale y sus colaboradores consiguen crear una tétrica atmósfera, respaldándose en decorados de corte expresionista, una bella fotografía de Arthur Edeson, la memorable labor de maquillaje de Jack Pierce -su recreación facial del monstruo de Frankenstein es hoy reconocida por cualquier persona- y una remarcable interpretación de Boris Karloff, que imprime personalidad propia en el monstruo sin la necesidad de decir ni una palabra. 

Son muchas las escenas destacables de este filme; el momento de la creación, el famoso encuentro entre el monstruo y una inocente niña junto al lago, el molino incendiado por la muchedumbre.... 

A día de hoy, El doctor Frankenstein no produce el terror que debió sembrar allá en los años treinta -aunque la película no ha envejecido nada mal-, pero sigue siendo un referente para todos los cinéfilos y la obra cumbre del cine de terror. 

I got 99 problems, but a beat ain't one; #81 - Get Em High

[Beat anterior]

El noveno track de The College Dropout surge como oposición conceptual al anterior never let me DOWN // get em HIGH, del protobajón emocional al subidón de fiesta. Es la única canción del disco que no contiene samples, lo cual resulta curioso. Y En ella colaboran Common y Talib Kweli.

Título: Get Em High
Álbum: The College Dropout
Año: 2004
Autor: Kanye West feat. Common & Talib Kweli
Sello: Roc-A-Fella / Def Jam

Esta es una canción de la que no hablaré mucho, en realidad no lo haré puesto que Talib ya lo hizo en su día así que, gracias a @LesnarDPunisher que se ha currado la traducción, me limitaré a poneros las declaraciones que hizo el de Brooklyn sobre el proceso de creación del tema y sus sentimientos en cuanto al resultado:

Talib Kweli: "Cuando estaba trabajando en "The Beautiful Struggle", Kanye vino y me puso unos ritmos. Para entonces él era ya un artista de renombre, probablemente uno de los más exitosos del hip hop. Así que nuestra dinámica cambió ligeramente: antes, me hubiera enseñado instrumentales; pero ahora él estaba bastante ocupado.

Era como: "Oye, no tengo instrumentales porque he estado muy ocupado en este otro asunto, pero iré para allá y haré unas cuantas". Yo estaba en plan: "Ok, puedes hacer eso, pero ¿qué pasa si lo que hagas no me gusta? ¿vamos a poder encontrarnos para otra sesión?" Él me contestó algo parecido a: "No te preocupes por eso. Iré para allá y algo haré."

Así que me puse a ver cómo hacía la instrumental de "Get 'em High": la hizo en 15 minutos. Me comentó que el estribillo debería ser algo como "Throw your motherfucking hands up — Get em high", cosa que ya había escrito como estribillo tiempo atrás en mi carrera musical.

Me acomodé en la simplicidad de lo que Kanye estaba haciendo. Yo estaba en plan "¿Pon tus manos en el aire? Eso no es realmente lo que tenía en mente". Después me habló acerca de "fumar hierba" y yo le dije: "No sé si realmente quiero hablar sobre hierba. ¿Hay algo más?". Terminó por ponerme otras movidas suyas y creo que terminé escogiendo I try en esa sesión.

Él estaba como "Venga, esto es un pepino y si no vas a a implicarte en ello, yo sí lo haré". Unos meses más tarde, 'Ye estaba dándole los últimos retoques a The College Dropout cuando me llamó y me dijo: "tengo que terminar este álbum en 2 días, pero no puedo hacerlo sin que tú formes parte de él. Tengo esta canción con una instrumental hecha especialmente para ti. ¿Recuerdas Get 'em High? Common está trabajando en ella y me gustaría tenerte a ti en el proyecto con nosotros, pero tiene que ser ya." Yo estaba de gira en Europa, así que encontré un estudio, grabé mi trozo, se lo mandé y lo incluyó en el álbum. 

Un par de meses después, cuando el álbum salió, yo estaba de gira de nuevo. Les dije de parar en Target para hacerme con una copia. Ya no lo hago, pero por aquel entonces, si yo estaba en un álbum, escuchaba el álbum entero en lugar de saltar a la canción en la que aparecía para ver cómo encajaba.

Así que me puse a escuchar el álbum y quedé impresionado. Era como "este álbum es un clásico. ¡Oh, Dios mío! ¡Es increíble!". Estaba esperando, escuchando impaciente a llegar a mi canción.

Cuando Get 'em High saltó, mi verso empezaba una barra entera después de donde realmente empezaba. No editó las rimas, simplemente empezó una barra después. Es como cuando cuentas hasta cuatro y vas a rapear como "uno, dos, tres, cuatro...". Imagina que llega el cinco y entonces ahí empiezas.

Así que es como, quienquiera que se ocupara de ello cuando se lo mandé lo hizo mal. Matemáticamente, estaba dentro del ritmo, pero no era ni por asomo como se lo había mandado yo. Me sentí muy decepcionado. Llamé a Kanye y le dije: "Esto es de locos. ¿Cómo pudiste hacerme esto? ¿Qué está pasando?."

Yo estaba como: "tienes que arreglarlo para la segunda tirada del álbum". Él estaba como: "Lo siento. No fue mi intención, pero esa mierda suena guay". Yo le dije: "No suena guay ni yo rapeo de esa forma. Soy bastante mejor que lo que me has hecho sonar". Sencillamente estaba decepcionado con el resultado.

Entonces la gente empezó a llamarme y a mandarme e-mails diciéndome lo mucho que les había gustado. Yo sentía cierto desdén puesto que a la gente sólo les gustaba porque Kanye era popular. Sólo os sentís orgullosos de mi por aparecer en el álbum. Si hubierais escuchado cómo lo sobrellevaba, entenderíais mi posición. Pero después de un par de meses, me sobrepuse a ello y aprendí a aceptar el verso y los errores afortunados."

Basándonos en las palabras de quien, recordemos, colaboró con Nach (#FreeTalibKweli) parece que Ye no actuó de la mejor de las formas. Es evidente que un proceso de creación así, sin apenas comunicación, puede dar lugar a la insatisfacción de quien menos tiene que decir en el tema, en esta ocasión Talib. Sin embargo, dicha canción, como apuntaba el neoyorquino, ha recibido muy buenas críticas. Al fin y al cabo The College Dropout es un clásico moderno y así lo siente cada vez más gente.

Clásico o no, su popularidad es un hecho y así lo demuestran los múltiples remixes y mush ups que se han hecho de Get Em High:

[Beat Siguiente]

El 'otro' Murakami

Haruki Murakami es uno de los escritores con más fama a nivel mundial: sus fans se cuentan por millones, cada vez que escribe un libro se paralizan las librerías y es un perpetuo nominado al Nobel de literatura. Sin embargo no es el único Murakami que es una celebridad en Japón, hay otro escritor (es muchas otras cosas, pero principalmente escritor), que también ha obtenido un gran reconocimiento, se trata de Ryu Murakami.

Haruki a la izquierda y Ryu a la derecha.

Ryu Murakami nació en 1952 en Sasebo, en la prefectura de Nagasaki, después de la Segunda Guerra Mundial en Sasebo se colocaron bases navales de los Estados Unidos por ser un punto estratégico, este hecho marcó a Ryu que creció impregnado por la cultura estadounidense. Ryu saltaría a la fama cuando con 24 años se publicó su primer libro Azul casi transparente, una novela que conmocionó a la sociedad japonesa y rápidamente se convirtió en un bestseller y que hoy en día tiene categoría de culto.

La novela está basada en unos hechos que protagonizó el propio escritor y personifican la frase “sexo drogas y rock n' roll”. El personaje principal de la novela es Ryu, él y sus jovencísimos amigos toman drogas, van a conciertos de rock y preparan orgías para los soldados estadounidenses de la base naval -orgías en las que también participan-, todo ello descrito sin ningún tipo de pudor y sin prejuicios morales. Ryu además tiene una especial relación con una prostituta llamada Lilly.

Todas esas actividades forman una espiral de autodestrucción de la que no parece que quieran salir, sin ningún tipo de esperanzas, esos jóvenes representan las capas más bajas de la sociedad japonesa de la que pocas veces se había hablado.

La cultura americana está presente en todo el libro, como ejemplo, a la vez que se inyectan heroína escuchan discos de los Rolling Stones o The Doors.

Azul casi transparente vendió millón y medio de libros en tan solo seis meses y su fama traspasó fronteras. En Estados Unidos llegaron a decir que era “una mezcla de La naranja Mecánica, de Burgess, y El extranjero, de Camus”.

Edición de Azul casi transparente en español.

A partir de ahí vimos la parte más polifacética de Ryu Murakami, unos pocos años después llevo su obra al cine, disciplina que todavía sigue practicando ya sea como director o guionista. Una de sus películas más destacadas es Tokio Decadence (1992), cuyo personaje es una prostituta que quiere dejar el negocio (¿Lilly?) e irse con su amado. Ryu también tiene una gran pasión por la música y cuando era joven fue miembro de un grupo de música en el que él era el batería.

Pero a pesar de sus otras aficiones, Ryu se ha dedicado toda su vida a escribir novelas (unas 15), por desgracia sólo se han publicado unas pocas en español y son difícilmente accesibles por su corta tirada.

Entre Haruki y Ryu no hay nada en común, pero el primero ha comentado que uno de los pocos amigos escritores que tiene es Ryu, pese a que sus historias no parecen tener demasiado en común. En definitiva, hay otro Murakami, cuyo leitmotiv no son los gatos, sino las drogas y la cultura suburbana y que recomiendo encarecidamente.

La Sainte Chapelle, un edificio de cuento

Esta entrada llevaba mucho tiempo en borradores. Desde que comencé a escribir en el blog sabía que tenía que hacer una entrada sobre esta maravillosa construcción. Pero preferí esperar a después de las vacaciones pues en Semana Santa hice un viaje a París y pude conseguir más información y hacer fotos. (hay algunas en la entrada).

Por eso, ahora os invito a conocer más sobre este edificio. La Sainte Chapelle es conocida como la joya del gótico rayonnant o radiante, el cual se desarrolló en Francia durante el reinado de Luis IX (1226-1270) Las vidrieras y la luz son importantes en toda la arquitectura gótica pero en este estilo especialmente. La luz es el centro de todo como podemos observar claramente en nuestro edificio de hoy, liberando a las paredes de los muros para sustituirlos por grandes y coloridas vidrieras. Los edificios suelen ganar en altura y verticalidad. La luz no solo hace que los dibujos y los colores de las vidrieras sean visibles, si no que tiene una importante carga simbólica y religiosa. La luz es sinónimo de Dios, el que lo ilumina todo, el que nos enseña cómo debemos comportarnos, alejándonos de la oscuridad.

La Sainte Chapelle se encuentra en el seno de la Isla de la Cité, en París. El palacio con el mismo nombre fue residencia y sede de poder de los reyes de Francia desde el siglo X hasta el siglo XIV. Alberga la Conciergerie y la Sainte Chapelle, las únicas partes que pueden verse todavía del palacio más antiguo de los reyes de Francia, que son recogidas en el actual Palacio de Justicia de la ciudad francesa. Luis IX lo hace edificar entre 1242 y 1248 para conservar las reliquias de la Pasión de Cristo. La más conocida de ellas es la Corona de Espinas, adquirida en 1239. Estas Reliquias habían pertenecido a los emperadores de Constantinopla desde el siglo IV. Al comprarlas, se incremente el prestigio de París, que se convierte a los ojos de Europa en la Nueva Jerusalén, y por tanto segunda capital de la cristiandad. Durante la Revolución Francesa, la Sainte Chapelle, simbolo del derecho divino de los reyes, sufre numerosos deterioros. Sin embargo, las vidrieras se mantienen y en 1846 comienza una gran campaña de restauración a la que debe el edificio su aspecto actual.

Aunque la Sainte Chapelle posee dos capillas, una inferior y otra superior, solo me voy a ocupar de la segunda. Como un verdadero relicario monumental está suntuosamente decorada. Las esculturas y las vidrieras se complementan para glorificar la Pasión de Cristo y dar la impresión de acceder a la Jerusalén celeste, bañada de luz y color. Las 1113 escenas de las 15 vidrieras cuentan la historia de la humanidad, desde el Génesis a la resurrección de Cristo. Catorce de las vidrieras representan episodios bíblicos y se leen de izquierda a derecho de arriba a abajo.

También podemos encontrar la estatua de San Pedro, original, al igual que la de otros cinco apóstoles,. Los doce apóstoles fueron dispuestos simbólicamente en los arranques de las bóvedas, como 'pilares de la Iglesia'. El gran relicario que contenía las 22 reliquias de la Pasión de Cristo, se exponía en la tribuna pero fue fundido en la Revolución Francesa. Las reliquias que sobrevivieron se guardan en Notre-Dame.

Aunque ya había estado en la Sainte Chapelle, no recordaba con exactitud la maravilla que es este edificio. Es como transportarte a otro mundo, un mundo de cuento, como ya anuncia el titulo. A pesar de todo hubo vidrieras que no pude ver porque estaban en restauración. Algo que puede pasar más de lo que parece, porque el Arco del Triunfo estaba en iguales condiciones. Todo sea porque monumentos como estos se mantengan durante años y años. Mi amor por la arquitectura gótica y en especial por las vidrieras es infinito. y sin duda, ahora puedo afirmar este que es mi edificio favorito.

L'Atalante (ídem, 1934) de Jean Vigo

"El amor conquista todas las cosas; démosle paso al amor"

Virgilio

Una pareja de recién casados -Jean (Jean Dasté) y Juliette (Dita Parlo)- emprenden su viaje de bodas a bordo de L'Atalante. En su trayecto por los canales del Sena les acompañan Jules (Michel Simon) y su joven ayudante. Las disputas entre los dos enamorados llevará a un conflicto que amenaza con romper su recién formalizada relación. 

En 1934, el cineasta francés de origen catalán Jean Vigo filmó su segundo y último largometraje, L'Atalante. Su trágica muerte el Octubre de ese mismo año a causa de una tuberculosis acabó con uno de los más prometedores directores del momento y con una figura que influenció a toda una generación de cineastas. 

L'Atalante fue rodada en estrecha colaboración con el cinematógrafo de origen ruso Boris Kaufman, y se trata de una de las obras francesas más reconocidas a nivel mundial. Su innegable influencia y la perceptible modernidad que aún hoy posee la sitúan en un destacado puesto tanto para críticos como para cinéfilos independientemente de su origen o nacionalidad. 

La película presenta la historia de una pareja con personalidades contrapuestas. Mientras que Jean es un hombre feliz que se conforma con su navío y la cotidianeidad, Juliette es una joven soñadora que ansía vivir aventuras y conocer la ciudad de París. Su amor no se pone en duda en ningún momento, pero sus diferencias originan todos los conflictos que tienen lugar durante el filme. 

Entre ellos se sitúan dos figuras más. Por un lado la de Jules, el excéntrico marinero que dirige la embarcación -este es uno de los personajes más peculiares, divertidos y fascinantes que jamás se haya visto en pantalla- y por el otro un joven seductor que tienta a la aventurera protagonista y que genera unos celos incontrolables en Jean.

Qué decir de las proezas técnicas y de la enorme imaginación y valentía que muestra la dirección de Vigo. El francés no solo experimenta, innova e imagina, sino que además acierta en cada uno de los recursos que termina usando. Personajes que se acercan a la cámara, fundidos en negro más que sugerentes, juegos visuales y sonoros y ante todo un montaje en paralelo que nos legó una de las más tiernas y románticas escenas de amor de la historia del cine. 

Todo ello en su conjunto, sumado a una excelente ambientación y un gran dominio de la cámara por parte de Kaufman, acaba por formar una de los filmes románticos más sencillos y encantadores que se puedan ver. 

Cuanto más tiempo pasa, más cuenta se da uno de la enorme relevancia de L'Atalante, un filme que anunciaba un futuro muy grande para su realizador que desgraciadamente nunca pudo emprender. 

L'Atalante es un canto al amor por encima de las diferencias que puedan surgir entre dos personas, sean cuales sean. Y ante todo es un poema romántico, sutil y bello por igual, que enlaza con el alma del espectador. 

Gucci Mane x Young Thug; Young Thugga Mane La Flare

Gucci Mane, el Trap God, y la nueva sensación en Traplanta, Young Thug, lanzaron ayer 20 de abril una de las mixtapes más esperadas del año titulada Young Thugga Mane La Flare. Está compuesta por 13 canciones, hosteada por DJ Holiday y producida por los beatmakers del momento (C4, Metro Boomin’, Honorable C.N.O.T.E, etc.), además, por si estos dos pesos pesados de ATL te supieran a poco, encontramos colaboraciones de Takeoff (Migos) y PeeWee Longway en YAY y Took By A Bitch respectivamente.

Young Thug es el autor del archiconocido tema Stoner y Gucci, bueno, él dedicó a la hierba nada más y nada menos que veinte canciones en el Gas de su III World War (Gas, Lean y Molly). En parte por esta pasión común por la hierba han decidido publicar la tape el 4/20, el 20 de abril.

Por supuesto, el verde (ambos) no son el único vicio que comparten, es conocido por todos el daño –según se mire, a mí me ha flipado- que le ha hecho el purple drank a Guwop, pues su nuevo pupilo no se corta un pelo tampoco en el asunto,  y es que al fin y al cabo, no olvidemos que se trata de Atlanta, los chavales pasan del biberón al double cup del tirón.  

 

Hablando estrictamente de música esta cinta me ha dado la vida, en su día, cuando descubrí a Gucci, quemé I’m Up y Trap Back hasta la saciedad, pero es que desde ese 2012 la cosa ha ido a menos, cada vez me costaba más acabar una mixtape y el cabrón no hacía otra cosa que soltar una cantidad infumable de temas (véase el III World War antes mencionado). Young Thugga Mane La Flare era, muy probablemente, la última oportunidad que le daba y ha conseguido salvarlo en el último momento, still the Trap God.

En cuanto a Thugga, me mola Future y me mola toda intentona de Future, se llame Yung Beef (aunque para mí siga siendo el Seco) o se llame Young Thug. Si bien es cierto que no tolero muy bien los grititos y los hooks en los que lloriquea, el resto del tiempo suena bastante bien.

Un ejemplo de esto que comento son los temas OMG y Hot Boyz, la intro. En OMG son dos minutos y pico insufribles, no creo que nadie pueda soportar tal berrido más de 30 segundos, y la guinda la pone C4, quien me parece el peor productor de la historia –lejos queda ya Skattini, s/o para él, ¿oíste?-, con ese beat de broma. Mas, en cambio, en la intro lo hace bien guapo, Gucci tiene el doble de tiempo que él en ese tema pero no es cuestión de sonar más o menos, se trata de sonar bien y él lo hace.

A destacar, las colaboraciones. Takeoff bien, ni más ni menos, como le esperaba; y PeeWee Longway es para mí la salvación, en su tema empieza Gucci, todo bien hasta que salta Thugga con el hook, ahí es cuando tienta pasar a la siguiente canción pero si aguantas un poco viene PeeWee y te devuelve la cordura. Por desgracia, Took By A Bitch no es uno de esos tracks que acaban con final feliz (#NoBlowjob), el jovencito vuelve para dejarte mal sabor de boca (#StillNoBlowjobTho).

Paso a valorar tema a tema y la mixtape en conjunto:

1. Hot Boyz (Intro): Como me pasó con el Mac & Cheese de French Montana, me da la sensación que lo mejor de la tape es la intro. [5/5]

2. Bricks: Ya lo había oído antes de soltar la mixtape y me parecía un buen choon; "Got bricks like mutherfuckin' project". [5/5]

3. Need (prod. by Sonny Digital): El hook es muy simple pero me gusta, aun no pasar a la historia it's okay for me. [4/5]

4. Ride Around The City: El beat está guapo, Gucci hace lo suyo y Thugga no la lía. Hay que fijar la atención en el "skeeerrt" del 0:29 y 1:40, verdaderamente memorable.  [5/5]

5. Stoner 2 Times (prod. by Honorable C.N.O.T.E): No es Stoner pero aguanta el tipo como secuela del choon de fumaos. [4/5]

6. OMG BRO (prod. by Lex Luger): Esta me ha dejado algo frío, un tema normal, no sé, como muchos otros. [2'5/5]

7. YAY ft. Takeoff: Menos pesado que cualquier tema de Migos, igual no serán culpa del chaval. Este beat me ha flipado. [3'5/5]

8. Dont Look At Me (prod. by Metro Boomin' & 808Mafia): No da la talla a ningún nivel, muy del montón para abajo. [2/5]

9. Out My Biz: La musicalidad que me gusta, estos estribillos son los que tendría que hacer siempre Young Thug. Tan solo una pega, hay un chirrido agudo que no deja de sonar y me resulta muy molesto. [4/5]

10. Took By A Bitch ft. PeeWee Longway: No hay mucho más que decir que lo comentado. [2/5]

11. Siblings: Las primeras escuchas no me molaba pero te vas haciendo a ella a cada play, dadle una oportunidad. [3'5/5]

12. OMG (prod. by C4): Lo peor de la mixtape con diferencia. [0'5/5]

13. Lef Some: Al igual que OMG BRO, regular, algo sobrecargada. [2'5/5]

Como veis, la primera mitad del trabajo es mucho mejor que la segunda, hay un par de temas de relleno y una aberración. La estructura es la mejor para escucharlo si no te fías mucho de estos tipos, con las primeras canciones te ilusionan y luego te pasas el resto del tiempo salvándolo por un buen tema de cada tres.

No sé si es por Young Thug o ha sido arbitrario pero suena muchísimo menos oscura y cargada, en plan barroco sucio, que lo que he escuchado últimamente de Guwop y eso para mí es una buena noticia.

Lo que lamento es que Gucci cambie a Waka Flocka por Thugga en lugar de juntarlos, esta peña de Brick Squad y sus movidas macho... Los encontramos juntos en Shine y me gustan mucho, creo que encajan bastante bien, no quiero una tape entera pero una colabo era must.

Gucci Mane x Young Thug; Young Thugga Mane La Flare: [4/5]

Podéis descargar la mixtape aquí y escuchar el streaming de la No DJ version aquí.

Ordet (La palabra), (Ordet, 1955) de Carl Theodor Dreyer

¿Por qué entre los creyentes no hay uno solo que crea?

La acción se sitúa a finales de los años 20. En una granja de la Jutlandia Occidental reside la familia Borgen, compuesta por el patriarca Morten (Henrik Malberg), sus tres hijos, la esposa del mayor de ellos, y sus dos nietas. Johannes (Preben Lerdorff Rye) ha perdido el juicio y cree ser la encarnación del nuevo Jesucristo. Además, el más joven de los hijos de Morten, Anders (Cay Kristiansen), se ha enamorado de una joven que pertenece a una orden religiosa rival.

Ordet es generalmente considerada la mayor obra maestra del director danés Carl Theodor Dreyer. La obra del cineasta escandinavo puede no ser muy extensa, pero está repleta de filmes de enorme calibre. De lo que no hay duda es que Ordet es una de las cimas del cine Europeo de los años 50. 

La película, basada en una obra de Kaj Munk, presenta a una familia que vive en una comunidad profundamente religiosa pero que se relaciona con la fe de manera individual y diferenciada. Así, cada personaje -no únicamente los principales sino también los secundarios que van apareciendo a lo largo del metraje- presenta una posición distinta respecto a la religión. Por un lado tenemos el abuelo Morten, que al igual que el padre de la joven que ha conquistado el corazón de su hijo Anders, representa aquella creencia intransigente y rigurosa; por otro está Mikkel (Emil Hass Christensen), el mayor, un ateo convencido; su esposa Inger (Brigitte Federspiel), que muestra el lado más humanista de la fe; el joven Anders, que resta indiferente hacia las cuestiones teológicas; y por último Johannes y las dos niñas, que simbolizan la fe ciega mediante la locura y la más pura inocencia. 

Pero Ordet no reflexiona únicamente sobre la fe y la religión, también se muestra como un relato costumbrista que contrapone los tiempos pretéritos con el futuro. Buen ejemplo de esto son las discusiones que mantienen el doctor, hombre de ciencia, con el párroco, simbolizadas por los transportes que estos usan -el coche en el primer caso y el clásico carro en el segundo. 

Pero la complejidad de esta obra de Dreyer va mucho más allá de lo que aquí podamos resumir. Su escena final, en que la fe de la hija de Inger la devuelve la vida, es el perfecto ejemplo de las múltiples lecturas que se pueden extraer de la película. En nuestro caso, coincidimos con aquellas que apuntan a que el milagro que nos retorna a Inger -este personaje es tan humano y maravilloso que uno acaba por apreciarlo profundamente- es un canto a la vida, una exaltación del poder de la fe no solo en Dios sino también en el hombre. El poder de la fe, en definitiva. 

Analizando la película desde el aspecto formal, hay que apuntar que Ordet recoge en su plenitud las características más personales de su director. El predominio de los tonos claros se hace patente gracias a la extraordinaria fotografía de Henning Bendste y se combina con la austeridad en la decoración tan recurrente en el arte Dreyeriano. El danés dirige mediante largos planos secuencia en que la cámara se desplaza con suavidad siguiendo la acción. Este ejercicio de planificación encumbra la técnica del escandinavo y asienta el estilo lingüístico que el director venía desarrollando. También hay que destacar el trabajo de todos los actores y la hondura del guión adaptado por el propio director. 

Como decíamos, esta es una obra imprescindible, referente absoluto del cine de Carl Theodor Dreyer y uno de los acercamientos más conseguidos al complejo mundo de la religión y la fe. 

Días del cielo (Days of Heaven, 1978) de Terrence Malick

"Mi amiga no tenía dinero, y ni siquiera sabía dónde ir, ...supongo que encontraría algún chico que la hiciera feliz,...al menos eso deseo porque era mi amiga , me caía bien y la quería..."

Tras matar accidentalmente a su capataz en una fábrica de Chicago, Bill (Richard Gere) decide abandonar la ciudad y trasladarse a un entorno rural donde pueda hallar otro empleo. Lo hace junto a Abby (Brooke Adams), su novia, y Linda (Linda Manz), su hermana menor. Finalmente llegan a Texas, donde encuentran trabajo en la granja de un patrón que termina por enamorarse irremediablemente de Abby.

Segundo largometraje de Terrence Malick, tras su extraordinario debut en Malas Tierras (Badlands, 1973). En esta ocasión, el cineasta tejano presenta la historia de un triángulo amoroso ambientado en la Norteamérica rural meses antes de la Gran Guerra. 

Igual que ocurría en Malas Tierras, los acontecimientos nos son narrados por una joven y enigmática mujer, en este caso Linda. Las imágenes prevalecen sobre los diálogos y la narración elíptica característica de Malick conjuga a la perfección con el resto de elementos para formar un filme bello y poético por igual.

Y es que el poderío de las imágenes que gozamos en Días del cielo se lo debemos por igual al enorme talento de Malick y a la sublime labor en la fotografía del barcelonés Néstor Almendros -su trabajo le valió el Oscar de la academia. Otra valiosa aportación al conjunto la realiza el mítico Ennio Morricone con una banda sonora repleta de lirismo y pasión. 

Como suele ocurrir en el cine del Estadounidense, la película ofrece múltiples lecturas y aporta reflexiones de todo tipo al espectador. A grandes trazos, la cinta reflexiona sobre la condición humana, las diferencias sociales del país a principios de siglo, la pérdida de la inocencia y la complejidad del amor y lo que éste conlleva. 

Hay una cosa que podemos garantizar, Días del cielo legará en su memoria imágenes de enorme calado que viajarán con ustedes para siempre. 

Tras el estreno de Días del cielo, Terrence Malick decidió instalarse en París y abandonar el mundo del cine por un tiempo. Veinte años después, volvería a escena con la portentosa cinta bélica La delgada línea roja, una de las mejores películas jamás realizadas en dicho género. 

Fitzcarraldo (ídem, 1982) de Werner Herzog

"Para que pueda surgir lo posible es preciso intentar una y otra vez lo imposible"

Hermann Hesse

Brian Fitzgerald "Fitzcarraldo" (Klaus Kinski) es un excéntrico hombre de negocios irlandés que ha perdido toda su fortuna debido a sus cuantiosas inversiones en negocios imposibles. En esta ocasión, ha decidido construir una ópera en un pequeño pueblo peruano a orillas del Amazonas. El único apoyo con el que cuenta es el de su esposa (Claudia Cardinale), por lo que necesitará una empresa previa que le ayude a obtener el capital necesario. Su plan consiste en la explotación de una zona rica en bambú pero inaccesible geográficamente. Sus alocadas ideas parecen no tener fin cuando se decide a transportar un gran barco fluvial de un río a otro cruzando la cima de una montaña.

Del peculiar y excéntrico tándem formado por Werner Herzog y Klaus Kinski surgieron algunas de las más destacables obras cinematográficas de los setenta y ochenta. Entre ellas, destacan Aguirre, la cólera de dios (Aguirre der Zorn Gottes, 1972), Nosferatu, vampiro de la noche (Nosferatu: Phantom der Nacht, 1979) y la película que aquí tratamos, Fitzcarraldo. 

Cabe decir, empero, que Klaus Kinski no formaba parte del proyecto inicial, pero la baja por enfermedad de Jason Robards forzó la contratación del primero. Otro aspecto digno de mención es la participación inicial de Mick Jagger en el rodaje, concretamente en un rol secundario pero de cierta relevancia argumental. Debido a los continuos retrasos en el rodaje, Jagger acabó por abandonarlo como consecuencia de sus compromisos con los Rolling Stones. Si conocen mínimamente la figura de Herzog, no les sorprenderá que les diga que éste volvió a iniciar todo el procedimiento de grabación tras cada uno de estos escollos. 

Tratando ya aspectos más concretos del filme, debemos destacar el carácter obsesivo de su protagonista -hecho característico del cine del director bávaro- y el hiperrealismo de la cinta, que ofrece momentos de corte documental -Herzog realizó a la práctica aquello que nos muestran en el filme. No hay efectos especiales en Fitzcarraldo, realmente subieron un eneorme barco por una montaña mediante un complejo sistema de poleas, resultando varios trabajadores heridos. Además, la aparición de auténticos indígenas en el filme dota de mayor realismo -si cabe- al conjunto. 

Naturalmente, los costes de la producción fueron muy elevados y los problemas durante el rodaje fueron incontables. Además de la complejidad de aquello que trataban de lograr, hay que añadir el fuerte carácter de Kisnki, que fue un inconveniente para todo el mundo. Y es que el carácter obsesivo del protagonista no deja de ser un reflejo de la personalidad del director e incluso del propio Kinski.

En definitiva, una aventura inolvidable de la que se pueden extraer distintas lecturas y que sin duda supuso un logro sin igual para todos aquellos que participaron en dicha empresa. Un clásico imprescindible de los ochenta. 

Oasis vs Blur: la guerra por la corona del britpop

Hace una semana nos llegó la noticia de que Damon Albarn y Noel Gallagher podrían estar trabajando en un disco conjunto, cosa que encajaría teniendo en cuenta que hace un año tocaron juntos en un concierto benéfico. Esta noticia corrió como la pólvora por todo el Reino Unido y al ser preguntado por esto, Damon Albarn dijo “Ok, hemos hablado un poco. Estamos hablando. No es nada para emocionarse todavía”.

Esta declaración no tendría nada de especial si no fuera por los personajes que la forman: el líder de Blur y el fundador de Oasis, dos de las bandas con más popularidad durante los 90, máximos exponentes del britpop y iniciadores de la mayor rivalidad en el rock n' roll de esa década.

Se dice que todo empezó cuando en una fiesta Liam Gallagher (frontman de Oasis) le dijo a Damon “number one, number one” porque el single 'Some might say' de Oasis había alcanzado la cima en las listas británicas. Era 1995 y Oasis y Blur eran dos de las bandas con más seguidores del momento. A Damon Albarn no le debió sentar muy bien lo que dijo Liam y adelantó la salida del nuevo single de su banda para que coincidiera exactamente el mismo día que el de Oasis. A partir de aquí el mundo enloqueció, las revistas musicales y las radios sólo hablaban de la batalla del britpop y el país se dividió en dos.

Llegó el día 20 agosto de 1995 y durante esa semana 'Country Horse' de Blur había vendido 274.000 copias mientras que 'Roll with it' de Oasis 216.000, Blur había ganado la batalla y parecía que la guerra cuando el disco 'The Great Escape' salió a la venta con aclamación de crítica y público. Pero Oasis no había dicho su última palabra, al mes siguiente Oasis lanzó '(What's the story) Morning Glory?', disco que los catapultó a la fama con canciones como 'Wonderwall' o 'Don't Look Back in Anger'. Además el segundo disco de la banda de Manchester se convirtió en un éxito mundial y actualmente es el quinto disco con más ventas de la historia del Reino Unido. 

A partir de aquí constantes cruces de palabras entre las dos bandas pero sobretodo marcadas por el carácter temperamental de los hermanos Gallagher, entre algunas de sus lindezas destaco esta frase de Noel: "People say we're the Rolling Stones and that Blur are the Beatles. We're the Stones and the Beatles. They're the fucking Monkees!" 

La rivalidad llegó hasta el punto de que en los brit awards de 1996 Oasis ganó el premio a disco del año por delante de Blur y al recogerlo se mofaron de Blur cantando uno de sus principales temas modificado (en vez de Parklife, cantaron Shitlife):

A partir de ahí poco más, la fiebre por el britpop se había esfumado y había dejado paso a otras bandas como Radiohead con su álbum 'OK Computer'. Oasis volvió a sacar un tercer álbum muy parecido a los otros dos que, si bien tuvo bastante éxito, evidenció que el britpop se había llegado a su fin. Blur por su parte se reconvirtió en una banda de corte más alternativo con su disco homónimo “Blur” y supo reinventarse. 

Durante la siguiente década Oasis hizo más discos (algunos realmente malos he de decir) y finalmente acabó separándose por las constantes disputas entre los Gallagher, Liam inició una banda con antiguos miembros de Oasis que se llama Beady Eye y Noel siguió en solitario con 'Noel Gallagher's High Flying Bird'. Por su parte, Damon creó Gorillaz, una banda que se basaba en animaciones y siguió sacando discos en solitario (el próximo está a punto de salir). 

Alejado de la mala influencia de su hermano (jé), ahora Noel parece haber hecho ya las paces con Damon y sería un auténtico lujazo ver de que son capaces estos dos músicos que, durante unos años, fueron los mayores ídolos de masas de un país con una tradición musical tan importante como lo es el Reino Unido.

Os dejó con la actuación de Noel y Damon tocando 'Tender' de Blur.

Chief Keef; A Chiraq Soldier

En Chicago, la ciudad del viento, encontramos uno de los índices más inquietantes en cuanto homicidios, no solo de Estados Unidos sino de todo el mundo. en 2012 se registraron 506 homicidios, lo que significa una media de casi dos cada día o 200 muertes más de las que se contaron en Afganistán.

El panorama en el núcleo urbano más poblado de Illinois es alarmante, así como en otras ciudades del propio país (véase Detroit, St. Louis o Baltimore), pero una de las diferencias respecto a éstas es que en Chi-Town ha surgido recientemente un subgénero del hip hop que ha cautivado los oídos menos exigentes del mundillo, el drill. Tanto la crudeza y la violencia que reflejan sus letras como beats tienen una clara influencia del trap sureño. No debe ser nada nuevo para todo aquél que se proponga estar un poco al día de la escena estadounidense, ya que sea por las constantes polémicas noticias que protagoniza una de las cabezas más visibles del género, Chief Keef, o por la repercusión que tiene dicho sonido en otros ámbitos (la reciente colaboración de Nicki Minaj con Lil Herb es un claro ejemplo).

Personalmente, consumo -aún en modo rookie- una considerable cantidad de esta música. Lo hago porque no es tan solo el sonido lo que me atrae, sino el panorama que lo envuelve, la realidad que se vive en los barrios pobres de la ciudad que vio crecer a Kanye y a Lupe, de "Chiraq". Es imposible que no despierte algo en ti el hecho de escuchar un día 4 temas de L'A Capone, un mocoso con poco más de 16 años, y a los pocos meses leer que ha muerto, que le han pegado dos tiros en medio de la calle; o que un colega suyo, RondoNumbaNine, con el que tiene varias canciones y que también te gustaba su rollo va a entrar en la cárcel por hacer lo mismo que alguien le hizo a L'A, en mi caso eso despierta un interés evidente. #FreeRondoNumbaNine #RIPLACapone

Es por ello por lo que me encantaría dedicar una entrada, dos o una semana monográfica al tema pero mi desconocimiento es demasiado grande como para meterme en un jardín de esas dimensiones. Así que, no pudiendo evitar tratar de alguna forma esta cuestión, me he decidido a escribir sobre lo que sí puedo, mi opinión y mis gustos (aquí es cuando os doy la oportunidad de sudar de seguir leyendo porque os da exactamente igual lo que yo opine o deje de opinar).

Para los raritos que hayan seguido comentaré un par de aspectos en relación a Chief Keef. Ya he mencionado antes que es uno de los máximos exponentes de la drill scene, es difícil calificarle o no como originator puesto que habían otros artistas que pusieron a la vez las primeras piedras pero lo que podemos afirmar sin miedo a equivocarnos es que la publicación de su single I Don't Like en marzo de un lejano 2012 y su correspondiente videoclip cinco meses más tarde supusieron un fenómeno viral en internet que acabó por convertirse en la puerta hacia esta nueva escena neonata.

Mi descubrimiento de Keef no fue algo especial, como la mayoría, vi el susodicho clip y no pude quitarme la canción de la cabeza en una semana, rebusqué un poco entre la basura de internet con la esperanza de encontrar otra perla como la que tenía con Lil Reese que no hubiera explotado aún, pero no encontré nada de valor hasta que un par de meses más tarde el tuitdifunto Bankley (#RIPB7NKLEY) me pasó Love Sosa durante una conversación en la que nos mofábamos de lo malo que era Soulja. Era la risa escuchar esa canción del niñato de turno metido hasta las cejas que, pronosticábamos, sería el próximo juguete roto del rap en USA. La primera escucha era infumable pero a medida que ibas dándole al play iban aumentando las ganas de dejarla en repeat, el resultado fue otro hit.

Eso era 2012, dos años más tarde me veo creando una carpeta en el escritorio en la que guardo aberraciones musicales que podría escuchar durante semanas y Sosa tiene más de un tema.

¿A santo de qué digo esto? Esto lo escribo para introducir la cuestión central, hace unos días leí una noticia publicada en conceptoradio titulada "Shooters" de Chief Keef es lo mejor que el capo de los Glory Boyz te puede ofrecer..., ésta trataba sobre las dos últimas canciones del de Chicago, Shooters y Hundreds. Dicen que el primero es el mejor de sus singles, que tiene "coros entristecidos, elegantes telas de sintetizador y acabado futurista". Pues bien, discrepo al 500%, no son coros entristecidos es la voz de un tipo que se mueve entre la marihuana y el lean, además, la letra no dista de a lo que nos tiene acostumbrados. Eso de las elegantes telas de sintetizador... a mí me parece un beat, a todos los niveles, muy pobre además de monótono. Y el acabado futurista, no sé si lo deducen del exceso de delay en todo el tema, del efecto que aparece en el 2:52, el que podías hacer en 2007 con el Virtual DJ, o del halo de suspense en plan Expediente X que desprende el sintetizador. En cualquier caso, Shooters me ha parecido un tema mediocre (dentro de los parámetros ChiefKeefianos) con un par de líneas casi memorables.

"I got a AK same height Kay Kay"

En lo que sí coincido totalmente es en la chapa que dan los múltiples tags de DJ Hustlenomics, se repiten hasta la saciedad y aparecen de principio a fin. Si de Shooters se trata, tal y como tuiteé hace unos días, pienso que el tema de RondoNumbaNine y L'A Capone, antes mencionados, le da mil vueltas al de Sosa.

Y lo justo sería que dijera cuáles son los temas del Glo Boy que me parecen un desfase para que cualquier miembro de dicha web, amigo o conocido pudiera devolverme la colleja. Ol rait, me rebozo con los temas pasadísimos de autotune (tienen un plus si hace gárgaras en él) y beats tan altos que se comen la voz a veces y me pueden estribillos que parecen mal cantados a propósito que acaban por fliparme por lo sucios que son. Creo que es la mejor forma de la que soy capaz de describirlo, para quien no lo entienda, y con esto acabo, me refiero a temas como estos: